Nouvelle vague e Dogma 95, assonanze e dissonanze

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1. Introduzione 
- Cominciamo col perché 
 
Certo 116 anni di cinema offrono grandi spunti di approfondimento, a partire dalle 
origini, il suo sviluppo, passando per la ricerca e arrivando all’epoca moderna. Si 
sarebbe potuto parlare di un certo tipo di cinema piuttosto che di un altro, di un tal 
modo di fare regia o di una determinata maniera di raccordare le inquadrature. Gli 
argomenti sarebbero tantissimi, una marea, e il cinema in se è un campo 
profondamente indagato, studiato, approfondito e sviscerato in ogni singolo 
aspetto. Trovare un preciso campo di interesse in questo marasma di tematiche non 
è quindi semplice. La storia ci offre mille e più esempi di indagine, districarsi tra di 
essi è come tentare di uscire da una fitta boscaglia. Se ne esce spesso molto male, 
ma una volta trovata la via spianarla risulta più facile del previsto. Se poi le vie da 
battere sono due e quasi parallele come in questo caso diciamo che si può quasi 
andare sul sicuro. Certo simili a queste ce ne sono altre migliaia, ma determinate 
caratteristiche le si possono trovare solo li. E allora cominciamo a spiegare cosa c’è 
stato prima, cosa c’è stato dopo, facciamo luce su quello che è stato. E poi 
approfondiamoli anche questi due aspetti, avremo un quadro più completo, più 
chiaro, e certo potremo arrivare prima al nostro obiettivo e magari anche trarne 
qualche conclusione, senza esagerare però. Questo a grandi linee il percorso che 
andremo a sviluppare in seguito. Però qualcuno qualche domanda se la starà 
facendo. Ad esempio perché proprio questa indagine? Perché andare a scomodare 
autori degli anni 60 per affiancarli ad altri degli anni 90? E perché proprio loro? 
Nouvelle vague e Dogma 95, perché non New American Cinema e Free Cinema? 
Quasi 40 anni di distanza ma pare abbiano comunque qualcosa in comune, ma cosa
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in realtà? E soprattutto perché questo qualcosa dovrebbe attirare la vostra 
attenzione? Certo limitare il campo può sembrare egoistico, selettivo, ma è 
necessario, non si può indagare qualcosa di troppo ampio, non in una tesi di laurea 
per lo meno.  
Comincerei col dire, senza mettere in mezzo la tecnica che verrà ampiamente 
indagata in seguito, che la caratteristica principale di entrambi i movimenti fu quella 
di essere un chiaro momento di rottura. In Francia alla fine degli anni 50 quando più 
ce n’era bisogno, in Danimarca a metà degli anni 90 quando l’artificio aveva 
cominciato a stancare. Come le avanguardie storiche del 900, una volta acquisita la 
tecnica e indagata la storia, così anche queste due “avanguardie” diedero una 
notevole scossa al torpore dell’epoca. Qualcosa di nuovo era certamente necessario, 
se ne erano accorti tutti, ma solo questi due pionieri seppero fare qualcosa di 
davvero concreto. Come l’impressionismo formalmente ma più simile al dadaismo in 
campo ideologico, Dogma seppe prendere le regole stilistiche, formali e narrative 
del film classico e stravolgerle creando davvero qualcosa di nuovo. Non vorrei però 
togliere nessun merito alla Nouvelle vague, che quasi quarant’anni prima seppe 
risvegliare dal torpore il cinema francese, adagiatosi su quella produzione ormai 
passata tipica degli anni 30. Certamente ispiratore dei suoi successori questo 
movimento seppe sperimentare in ogni campo, divenendo un vero e proprio punto 
di svolta per la cinematografia mondiale. Da qui in poi, come dai primi del 900 in poi 
per l’arte, il cinema non fu più lo stesso. La produzione precedente venne quasi 
dimenticata, o comunque del tutto rielaborata a favore di un ringiovanimento 
totale. Certo Dogma non ottenne lo stesso risultato, ma seppe in ogni caso far 
parlare di se, ottenendo anche parecchi successi. Direi che innovazioni come queste 
nel campo cinematografico mai ce ne furono, e soprattutto mai ne trovammo di 
tanto simili tra loro. Nate da presupposti simili, in alcuni casi anche da regole uguali,
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gli autori aderenti alle due “avanguardie” seppero creare un nuovo linguaggio 
tipicamente filmico, non più certo ispirato o facente riferimento a quello letterario o 
teatrale, come i precedenti, ma del tutto autonomo, privo di legami col passato. 
Interessante indagare come queste due strade, partita da capolinea così vicini 
seppero svilupparsi in maniere così differenti e raggiungere poi obiettivi tanto 
opposti.  
Un’indagine questa dettata si, da semplice curiosità e voglia di scoprire più a fondo 
aspetti nascosti di questi movimenti, ma anche da ragioni più profonde.
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2. Ambientazione 
- Storia del cinema 
 
 
È un sabato sera, precisamente il 28 dicembre 1895, siamo a Parigi nello scantinato 
del Gran Cafè sul Boulevard des Capucines dove giornalisti, direttori di teatro e vari 
altri invitati assisteranno alla prima proiezione pubblica di un film. È il giorno della 
nascita del cinema e dietro a uno strano macchinario chiamato cinematografo due 
fratelli: Auguste e Luois Lumiere mostrano a un centinaio di persone dei brevissimi 
film (circa di un minuto ciascuno) girati da loro, sperando di lanciare sul mercato la 
loro nuova invenzione. Il successo è del tutto superiore alle previsioni, fin dai primi 
giorni la folla si accalca davanti al locale, desiderosa di vedere quella che verrà poi 
definita la “meraviglia del secolo”, il realismo di tali produzioni è ciò che più colpisce 
il pubblico. La realtà sullo schermo appare  diversa da quella quotidiana, viene quasi 
accentuata, la gente comincia, grazie al cinematografo a notare particolari e azioni 
della vita quotidiana normalmente trascurati, il pubblico si incuriosisce davanti al 
semplice arrivo di un treno in banchina, si spaventa addirittura. 
Ecco che grazie a questi semplici elementi arriva per i Lumiere un successo ben poco 
sperato, i due fratelli girano infatti circa duemila film in una sola decina d’anni, 
rimanendo però comunque legati al documentarismo. La loro produzione inizia a 
calare attorno agli inizi del nuovo secolo quando  la produzione cinematografica 
americana, europea, ma anche francese, cominciarono a svilupparsi in forme molto 
più ampie di quanto i due inventori del cinema avessero potuto prevedere. Questi
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ultimi del resto non furono mai dei veri e proprio produttori cinematografici e 
vennero ben presto superati dalla concorrenza che al contrario loro era 
maggiormente interessata alla sperimentazione tecnica che non alla produzione 
industriale.  
Uno di questi pionieri del cinema fu Georges Méliès, uomo di teatro, illusionista e 
prestidigitatore, interessato non tanto ai fim dei Lumiere quanto al procedimento 
attraverso il quale era possibile far muovere persone e oggetti sullo schermo. Non 
potendosi procurare un apparecchio cinematografico Lumiere a causa del rifiuto 
dello stesso Antoine, Méliès ne costruì uno proprio su un modello inglese o 
americano, e lo chiamò kinetografo. Georges per realizzare la meglio le sue opere 
costruisce un vero e proprio studio cinematografico. Grazie ad esso è in grado infatti 
di realizzare quei film a trucchi che diventeranno la sua specialità. Le sue sono storie 
fantastiche, favolistiche, popolate da personaggi grotteschi e irreali, che attireranno 
l’attenzione anche oltreoceano, in America. 
Sono i primi anni del 900 quando in Europa, ma anche negli stati uniti si sviluppa una 
vera e propria industria del cinema, un catena di produzione e di distribuzione, che 
portò questo mezzo espressivo alla pari del suo predecessore, il teatro, con l’aiuto 
anche della realizzazione delle prime sale cinematografiche. Il pubblico stesso 
cambia in questi anni, si allarga la fascia di popolazione interessata all’evento, e il 
cinema si trasforma così in spettacolo di massa capace di coinvolge spettatori 
provenienti da tutte le classi sociali dell’epoca. Questo mutamento porterà anche a 
un evoluzione del gusto cinematografico che allargherà gli orizzonti stessi delle 
produzioni, ampliando le possibilità espressive sia in campo contenutistico che in 
campo formale.
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I registi e i produttori di questi anni, sia in America che nella stessa Europa, 
consentiranno infine al cinema di fare quel fondamentale salto che lo porterà dalla 
fase sperimentale alla fase industriale e commerciale, con tutte le conseguenze del 
caso. Tutto questo non potè certo lasciare indifferenti intellettuali, critici e scrittori 
europei, che per la prima volta dalla nascita del cinema, si interessarono al mezzo 
conducendo un analisi delle caratteristiche estetiche e dando origine alle prima 
formulazioni teoriche. 
Negli stessi anni oltreoceano, gli Stati Uniti vivevano un fermento simile a quello 
europeo, spinto però più verso fini commerciali che non artistici come invece 
avvenne nel vecchio continente. 
Il primo decennio del cinema americano vide come protagonista la cosiddetta 
“guerra dei brevetti” portata avanti da Edison, intenzionato a proteggere le sue 
apparecchiature prima dal cinematografo dei Lumiere e poi da altre case maggiori 
americane sorte sfruttando appunto la sua invenzione. 
I  primi film furono affrettati, semplici, esteticamente inerti, oltre che una copia mal 
riuscita di quelli dei Lumiere o di Melies. Le stesse case produttrici/distributrici, 
compresa quella di Edison, addirittura controtiparono film europei facendo passare 
per propri film altrui. Questo processo fu però interrotto da una legge che istituì 
finalmente il diritto d’autore e che impose l’obbligo di registrazione dei titoli dei film 
proiettati negli Stati Uniti. Grazie a questa tutela produttori e registi cominciano ad 
avere occasioni maggiori di rinnovare il proprio repertorio, tentando nuove strade e 
distaccandosi ancora di più dal cinema europeo. Dal 1905 si comincia a creare una 
vera e propria rete di sale cinematografiche, che vedono al loro interno spettatori 
provenienti soprattutto dai margini della società, e che proiettano per pochi 
centesimi, produzioni brevissime e tematicamente differenti per un totale di
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mezzora di spettacolo. Sul piano della tecnica non si riscontrano grandi innovazioni, 
il racconto e la rappresentazione dello stesso sono entrambi molto elementari, 
mentre le riprese e i movimenti di macchina paiono per lo più casuali. Uno dei pochi 
innovatori degli Usa fu Porter, primo esempio di cinema narrativo nel nuovo 
continente, che fece nascere con le sue produzioni il film americano per eccellenza: 
realistico e ispirato a motivi del romanzo popolare e dei giornali illustrati. Ancor più 
importante di Porter sarà invece David Griffith che, mentre il cinema americano era 
in preda alla guerra dei brevetti, si avvicina al cinema sviluppando le basi del 
linguaggio cinematografico. Il suo contributo fu essenziale per il riconoscimento del 
cinema come linguaggi autonomo e di espressione, ma anche come espressione 
artistica attraverso la quale rappresentare una personale visione del mondo. Un 
altra strada presa dal cinema in quegli anni fu quella dei serials, film a puntate 
rinnovate settimanalmente, che con costi ridotti attiravano una gran fascia di 
pubblico per lunghi periodi di tempo. Ispiratosi ai  romanzi a puntate pubblicati su 
giornali a grande tiratura, questo tipo di produzione approfondì maggiormente il 
carattere narrativo del mezzo cinematografico e ne attualizzò ancor di più le 
tematiche, aggiungendo inoltre modernità a scenografie e personaggi. La moda dei 
serials si esaurì però in fretta, attorno agli anni 20 infatti, a causa del clima del 
dopoguerra e anche di uno sviluppo differente del cinema, il pubblico smise di 
interessarsi alle tematiche proposte dai film a puntate, lasciando così esaurire una 
stagione durata meno di un decennio. Attorno agli anni 10 inoltre sulla costa 
californiana, e più precisamente in un sobborgo di Los Angeles, si viene a creare una 
sorta di punto di ritrovo di registi produttori e troupes cinematografiche, tutti 
attirati dalle favorevoli condizioni climatiche del luogo. Nascerà qui la Hollywood che 
conosciamo ora. Sempre nel primo decennio del 900 si sviluppò e prese piede il 
“cinema americano per eccellenza”: il western. Anticipato da Porter e Griffith, 
questo nuovo genere sintetizzò al meglio i caratteri principali del mito della società