L'arte come fotografia: educare al silenzio

	
  	
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insomma voglio imparare ad “ascoltare” ciò che la 
fotografia mi indica. Al contempo realizzo che il 
mio stesso bisogno è anche quello di altri milioni di 
persone, che abitano, la società dell’immagine. 
Una società che tuttavia, non favorisce l’ascolto 
profondo né stimola quello educativo. Sono andato 
quindi alla ricerca di uno strumento alternativo col 
quale poter educare all’immagine come desideravo 
e l’ho trovato nella fotografia d’arte. 
Come ogni altra forma di scrittura (foto-phos e 
grafia-graphis. Lett. “scrivere con la luce”) la 
fotografia comunica, interpreta, emoziona e ci 
insegna ma la fotografia d’arte, si distingue, da 
tutti gli altri generi perché pretende delle precise 
competenze di lettura visiva. Ricordo che è stato 
incredibile quando ho ottenuto tali capacità. 
Improvvisamente ogni immagine iniziava a 
parlarmi nell’animo. Mi accorgevo con il passare 
del tempo che non solo stavo iniziando a capire 
qualcosa di più sulla tecnica fotografica, sull’arte, 
ma iniziavo a capire qualcosa in più sugli uomini, 
sul mondo e su me stesso. Riscontrare una valenza 
educativa in alcune fotografie, tuttavia, non è 
semplice. Serve volontà ma soprattutto un metodo 
per scendere in profondità ed evitare di soffermarsi 
sulla superficie delle cose. Nella società 
dell’immagine tuttavia non è incentivato nulla di 
tutto questo, anzi la tendenza generale dei media 
è di spingerci a letture in superficie, si pensa a 
come moltiplicare le esperienze o a nuovi mezzi 
per accedere al reale. Nel flusso comunicazionale ci 
si perde e si perde progressivamente anche la 
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capacità di interpretare veramente l’immagine 
fissa, l’immagine fotografica. Milioni di analfabeti 
dell’immagine invadono una società che 
paradossalmente, è sempre più dell’immagine e 
sempre meno della scrittura. Roland Barthes al 
riguardo ci fornisce, un metodo d’analisi 
interessante, per tornare a “sentire” l’immagine.  
Il suo metodo
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 però, non è scientifico, anzi lo 
stesso autore nega la possibilità di una lettura in 
tal senso. I suoi ragionamenti prendono in 
considerazione la soggettività pura, puntualizzando 
la centralità del referente ed esaltano il silenzio 
dell’occhio che indugia, sul punctum-particolare. 
Barthes per teorizzare tutto questo parte da un 
presupposto, ben preciso: “l’immagine fissa è per 
natura predisposta alla rielaborazione dello 
sguardo individuale e quindi, alla visione 
personale
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”. Trovo tale affermazione, illuminante ai 
fini del mio lavoro, perché è il punto di partenza 
per cogliere la grande valenza educativa della 
fotografia d’arte. Il metodo di Barthes dunque ci 
proibisce di categorizzare l’attrattiva verso una 
fotografia. Ciò significa che non dobbiamo 
giudicare uno scatto solo ed esclusivamente 
secondo le categorie bello/brutto. La fotografia va 
giudicata in base allo stimolo. Se c’è, si può 
parlare di avventura poiché la fruizione è come un 
viaggio, dentro e attraverso sé stessi. Ogni 
percorso visivo diventa un’occasione per imparare 
e chiaramente più ci si addentra nell’immagine, più 
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
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 Roland Barthes, La Camera Chiara, Torino, Piccola Biblioteca Einaudi, 1980 
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 Ivi	
  
	
  	
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si percepisce il senso del luogo che si sta 
esplorando. Non è un caso che s’inizia a sentire in 
modo autentico, solo quando si scende in 
profondità. É solo allora, infatti, che possiamo 
determinare con certezza se uno scatto ci avviene
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oppure no. Al riguardo posso aggiungere che è 
sempre l’attrattiva che abbiamo verso alcuni 
dettagli che anima la foto, che la fa esistere per 
noi. C’è un tipo di utilizzatore, ad esempio, che 
appena vede uno scatto, comincia a mettere in 
azione la sua fantasia; egli vede in ciò la 
caratteristica del vero intenditore e giudica il 
valore di un’opera secondo l’intensità con cui 
questa stimola la sua mente. Roland Barthes non 
si limita a questo, la sua riflessione, scaturisce 
come conseguenza di una corretta visualizzazione 
dell’immagine. Così deve essere per il fruitore 
ideale di fotografie d’arte. La foto, per 
schematizzare, diventa oggetto di tre emozioni: 
Fare, subire e guardare. L’operator è il fotografo 
che fa. Lo spectator siamo tutti noi che 
compulsiamo, che subiamo l’immagine, o meglio, il 
suo messaggio. Infine, ciò che è fotografato, è il 
bersaglio. Il referente. Lo spectrum. Inizialmente, 
come spectator, m’interessavo alla fotografia solo 
per sentimento, quindi mi capitava di giudicare gli 
scatti, secondo l’affetto e l’effetto, che mi legava 
alle immagini.  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
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 Roland Barthes, utilizza questo termine per indicare qualcosa che si fa 
evento in noi. Si riferisce, quindi, all’avventura che si vive, ogni volta che un 
immagine ci attrae, ci colpisce  e inevitabilmente ci spinge ad una attenta 
lettura. Vedi: Roland Barthes, La Camera Chiara, Torino, Piccola Biblioteca 
Einaudi, 1980, p.21 
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Insomma vedevo la fotografia come una ferita: io 
vedo, sento, dunque noto, guardo e penso. Capii 
ben presto che ciò che attrae davvero in una 
fotografia è sempre un dettaglio e su questo 
basiamo il giudizio. Barthes lo chiama punctum, 
cioè ciò che ci punge. Tutto il resto invece non è 
che Studium ovvero gli elementi appartenenti alla 
dimensione del piacere o del non piacere. Il 
punctum è certamente soggettivo, scovarlo stimola 
la nostra mente, induce al ragionamento attivo ci 
invita a scendere in profondità e a non fermarci 
sulla superficie. Non a caso lo studium è sempre 
codificato mentre il punctum no.  
 
Nella fotografia (Vedi Pag.7), sono tanti i punctum: 
gli operai mangiano con i guanti sporchi. Portano 
tutti la coppola. Un operaio ha in mano una 
bottiglia di whiskey... lo studium invece è uno solo, 
l’altitudine, che genera un senso di pericolo. Una 
lettura superficiale si fermerebbe qui, ma 
prendiamo i punctum e iniziamo a ragionare: 
Grazie agli indizi presenti nell’immagine ritengo 
questa fotografia l’emblema di un’epoca. Il 
fotografo denuncia la totale mancanza delle norme 
di sicurezza tra gli operai della seconda rivoluzione 
industriale. Lo scatto quindi, diventa uno 
strumento di denuncia foto-giornalistica, ancora 
oggi riconosciuto nelle sale dell’International 
Museum of Photography e negli archivi della 
Library of Congress. Le coppole ricordano 
certamente l’Italia, molti di quegli operai 
potrebbero essere miei connazionali immigrati. Ora 
	
  	
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analizziamo la composizione. Le figure appaiono 
piccole se confrontate con la metropoli, 
sottostante. New York è immersa in una leggera 
nebbiolina. La città si presenta come una giungla 
in cui perdersi. “L’uomo della folla
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” per un attimo 
sovrasta la metropoli, la osserva dall’alto 
consapevole di doverci rituffare e sparire, dopo il 
lavoro. Ebbets, volutamente o no non si limita a 
mostrare la città sottostante, ci mostra l’orizzonte 
infinito fatto di palazzi, e quartieri, che si 
disperdono a perdita d’occhio. Ebbets fissa un 
attimo, un attimo che racconta molto di più di una 
prospettiva stravagante. Questo scatto mostra 
l’altro lato del sogno Americano, quello dei 
sacrifici, delle ingiustizie. Questi non erano 
semplici operai, erano angeli che costruivano il 
futuro degli USA. In questo scatto traspare un 
forte senso di umanità, deducibile da svariati gesti: 
il penultimo operaio a sinistra sta aiutando il 
compagno ad accendersi una sigaretta, i tre al 
centro hanno un ghigno scherzoso.  
 
Il metodo d’analisi che ho utilizzato, non è fine a 
sé stesso. Come già ho accennato, ci deve essere 
una certa volontà all’ascolto e condizioni 
ambientali favorevoli. Nella società odierna, 
caotica, dispersiva, urlata, rumorosa, la 
disponibilità all’ascolto e all’attenzione cala.  
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
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 Edgar Allan Poe, L’Uomo della Folla, in “I Racconti”, vol.1, Torino, Einaudi, 
1996  
 
 
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I nostri sensi sono iper-stimolati e allo stesso 
tempo sempre meno ricettivi.  
Ciò di cui abbiamo bisogno, è silenzio. L’unico 
elemento ancora in grado di rilanciare una 
comunicazione attenta, e funzionale all’educazione. 
Devo porre l’accento sul fatto che l’invito al 
silenzio, attraverso la fotografia d’arte, non è 
mai un invito alla passività, o alla rinunzia, 
ma è un invito a scendere in profondità nelle 
cose. È un invito a percorrere il terreno della 
personalità. Io sosterrò nell’arco del mio lavoro, 
l’esistenza di un rapporto stretto tra fotografia 
d’arte e il silenzio. Un rapporto che si crea nel 
momento della fruizione dell’opera e che veicola 
una comunicazione efficace ed efficiente. Voglio 
analizzare, comprendere e valorizzare questo 
rapporto poiché è una strada possibile per fare, 
oggi, educazione all’immagine, proprio nel 
momento in cui tutti parlano di società 
dell’informazione eccessiva, di flusso, di economia 
dell’attenzione.  
Sono convinto che nella società dell’informazione 
eccessiva, possiamo ancora ambire ad un ascolto 
autentico, ma per farlo, il messaggio deve 
recuperare come dimensione positiva, l’immobilità 
e il silenzio. Dobbiamo riscoprire il valore educativo 
della fotografia d’arte. Dobbiamo sostenere un 
nuovo stato dell’ascolto. L’ipotesi che propongo è 
che oggi: Lo stato dell’ascolto è il contenuto 
estetico del silenzio e diventa lo statuto 
fondante di uno sguardo educante. Per arrivare 
a tale conclusione ho diviso il mio lavoro nel 
	
  	
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seguente modo: nel primo capitolo della tesi, ho 
focalizzato l’attenzione su una dimensione 
particolare della fotografia, quella d’arte. Dopo 
aver definito lo statuto della fotografia d’arte in 
Italia, mi sono concentrato, nel secondo capitolo, 
sul contesto ambientale in cui opero: la società dei 
flussi. Nel terzo capitolo passo ad analizzare il 
grado zero della comunicazione, il silenzio. La 
fotografia d’arte ci insegna un nuovo stato 
dell’ascolto, che è proprio percezione silenziosa. Su 
questo rapporto quindi si basa la possibilità per la 
fotografia d’arte di educare. Il silenzio, infatti, 
diventa indispensabile per avere uno sguardo 
consapevole e stimolare, attraverso l’immagine, 
una coscienza critica.  
Allo stesso modo, il silenzio non si presenta solo 
come, efficiente dimensione dell’ascolto ma è 
anche ottimo elemento per comunicare. Non è 
vero quindi che laddove c’è silenzio non c’è 
comunicazione, anzi c’è ne è di più e migliore. Ne 
nasce un paradosso; da un lato, il silenzio nega la 
comunicazione, ma dall’altro la favorisce. Laddove 
c’è silenzio insomma, c’è assenza di parola, suono, 
musica, ma anche una maggiore possibilità 
d’ascolto, percezione e comprensione. Il suo valore 
comunicazionale, oltretutto è cresciuto 
notevolmente negli ultimi anni, in rapporto 
indirettamente proporzionale alla quantità di 
sottofondo sonoro nell’ambiente sociale. Per capirci 
basta un banale esempio: Pensiamo alla fermata 
del metrò. Quest’ambientazione urbana, è già per 
sua natura caotica e chiassosa.  
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Il vocio della gente, lo stridore del metrò, gli 
annunci in filodiffusione, i musicisti che chiedono 
soldi ecc. A questo le persone hanno fatto 
l’abitudine, anzi non contente, attendono alla 
banchina, parlando al cellulare, ascoltando I-pod. É 
come se, una volta abituati, a un certo livello di 
rumore, necessitiamo sempre di superarlo. Tutto 
questo, poi, va moltiplicato per altre migliaia di 
situazioni simili. Il risultato è sempre lo stesso, la 
nostra mente è sempre più stressata e il nostro 
bisogno di silenzio cresce vertiginosamente. 
Delineata questa condizione “ambientale” posso 
chiudere il mio lavoro col capitolo quattro e 
sostenere la necessità di utilizzare la fotografia 
d’arte come mezzo per educare alla visione. La 
fotografia d’arte ci invita a una nuova dimensione 
dell’ascolto, una percezione silenziosa. Così 
facendo si dimostra un mezzo controcorrente, 
rispetto ai media di flusso.  
Un mezzo che rilancia il ragionamento attivo, 
profondo, etico, educativo. Fare ecologia 
dell’immagine significa proprio questo, insegnare a 
vedere per imparare ad ascoltare. Sempre nel 
quarto capitolo, prima delle dovute conclusioni, ho 
deciso di riportare alcune testimonianze di 
persone/professionisti della comunicazione che 
hanno in comune il fatto di avere a che fare 
quotidianamente, con la dimensione dell’ascolto 
silenzioso, col silenzio, con l’arte col flusso. La loro 
parola, ma soprattutto il loro lavoro sono la 
dimostrazione pratica del mio ragionamento. 
 
	
  	
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1. Statuto della fotografia 
d’arte 
 
In questo capitolo, intendo fare il punto della 
situazione d’un rapporto difficile e complesso, 
quello tra arte e mezzo fotografico. L’analisi si 
sviluppa allo scopo di ricreare un quadro generale, 
uno statuto, per quello che da molti è considerato 
un genere: la fotografia d’arte. Nel mondo, la 
letteratura sull’argomento è piuttosto fiorente, 
seppure di nicchia. Gli studiosi, non hanno punti di 
vista unitari e ciò conferisce larghe vedute e 
confronti vari ed interessanti. Per questo motivo e 
per altri, nessuno ha mai scritto uno statuto della 
fotografia d’arte che abbia messo d’accordo il 
mondo accademico. Non c’è solo il problema di far 
collimare vedute divergenti ma c’è anche il fatto di 
inquadrare l’arte, di per sé mutevole e sfuggente, 
dentro degli schemi statici.  
Ho scelto quindi di trattare l’argomento parlando di 
“questioni” che ritornano costantemente nella 
storia dell’immagine e che mi permettono di 
parlare di fotografia d’arte. Quindi se mi domando 
cos’è la fotografia d’arte posso dire che è una 
questione di genealogia, di funzioni, d’idee, di 
essenzialità, di originalità e che sono stati i libri di 
fotografi come Stieglitz, Strand, Weston ecc, a 
indicarmi metodi e funzioni.  
 
 
 
	
  	
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1.1 Fotografia e Arte 
Quando Sir John Herschel, astronomo, fisico e 
chimico suggerisce per l’invenzione di Daguerre e 
Talbot il nome greco di fotografia, in altre parole, 
scrittura della luce, ne coglie sino in fondo la 
natura di linguaggio iconico, nuovo e insieme 
antico, incomparabilmente facile da imparare e da 
usare rispetto a tutte le precedenti arti visive e a 
tutte le lingue scritte o parlate e immediatamente 
e universalmente comprensibile. L’immagine 
generata dalla nuova invenzione, insomma, è 
un’im-magine in cui la luce fisica del sole, 
attraverso l’ob-biettivo, è capace di illuminare e 
rivelare l’uomo e il mondo. Intendere la fotografia 
come mero mezzo di riproduzione del reale è 
riduttivo, c’è qualcosa di più soprattutto nel 
momento in cui questa incontra l’arte. In un certo 
senso anche quest’ultima illumina e rivela l’uomo e 
lo fa attraverso l’artista col suo ego e il mezzo che 
sia un pennello, uno scalpello o la luce. E ora 
chiariamo il secondo punto: cos’è l’arte?  
Nel suo significato più ampio, questo termine, 
comprende ogni attività umana (svolta 
singolarmente o collettivamente) che, poggiando 
su accorgimenti tecnici, abilità innate e norme 
comportamentali, derivanti dallo studio e 
dall’esperienza, porta a forme creative di 
espressione estetica.  
L’arte va intesa secondo il suo significato 
etimologico (dal greco technè) termine che indica 
l’esercizio di un lavoro, di una pratica, condotti con 
una certa abilità o sapienza. Niente a che fare 
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dunque con la nozione rinascimentale, tesa a 
indicare qualcosa di alto e prezioso, evidentemente 
non alla portata di tutti, ma neppure niente a che 
fare con l’idea di tecnica in senso stretto, quale 
insieme un po’ freddo di regole e procedure 
codificate manualisticamente, così come spesso si 
sente applicare allo stesso campo fotografico.  
Nella sua accezione moderna, l'arte è strettamente 
connessa alla capacità di trasmettere emozioni e 
per questo motivo si sente spesso supporre che le 
espressioni artistiche, pur puntando a trasmettere 
“messaggi”, non costituirebbero un vero e proprio 
linguaggio, giacché non hanno un codice condiviso 
tra tutti i fruitori, che interpretano le opere 
soggettivamente: “La fotografia d’arte dunque, si 
presenta come un messaggio senza codice perché, 
paradosso dei paradossi, gli elementi che la 
costituiscono non sono autentici segni del 
momento
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”. In effetti, l’idea che la fotografia, sia 
solo un’impronta diretta della luce su un materiale 
sensibile, ha sempre imbarazzato gli studiosi e i 
semiologi. Eppure ciò significa il sostenere 
l’esistenza di un linguaggio, significa 
inevitabilmente parlare di una scrittura fatta di 
luce. Dal 1970 tuttavia, molti studiosi iniziano ad 
accorgersi che la tecnologia a fondamento del 
processo, pare stabilire comunque una 
connessione fisica, una certa contiguità, tra 
oggetto-referente e l’immagine. La difficoltà, resta 
nel riconoscere alla fotografia, quel rapporto di 
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
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 Roland Barthes, L’Ovvio e l’Ottuso, Torino, Einaudi, 1985