Augmented Kitchen - Realtà aumentata in cucina

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Introduzione 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Il presente elaborato è parte integrante di un progetto 
multimediale che vede la realizzazione di un cortometraggio 
d’animazione con la tecnica stop motion e l’integrazione di una 
nuova tecnologia come la realtà aumentata. 
Con il termine stop motion si intende una particolare tecnica 
d’animazione che permette di dare l’illusione del movimento di 
oggetti inanimati. Tale processo si ottiene fotografando i lievi 
cambiamenti di posizione che vengono effettuati sull’oggetto 
da animare. La proiezione in sequenza dei fotogrammi darà 
l’illusione del movimento. Per realizzare un secondo di 
animazione sono necessari 24 fotogrammi al secondo, come 
si può comprendere, la tecnica stop motion richiede tempi di 
realizzazione molto lunghi e un’accurata precisione.  
Questa tecnica cinematografica ha origini antichissime. Il 
primo ad utilizzarla fu Méliès che utilizzava la tecnica per gli 
effetti speciali delle sue pellicole dando l’illusione della 
sparizione e della comparsa di personaggi e oggetti dalla 
scena. Oggi la tecnica stop motion sta diventando sempre più 
obsoleta perché superata dalla computer animation che 
permette di creare immagini digitali riproducibili infinite volte
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senza perdita di qualità e capaci di effettuare qualsiasi 
movimento. Il cinema per non rimanere indietro deve adattarsi 
alle innovazioni tecnologiche che sopraggiungono con il 
digitale modificando scelte estetiche e stilistiche. Anche la 
tecnica stop motion si deve adattare alle novità per 
sopravvivere e rendersi appetibile agli occhi dello spettatore. 
Nel corso degli anni numerosi artisti si sono alternati per 
sperimentare sia nuove tecniche metodologiche che 
tecnologiche. Sebbene l’intento rimanga quello di realizzare 
un’animazione artigianale, diventa sempre più comune il 
ricorso a software specializzati e a tecnologie digitali per 
migliorare o aggiungere novità al prodotto. Come ad esempio 
la stereoscopia 3D con cui è stata concepita la pellicola 
Coraline e la Porta Magica. Questo spiega brevemente la 
scelta quasi controcorrente di voler utilizzare la tecnica stop 
motion per la realizzazione del cortometraggio. Tutto ha 
origine da una vera e propria passione verso questo metodo 
d’animazione che vede il suo fascino nel dare vita e forma a 
qualcosa che non la possiede: un pupazzo può muoversi, 
parlare ed esprimere emozioni. È il risultato di un lavoro svolto 
quasi interamente a mano e permette di assistere a tutte le 
tappe della sua crescita proprio come se si trattasse di una 
creatura che dalla fase embrionale raggiunge l’età adulta. È un 
lavoro che necessita di pazienza e precisione, soprattutto 
durante le riprese sul set. Basta una piccola distrazione o un 
movimento errato per urtare arredamento e oggetti sulla scena 
che possono creare dei movimenti inattesi durante la 
visualizzazione della sequenza.  
Il desiderio, tuttavia, è anche quello di voler continuare le 
sperimentazioni svolte in questo campo con le innovazioni 
tecnologiche. Non disponendo di ingenti risorse finanziarie che 
permettessero l’uso di strumenti altamente professionali, 
l’obiettivo da raggiungere è stato quello di utilizzare una
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tecnologia che preveda bassi costi per un progetto low budget. 
L’interesse nutrito in questi anni verso l’ICT e i nuovi media, ha 
permesso di semplificare la ricerca volgendo fin da subito 
l’attenzione verso la realtà aumentata. Si tratta di una 
tecnologia giovane che permette la sovrapposizione di 
elementi virtuali sul mondo reale permettendo anche 
l’interazione con l’utente. Per fruire di tali potenzialità bisogna 
utilizzare dispositivi dotati di un “occhio”, come la fotocamera 
di un telefono cellulare o la webcam di un computer, che 
cattura il flusso di immagini in tempo reale e mostra sul display 
o sul monitor il risultato della sovrapposizione. Spesso si 
ricorre all’utilizzo di markers, cioè quadrati bianchi e neri, che 
vengono posti sugli elementi da «aumentare». Inquadrandoli 
con uno dei dispositivi sopracitati si potranno visualizzare gli 
elementi digitali collegati. Un semplice foglio di carta con 
stampato uno strano quadrato può contenere una quantità di 
informazioni maggiori rispetto a quelle che sono visibili ad 
occhio nudo.  
Il grande pubblico sta iniziando a familiarizzare con questi 
simboli da quando l’editoria ha intuito le capacità della realtà 
aumentata inserendoli in corrispondenza di articoli con lo 
scopo di fornire approfondimenti multimediali sul sito. 
Rimangono pochi, tuttavia, i casi che registrano l’uso di tale 
tecnologia se non per fini pubblicitari. Cosa succederebbe se i 
markers fossero applicati anche in altri ambiti? 
La realtà aumentata, come si può comprendere, si caratterizza 
per economicità e immediatezza. Due requisiti che si rivelano 
importanti per l’implementazione tecnologica all’interno del 
progetto low budget. Perché non sfruttare questa tecnologia 
all’interno del cortometraggio? 
Augmented Kitchen, nasce proprio per dare una risposta a 
questi interrogativi. È possibile integrare la realtà aumentata
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all’interno di un’animazione stop motion creata con pupazzi in 
miniatura? Come? 
Innanzitutto dallo sviluppo della storia. Il soggetto del 
cortometraggio si basa sulle scarse capacità culinarie di un 
ragazzo che vive da solo. Uno spot pubblicitario lo informa che 
i suoi guai in cucina potrebbero terminare perché adesso è 
arrivata in suo soccorso Augmented Kitchen, ovvero la realtà 
aumentata. È stata ideata un’applicazione che aiuta l’utente a 
cucinare e a seguirlo nelle diverse fasi di preparazione. Una 
sorta di manuale di cucina multimediale attivabile attraverso 
dei markers posti sulle confezioni degli alimenti. Ponendoli di 
fronte all’occhio della webcam si attivano dei filmati che 
mostrano i passi da seguire per la riuscita di un buon piatto. 
Riuscirà il protagonista a risolvere i suoi problemi in cucina?
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1. Il cinema d’animazione e 
la tecnica stop motion 
 
 
 
 
 
 
 
1.1 Le origini del cinema d’animazione 
Il legame tra cinema d’animazione, pittura e disegno riconduce 
alle immagini luminose proiettate sullo schermo della lanterna 
magica utilizzata nell’Europa del Settecento durante gli 
spettacoli delle ombre cinesi. La lanterna magica è un 
dispositivo ottico che attraverso un fascio di luce di una 
candela proietta su una parete le immagini raffigurate su lastre 
di vetro. Lo spettacolo fornito rappresentava semplici storie 
popolari illustrate su argomenti di politica o di cronaca in cui i 
protagonisti erano spesso religiosi, di fantasia o 
contemporanei. Il pubblico era formato dal popolino che non 
aveva grosse pretese e l’incanto di queste immagini poteva 
servire sia come insegnamento religioso sia come 
imbonimento delle masse con trucchi semplici ma misteriosi 
per un pubblico inesperto. 
Nel corso dell’Ottocento sono numerosi gli esperimenti e i 
brevetti per ottenere l’illusione del movimento, sia 
perfezionando la lanterna magica sia inventando nuove 
apparecchiature. Insieme alle illustrazioni e alle vignette 
narrative dei fumetti, si sviluppa anche un disegno ricco di 
dinamismo caratterizzato da personaggi fantastici e animali
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antropomorfi. È proprio attraverso la sperimentazione di questi 
nuovi prototipi che si arriva al cinema d’animazione. 
L’artista più importante cui si è soliti attribuire la nascita del 
cinema d’animazione è Émile Reynaud che inventò il teatro 
ottico nel 1892. Esso era un apparecchio che proiettava su 
uno schermo le immagini animate. Era caratterizzato da una 
pellicola a scorrimento, cioè una striscia trasparente con dei 
fori ai lati in modo da permettere lo scorrimento davanti alla 
fonte luminosa attraverso delle ruote dentate. Lo spettacolo 
del teatro ottico somiglia a quello cinematografico ma i lavori di 
Reynaud erano tutti disegni, per questa ragione è possibile 
definirlo come il primo vero e proprio programma di cinema 
d’animazione. Il successo di pubblico riscosso da questi 
spettacoli, iniziò a diminuire con l’invenzione del cinema nel 
1895 e le successive proiezioni dei film dei fratelli Lumière. La 
lotta tra teatro e cinematografo era impari: da un lato c’era 
un’attrezzatura artigianale in cui Reynaud per realizzare un 
programma impiegava mesi o anni di lavoro mentre dall’altro 
un’industria nascente e due imprenditori con alle spalle una 
solida organizzazione tecnica e commerciale. Si conclude in 
questo modo un periodo straordinario fatto di geniali scoperte, 
sperimentazioni e invenzioni che porteranno alla nascita del 
cinema come nuova forma di spettacolo. 
L’opera di Reynaud oggi è andata in gran parte dispersa e 
distrutta e alla luce dello sviluppo del cinema d’animazione e 
delle sue tecniche può essere considerata come parte della 
preistoria del disegno animato. Rimane però di particolare 
importanza poiché contiene in sé i principi fondamentali e 
ricorrenti di tutto il cinema d’animazione, sia dal punto di vista 
tecnico che formale. Le storie di Reynaud semplici e ironiche 
sono le stesse che verranno raccontate dal disegno animato 
pochi anni più tardi. Cambieranno gli ambienti e i personaggi 
che saranno zoomorfi più che antropomorfi, ma la dinamica
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del racconto e il tema di fondo dei contrasti drammatici 
resteranno pressoché immutati. È possibile considerare 
l’opera di Reynaud una sorta di ponte tra la tradizione 
spettacolare e figurativa dell’Ottocento e quella che si 
affermerà nel Novecento con l’invenzione del cinema e la 
diffusione dei fumetti. 
Al cinema documentaristico dei fratelli Lumière si affianca il 
cinema fantastico di George Méliès, il fondatore dello 
spettacolo cinematografico. Egli aveva intuito che non solo era 
possibile cogliere la realtà fenomenica ma era possibile anche 
ricreare una realtà onirica attraverso una serie di effetti ottenuti 
con trucchi e tecniche di ripresa. Méliès voleva riprodurre al 
cinema i suoi spettacoli teatrali di magia e creare nuovi effetti 
fantastici difficili da realizzare sul palcoscenico. La complessità 
dei problemi tecnici affrontati, l’impostazione spettacolare della 
regia cinematografica, il ricorso a trucchi di ogni tipo, le 
situazioni fantastiche e gli oggetti semoventi sono di 
fondamentale importanza per il cinema d’animazione e 
saranno molti gli artisti che si ispireranno al suo operato  
Fino a poco tempo fa, gli storici del cinema non attribuivano a 
Méliès l’invenzione della tecnica dell’animazione quanto 
piuttosto a James Stuart Blackton che nel 1906 esordì con il 
film Humorous Phases of Funny Faces e sconvolse il pubblico 
l’anno seguente con The Haunted Hotel. Il successo fu 
straordinario in quanto i trucchi di Blackton superavano quelli 
di Méliès. 
Ulteriori studi hanno, invece, stabilito che l’inventore della 
tecnica dell’animazione fu un tecnico cinematografico 
spagnolo: Segundo de Chomón. Risulta, infatti, che nel 1902 
abbia costruito un apparecchio che faceva scorrere la pellicola 
fotogramma per fotogramma, ma soprattutto nel 1905, due 
anni prima di The Haunted Hotel, realizzò El hotel eléctrico. Il 
film era caratterizzato da un’animazione composta da oggetti
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inanimati in movimento. Quello che però mancava alle opere 
di Chomón sono le caratteristiche attrattive di Méliès: la 
fantasia, la genialità, il gusto per lo straordinario, 
l’avventuroso. Egli si concentrava più sulla tecnica che sulla 
storia dei personaggi e questo rendeva lo spettacolo di scarso 
interesse.  
Nel 1908 Émile Cohl inaugurò una lunga serie di brevi film 
d’animazione con Fantasmagorie, un breve saggio di disegno 
animato trasformazionale costruito sui cambiamenti delle 
figure dall’una all’altra attraverso mutamenti impercettibili. Con 
Émile Cohl il disegno animato, si slega dal cinema normale e 
dalle produzioni con effetti scenografici e trova una sua 
autonomia espressiva. Con una grafica semplice e i tratti 
elementari, lo spettatore può concentrarsi sul movimento della 
linea che si modifica cogliendo le trasformazioni della 
costruzione drammatica.  
La produzione di Cohl è stata vasta e dedicata prettamente ai 
disegni, pupazzi e oggetti animati. Non utilizzava scenografie 
ma i personaggi e l’ambiente sono ben definiti. L’obiettivo di 
Cohl è una rappresentazione distaccata e ironica della realtà 
contemporanea colta nei suoi aspetti più grotteschi e ridicoli. 
In quasi tutti i suoi film aveva lavorato come un artigiano 
realizzando tutto da solo ma con il passare degli anni 
l’industria dello spettacolo esigeva nuovi metodi di lavoro, 
tempi ridotti e prodotti più rifiniti.  
Le opere di Chomón, Blackton e Cohl, seppur diverse, hanno 
introdotto in Europa agli inizi del Novecento il cinema 
d’animazione come nuova forma di spettacolo. Dai primi film 
caratterizzati dai trucchi che muovevano gli oggetti, ai primi 
disegni e pupazzi animati che volgevano l’attenzione al 
fantastico e all’irreale, il cinema d’animazione si stava creando 
un suo spazio espressivo tracciando fin dalle origini le linee 
del suo sviluppo tecnico ed artistico.
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Tutta la produzione europea di film d’animazione è legata 
all’attività di pochi autori e poche case cinematografiche a 
livello artigianale e con scarse possibilità commerciali e 
industriali. In quegli anni il cinema d’animazione aveva trovato 
un suo sviluppo a livello commerciale e industriale quasi 
esclusivamente negli Stati Uniti, dove numerose case 
cinematografiche hanno creato dei settori per la produzione in 
serie e hanno affidato la realizzazione dei disegni animati a 
tecnici ed artisti specializzati. In Europa, inoltre, si andava alla 
ricerca di nuove tecniche e nuovi modi espressivi, utilizzando il 
cinema d’animazione come mezzo preferito nelle ricerche 
estetiche avanguardistiche. 
 
1.1.1 La produzione americana 
Negli Stati Uniti, intorno al 1910, i produttori cinematografici 
pensarono di utilizzare il cinema come mezzo di diffusione dei 
fumetti da cui riprendere temi e personaggi. Si aveva la 
possibilità di confezionare un prodotto facile da vendere con 
una spesa contenuta ma che avrebbe reso cifre fruttuose. 
Nacquero, così, le prime serie di disegni animati narrativi con 
protagonisti fissi che, di episodio in episodio raccontavano 
storie umoristiche e semplici. La diffusione del disegno 
animato è anche dovuta all’invenzione del rodovetro da parte 
di Earl Hurd nel 1914. Per la prima volta fu usato un foglio 
trasparente (rodovetro) che permetteva di lasciare inalterato lo 
sfondo scenografico su cui, per trasparenza, si effettuavano i 
movimenti dei personaggi disegnati. La produzione in serie 
permise una diffusione rilevante anche oltre gli Stati Uniti 
determinando, negli anni seguenti, la crisi del cinema 
d’animazione europeo e il predominio assoluto del disegno 
animato fumettistico. È proprio dalle officine e dai laboratori
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specializzati nel disegno animato che usciranno i più noti artisti 
dell’animazione americana e si realizzeranno le opere che 
conquisteranno il mercato mondiale dell’animazione. 
In questa produzione abbondante di disegni animati di 
consumo di cui si occuparono le più importanti case 
cinematografiche, come ad esempio la Edison che realizzò nel 
1914 Buster Brown Cartoons oppure Animated Grouch 
Chaser, prendono valore i prodotti più che i singoli artisti. Il 
successo dell’operazione industriale e commerciale è dato dal 
livello raggiunto dalle varie serie, la bravura nel confezionare i 
piccoli spettacoli, la ripetizione delle situazioni comico-
grottesche e dal riproporre personaggi divertenti. 
Questi film, però, non erano caratterizzati da soluzioni 
tecniche ed espressive particolari. Spesso ci si limitava a far 
muovere i personaggi dei fumetti su degli sfondi e si utilizzava 
la nuvoletta del fumetto per il dialogo tra i personaggi facendo 
perdere il più delle volte il sapore comico grottesco delle 
strisce. La maggior parte degli animatori non aveva compreso 
che non bisognava soltanto tramutare le strisce in una 
successione meccanica di immagini cinematografiche. Se la 
trasposizione era effettuata senza fantasia e interpretazione 
critica, la satira del fumetto e l’umorismo delle situazioni 
drammatiche si perdevano in un prodotto poco curato, pensato 
soltanto per trarre profitto. Ad esempio il Buster Brown 
Cartoons di Edison era ad un livello inferiore rispetto al 
fumetto di Outcault ma conseguiva un enorme successo in 
quanto il divertimento era assicurato dalle situazioni comiche 
in cui veniva a trovarsi il protagonista. L’attenzione non si 
poneva sul disegno, sullo stile o sul ritmo della narrazione 
quanto piuttosto sui personaggi e sulle storie semplici e di 
facile comprensione per qualsiasi pubblico, adulto e infantile. 
Come avveniva per i film e i serials comici dello stesso 
periodo, i disegni animati di serie rappresentavano il momento