COSPLAY - Immaginario e rappresentazioni di un fenomeno contemporaneo

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Introduzione 
 
 
Cos’è il fenomeno Cosplay? Come si diventa Cosplayer? Cosa spinge 
una persona da semplice consumatore di prodotti culturali a travestirsi e 
girare mascherata interpretando un personaggio? Come si rappresenta un 
Cosplayer?  
Lo scopo di questa analisi è quello di esaminare l’emergere di un 
fenomeno globale, quale quello del Cosplay, nelle sue rappresentazioni come 
espressione di un prodotto dell’immaginario. Il metodo di approccio 
utilizzato affronta il quesito servendosi del metodo autocritico nella sua 
totalità (Morin, 1962), quest’analisi del fenomeno prevede la partecipazione 
attiva dell’osservatore nei confronti del suo oggetto di studio integrando 
l’analisi oggettiva all’osservazione effettuata. L’attenzione verso questo 
soggetto d’osservazione è stato guidato da una passione personale per il 
Cosplay e la cultura pop nelle sue varie forme, che nel corso degli anni ha 
iniziato ad interessare da un punto di vista sociologico gli studi su questa 
forma di travestimento (Kane, 2017; Flatt, 2015; Nesic, 2013; Lamerichs, 
2013; Lotecki, 2013; Rahman, 2012; Vanzella, 2005;).  
Possiamo innanzitutto chiarire che un Cosplayer è una persona molto 
appassionata di anime e manga, in questo caso ne parleremo come di un fan, 
collezionista di dvd, gadget e Tankōbon
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, che realizza con i propri mezzi 
costumi ispirati ai personaggi di queste opere con la finalità di essere 
indossati durante i raduni dedicati alla cultura pop. L’attività del 
travestimento è tuttavia trasversale alla passione per anime e manga, in 
quanto è possibile indossare i panni di qualunque personaggio di fantasia, sia 
esso appartenente al mondo dei fumetti americani, telefilm, film o 
videogiochi. 
                                                 
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 Particolare formato cartaceo, (13x18 cm) utilizzato nell’industria manga.
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Il mondo dell’immaginario ha il merito di generare oggetti di 
rappresentazione che diventano per i Cosplayer soggetti interessanti di 
identificazione e trasformazione. Nel corso di questo nostro studio in seguito 
ad un approccio teorico, analizzeremo come tecnicamente avviene questo 
processo e quali siano le tattiche messe in atto dagli individui all’interno 
degli spazi online e offline per la loro rappresentazione.  
Un importante contributo a questo studio è stato dato grazie ai lavori di 
Marco Pellitteri Il drago e la saetta: modelli, strategie e identità 
dell’immaginario giapponese (2006) che ha il merito di esprimere una 
riflessione esaustiva riguardo l’arrivo della cultura pop nel panorama 
europeo nonché italiano. Il suo lavoro di approfondimento su anime e manga 
servirà come punto di partenza per gli autori successivi per tentare di 
spiegare l’esplosione del Cosplay. Autori italiani fra cui Luca Vanzella, 
Rebecca Adami, ed autori stranieri Henrik Bonnichsen, Laura Kane, Shelby 
Flatt, importante citare il lavoro di Ashley Lotecki (2013) Cosplay Culture: 
The Development of Interactive and Living Art through Play, esplorano i 
processi creativi, emotivi, sociali e comportamentali del Cosplayer durante la 
costruzione e l’interpretazione del personaggio, inclusa la negoziazione tra 
finzione e realtà, e il luogo dell’identità temporanea (ibidem). 
Il fenomeno del Cosplay può essere inteso come lo step finale di un 
viaggio di scoperta, di riconferma, di sperimentazione identitaria, un 
percorso che inizia con i primi contatti con anime e manga che fungono da 
nuovi modelli di riferimento, sino alla riproduzione in carne ed ossa dei 
propri personaggi preferiti. Un cammino che accompagna i pre-adolescenti 
nel mondo della piena adolescenza e si ripropone di aiutarli a districare 
conflitti tipici vissuti in quell’età, dove i modelli di riferimento cambiano 
costantemente in base alla mutevole idea del tipo di persona che si vuole, o 
deve, diventare da adulti (Della Valle, Rossetti, Cantone, 2015).
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Il lavoro è suddiviso in due parti, nella prima parte illustreremo i 
fondamenti dell’immaginario e delle dinamiche che hanno portato l’industria 
culturale ad attingere dai suoi modelli per standardizzare contenuti dalla 
parvenza originale. Grazie all’importazione dell’intrattenimento giapponese 
nel panorama italiano sin dagli anni ’70-’80, vedremo come con l’arrivo di 
questi prodotti l’opinione su tutto il settore sia stata influenzata in maniera 
negativa, connotando questi nuovi contenuti come pericolosi e dannosi per lo 
sviluppo psicologico dei bambini, riconducendo ad anime, manga e 
videogiochi del settore, un mero tentativo di condizionare le giovani menti 
ad un inneggiamento dei valori nipponici (Vanzella, 2005). Parleremo inoltre 
di come il Cosplay possa essere considerato come una nuova sottocultura 
emergente e non solo una moda passeggera destinata ad essere dimenticata 
(ibidem). Sin dai tempi più antichi il travestimento e la maschera hanno fatto 
parte della vita dell’individuo, nelle società arcaiche l’utilizzo di questi 
elementi accompagnava un processo deformativo del soggetto che avveniva 
sia sul piano corporeo che inconscio, nella società moderna di oggi, la 
maschera è uno strumento che protegge un’identità spogliata del suo valore 
magico di metamorfosi che diventa un oggetto di ludico divertimento 
(Fimiani, 1984). 
Attraverso questa attività partecipativa i Cosplayer possono 
momentaneamente distaccarsi dalla realtà del mondo a cui appartengono, per 
entrare in un mondo immaginario fatto di gioco e sperimentazione libera. Il 
tema del gioco sarà affrontato citando i lavori di Roger Caillois (1958) e 
Johan Huizinga (1938) rapportando il turismo psicologico dell’io e lo stato 
di moratoria alla fase di socializzazione primaria come step necessario per la 
crescita e la formazione dell’identità dell’individuo.  
Nella seconda parte analizzeremo le due componenti fondamentali del 
Cosplay, la parte legata all’importanza del Costume, in base alla quale ne 
derivano diverse categorie e generi che saranno approfondite (Lotecki, 
2013), e la sezione dedicata al play ovvero alla dimensione del gioco e alle
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sue rappresentazioni online e offline. Come vedremo, l’importanza che 
assume il costume per il Cosplayer, ne determina delle categorie gerarchiche 
che differenziano il Cosplayer amatoriale da quello professionale, 
l’investimento di tempo, risorse e denaro può incidere sulla resa finale del 
lavoro e far acquisire notorietà e prestigio ai Cosplayer con più dedizione.  
L’elemento del costume fa parte della dimensione più ampia del gioco del 
Cosplay che si costruisce egualmente sia nel mondo online che in quello 
offline (Kane, 2017). La partecipazione alle fiere Cosplay e ai principali 
raduni dove la presenza fisica viene notata, contribuisce a generare scambi 
relazionali fra altri Cosplayer e il pubblico, e a produrre materiale originale 
per essere postato e condiviso con la propria fanbase ricalcando il modello di 
micro-celebrity proposto da Alice Marwick, (2015).  
Come più volte verrà sottolineato nel corso della trattazione, il Cosplay è un 
gioco la cui attività è libera e circoscritta in un tempo e spazio preciso 
(Caillois, 1958), quando ciò non avviene e il Cosplay oltrepassa i limiti del 
mondo reale, si vengono a creare dei fenomeni che hanno origine dal 
Cosplay ma non possono più essere definiti tali secondo le linee guida a cui 
esso si rifà.  
La Gothic Lolita o il Kawaii sono fenomeni che attingono dal Cosplay 
estrapolando costumi o un particolare stile d’abbigliamento e tratti 
comportamentali (come ad esempio quello bambinesco) applicandoli nella 
vita di tutti i giorni (Molle, 2008; Nesic, 2013). Questa estremizzazione della 
rappresentazione, dove non vi è più scissione fra la dimensione reale e quella 
immaginaria, è particolarmente evidente per quanto riguarda il panorama 
orientale ma non è escluso che possa presto entrare a far parte della nostra 
vita quotidiana così come hanno già fatto i Cosplay.
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1. IMMAGINARIO, GIOCO E COSPLAY: INTRODUZIONE AL 
FENOMENO POP 
 
L’universo del Cosplayer è un mondo tutto da scoprire. Il fenomeno del 
Cosplay così come lo conosciamo oggi può essere attribuito ad una 
trasformazione della già conosciuta pratica del travestimento, in questa sede 
accenneremo alle due principali festività, Halloween e Carnevale, conosciute 
per l’utilizzo della mascherata sin dai tempi antichi e a come il Cosplay 
abbia attinto da alcune delle loro pratiche per creare qualcosa di nuovo ma 
tuttavia già noto. In questa prima parte vedremo perché essa è stata definita 
nel corso degli anni come subcultura o sottocultura, per la presenza di 
dinamiche e modelli ben precisi cui i membri si devono attenere, e di come 
pareri discordanti riconoscano o meno, il gruppo dei Cosplayer come una 
comunità (Vanzella, 2005, Adami, 2009). Sebbene nel corso degli anni il 
Cosplay abbia abbracciato un po’ tutti i settori di intrattenimento, 
nell’immaginario comune parlare di Cosplayer equivale a riferirsi in 
automatico agli appassionati della cultura del Sol levante. Requisito 
fondamentale è la passione per l’universo giapponese nelle sue varie forme 
che siano musica, manga, anime o altri prodotti culturali, cui l’individuo 
entra in contatto prima ancora di diventare Cosplayer. È opportuno quindi un 
accenno all’industria culturale che ha favorito l’ingresso di tutta una serie di 
prodotti legati all’universo di anime e manga, che a partire dagli anni ’80 ha 
inondato il mercato dell’intrattenimento italiano. Accenneremo a come 
questi stessi prodotti attingano da una fonte più grande quale l’immaginario 
collettivo per la creazione di prodotti seriali che riattivano nuovi meccanismi 
d’identificazione e proiezione (Gemini, 2018).  
Tenteremo quindi di dare una definizione a questo fenomeno 
ricostruendone l’evoluzione, dall’introduzione di prodotti dell’industria 
culturale giapponese, così diversa da quella americana cui l’Italia era stata
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abituata a consumare, a oggetti di rappresentazione del Cosplayer. 
Accenneremo a come il Cosplayer possa utilizzare l’attività del 
travestimento come un gioco di sviluppo e sperimentazione nel processo di 
formazione della propria identità che avviene in particolar modo durante la 
fase adolescenziale. 
 
1. Industria culturale e immaginario collettivo 
 
Prima di parlare di come il Cosplay utilizzi manga e anime giapponesi 
come soggetti delle loro rappresentazioni, è bene accennare come queste due 
forme di intrattenimento siano entrate a pieno nell’industria culturale e di 
come i loro modelli attingano dall’immaginario collettivo, concetto che ci 
aiuterà a connettere l’immaginario performativo con le logiche performative 
del Cosplayer. 
L’industria culturale è formata da due parole che di per sé rappresentano 
un ossimoro: l’industria legata alla produzione in serie, distribuzione e 
standardizzazione, e la cultura, creativa, libera e individualizzante. Questo 
connubio è stato reso possibile grazie alle moderne invenzioni come il 
cinematografo e il telefono senza fili, che hanno attirato il capitalismo in un 
settore fino all’epoca poco esplorato. Il sistema privato e il sistema di Stato 
condividevano la stessa preoccupazione di raggiungere il grande pubblico, 
sebbene con scopi diversi, per farlo bisognava abbracciare un consenso 
comune imbrigliando la creatività con l’omologazione (Morin, 1962). 
Secondo la scuola di Francoforte e in particolare secondo il pensiero di 
due dei suoi massimi esponenti come Theodor W. Adorno e Max 
Horkheimer in Dialettica dell’Illuminismo (1947), esposero la loro idea 
secondo cui l’industria culturale riduceva la produzione della cultura alla 
stregua di una merce di consumo, questi prodotti creativi riproducibili in
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serie erano subito fruibili affinché l’esperienza di consumo avvenisse con il 
minimo sforzo.  
Edgar Morin nel suo Spirito del tempo (1962) parla di questa dualità 
dell’industria culturale, che da un lato ricerca un equilibrio fra l’originalità 
del prodotto e l’incisività nella mente del pubblico, dall’altro alla necessità di 
essere standardizzabile e distribuibile. Questo conflitto viene risolto grazie 
alla struttura dell’immaginario collettivo e alle sue immagini archetipiche. 
Con immaginario intendiamo il contenuto dell’immaginazione simbolica 
nelle sue varie forme che comprende simboli, immagini, miti e 
rappresentazioni (Durand, 1983). L’immaginario collettivo è un ambiente 
mentale infinito dove risiede tutto ciò che è stato immaginato dal genere 
umano sin dal principio, l’individuo attinge alle immagini che danno forma 
ai pensieri proiettandole nel mondo circostante per utilizzarle come mezzo di 
comunicazione e relazione. Le immagini da cui attingiamo sono immagini 
archetipiche che sono percepibili e attualizzate in forma di simbolo grazie 
alla quale è possibile dare ordine ed espressione a concetti astratti. 
(Bartoletti, 2012).  
Per parlare di archetipi dobbiamo citare la struttura dell’inconscio, il 
concetto originario elaborato da Carl G. Carus (1789-1869) ed Eduard von 
Hartmann (1842-1906) è stato perfezionato da Freud, limitandosi ad indicare 
questo luogo come punto convergente per impulsi e contenuti dimenticati o 
rimossi, di natura prettamente personale nonostante ne riconoscesse delle 
origini arcaico-mitologiche. Jung ha approfondito questo concetto 
suddividendo l’inconscio in due strati, uno personale più superficiale dove 
risiedevano le memorie individuali, ed uno più profondo dove vi era una 
parte che non derivava da esperienze o acquisizioni personali bensì era 
innata e definirà inconscio collettivo. All’interno dell’inconscio collettivo 
risiedono gli archetipi, immagini primordiali ereditarie, presenti in ogni 
individuo in maniera universale a prescindere dall’epoca storica o della