L'influenza surrealista di Guy Bourdin

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INTRODUZIONE
La fotografia di moda riveste un ruolo centrale all’interno del fashion-system, nata 
per far conoscere al maggior numero di persone lo stile di un sarto e la bellezza di un 
vestito, nonché per conservare nel tempo la sua memoria, oggi può determinare il suo 
apprezzamento ed il successo commerciale del suo disegnatore.
Il ruolo del fotografo di moda non è stato dunque sempre lo stesso nel corso degli 
anni, anzi, è cambiato notevolmente. Da semplice ritrattista di aristocratiche signore 
vestite alla moda, oggi è diventato un elemento determinante del complesso meccanismo 
di vendita del prodotto. A lui si devono i successi delle campagne pubblicitarie dei 
servizi giornalistici e di quant’altro ruota intorno a questo favoloso mondo. 
La professionalità in questo settore è importantissima, più che in qualunque altra 
attività, nella mani del fotografo c’è la chiave del successo di una griffe. Tuttavia non 
basta la bravura per emergere, bisogna possedere delle doti artistiche innate. 
Guy Bourdin è considerato uno dei fotografi più importanti del XX secolo, il suo 
messaggio non facilmente decifrabile, il sesso, la violenza e i suoi tableaux narrativi mi 
hanno da subito affascinato. Prima di lui nessun fotografo di moda aveva sconvolto in 
modo tanto forte le convezione e le consuetudini. Da quando è entrato nel mondo dei 
periodici illustrati, con la forza di un ciclone ha saputo imporre il suo stile e descrivere 
un universo dove le modelle sono personaggi di un’affascinante scenario urbano, e 
selvaggio insieme, sempre immerso in un’atmosfera rarefatta e sofisticata.
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 L’interesse per la moda e per la fotografia mi ha spinto ad analizzare l’operato di 
questo grande artista, imprevedibile e mai ripetitivo, cercando di soffermarmi su eventi, 
influenze artistiche e fotografiche.  
Il primo capitolo dell’elaborato ha come oggetto la situazione storica prima in 
generale, poi nello specifico, con riferimento ai fatti che riguardano Parigi, città natale di 
Bourdin, e centro importante per la fotografia. In modo più specifico ho ritenuto 
opportuno citare alcuni dei più importanti fotografi, ed analizzare quel particolare filone 
della fotografia di moda. Attraverso un racconto cronologico ho accennato ai personaggi 
più influenti ed alle città europee ed internazionali che hanno visto crescere i loro 
maestri. 
Nel secondo capitolo ho analizzato la figura di Bourdin, con particolare attenzione 
verso stile, tecnica e temi, creando un parallelismo diretto con le immagini. Vista l’ampia 
produzione dell’artista ho cercato di cogliere quali fossero le sue preferenze sulla scelta 
dei colori e dei soggetti da ritrarre, e indicato alcune particolarità che ho riscontrato 
analizzando le sue opere e le dichiarazioni del figlio Samuel, utilissime per ricostruire 
alcune tappe della sua vita.   
Il capitolo finale dell’elaborato ha come oggetto il surrealismo prima in generale, poi 
in modo specifico riguardo l’attenzione degli appartenenti a questo movimento verso il 
mezzo fotografico. La scelta di questa corrente artistica deriva da un mio personale 
interesse e da alcune similitudini che ho riscontrato tra artisti appartenenti a tale filone e 
alcune opere bourdiniane. In particolare si analizzano alcuni degli artisti più influenti, 
menzionando alcune delle loro opere che a mio parere hanno influenzato la produzione 
di Bourdin, riassumendo attraverso parole e immagini le tappe più importanti della sua 
breve ma intensa carriera.
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Nella seconda parte ho cercato di esporre un giudizio personale facendo una breve 
analisi stilistica per evidenziare punti di contatto tra le opere dell’artista parigino e dei 
surrealisti, cercando di individuare similitudini tematiche e nella scelta dei soggetti.    
L’elaborato si propone l’obiettivo di delineare in modo compiuto gli sviluppi della 
materia in questione, di fornire un quadro generale sulla fotografia di moda e 
sull’avanguardia artistica del novecento. 
Tuttavia, la parte che più mi ha interessato è quella posta come appendice 
dell’elaborato, in cui ho svolto un vero e proprio lavoro operativo. Prendendo spunto da 
alcune foto di Bourdin infatti ho cercato di reinterpretare il suo pensiero, lasciandomi 
trascinare dalla mia immaginazione, e spiegando passo passo le tappe che hanno portato 
il mio lavoro a compimento.
 Immedesimandomi nel ruolo di fotografo di moda ho perciò realizzato alcuni scatti, 
scegliendo location a volte insolite altre volte banali, immaginando di realizzare una 
pubblicità, e utilizzando le moderne tecnologie per dare più spazio alla mia creatività.
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CAPITOLO 1
IL CONTESTO STORICO
1.1 UN AIUTO DALLA STORIA
Per comprendere le tappe che portano alla formazione di Guy Bourdin credo sia 
opportuno fare un’analisi dal punto di vista storico. Gli anni Trenta rappresentano un 
periodo denso di contraddizioni dal punto di vista politico, economico e sociale. La 
drammatica crisi economica cominciata nel 1929, che si prolungò fino alla fine degli 
anni Trenta, segnò profondamente la storia europea fino allo scoppio della II guerra 
mondiale. 
Dal punto di vista politico l’Europa vide accentuarsi lo scontro tra democrazie e 
fascismi. A partire dal 1933 si assistette ad un progressivo allentamento delle relazioni 
internazionali in nome di un rinnovato nazionalismo aggressivo. In Europa nel 1939 si 
era andato definendo sempre più il disegno imperialistico tedesco, volto a espandere il 
territorio abitato dai tedeschi. Dopo aver annesso l'Austria, conquistato la Boemia, 
sottomesso la Slovacchia, nel settembre 1939 Hitler invase la Polonia, avendo prima 
firmato un'alleanza militare con l'Unione Sovietica di Stalin. 
Di fronte a questo ulteriore grave atto, le potenze occidentali, Francia e Gran Bretagna, 
dichiararono guerra alla Germania, ma non riuscirono ad impedire la conquista, da parte 
dei tedeschi, della Polonia, della Danimarca e della Norvegia.
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 Nella primavera del 1940, Hitler volse l'esercito tedesco contro la Francia, che in 
poche settimane venne spazzato via. Il 10 giugno 1940, quando ormai la Francia era allo 
stremo, l'Italia fascista di Mussolini dichiarò guerra alla Francia e alla Gran Bretagna. 
Conquistata la Francia e la Danimarca cercò, inutilmente, di invadere la Gran Bretagna, 
mentre in Africa l'Italia perdeva la colonia etiopica a vantaggio degli inglesi. Nell'ottobre 
del 1940 l'Italia intraprese la conquista della Grecia, partendo dalla colonia albanese, ma, 
di fronte ai disastri militari italiani, dovette intervenire la Wermacht tedesca, che, in 
pochi giorni, conquistò la Jugoslavia e invase la Grecia. Nel giugno del 1941 la 
Germania iniziò l'invasione dell'Unione Sovietica, sostenuta anche in quest'opera 
dall'esercito italiano. Le armate nazi-fasciste giunsero fino a Mosca, Leningrado e 
Stalingrado, ma nel febbraio 1943 subirono una pesante sconfitta che le costrinse a 
ritirarsi disordinatamente verso ovest. In Oriente, frattanto, il Giappone nel dicembre 
1941 aveva aggredito gli statunitensi, provocandone l’intervento in guerra. Nel settembre 
1943 anche l’Italia venne occupata dagli alleati anglo-americani, così il 25 luglio di 
quell’anno il re fece arrestare Mussolini, nominò Badoglio capo del governo ed il 
fascismo venne dichiarato decaduto. L’8 settembre dello stesso anno l’esercito tedesco 
invase l’Italia ed iniziò la guerra di resistenza in Italia. Nel maggio 1945 la guerra in 
Europa finì con la conquista dell’intera Germania da parte degli eserciti alleati, il 
Giappone continuò la guerra ancora fino ad agosto, quando le due bombe atomiche 
americane di Hiroshima e Nagasaki posero fine al conflitto mondiale. In questo clima di 
disordini e restrizioni il piccolo Bourdin si avvicinò dapprima alla pittura, e 
successivamente alla fotografia, vista anche la grande importanza che aveva per la città 
di Parigi.
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       1.2 PARIGI E LA FOTOGRAFIA
La fotografia nacque sulle rive del Saone, ma fu presso la Senna che fece il suo 
ingresso in società. La sua invenzione, tradizionalmente attribuita a Daguerre, in realtà 
può farsi risalire a tutto quel patrimonio di ricerche che condussero successivamente alla 
sua "invenzione". Pur essendo Daguerre il nome che è più diffusamente collegato alla 
sua nascita, in realtà, il suo merito, fu quello di saper sintetizzare e concretizzare le teorie 
altrui, poiché altri prima di lui erano giunti a quei procedimenti che permisero la scoperta 
delle tecniche fotografiche, prima il fisico e politico Francois Arago e poi Joseph 
Nicèphore Niepce. Ma la data più importante per la storia della fotografia resterà pur 
sempre il 1829, anno in cui Daguerre definì la tecnica del dagherrotipo. La dagherrotipia, 
dal suo nome, fu un perfezionamento dell'eliografia di Niepce. 
                        
Fig. 1: Daguerre, L’Atelier de l'artiste, Parigi 1837.
Dal 1839 un certo amore si sviluppò tra Parigi e la fotografia, rapporto che divenne 
più proficuo sul finire del decennio. Oggi il racconto di quell’amore ci permette di 
tracciare una doppia storia: quella di una meravigliosa città e quella di una nuova arte 
che eccelle nel catturare e testimoniare momenti di vita quotidiana. La fotografia, spinta
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da una innovazione tecnica dopo l’altra progrediva, come testimoniava l’Esposizione 
Universale di Parigi che si teneva regolarmente. Quando fu possibile stampare e 
riprodurre immagini fotografiche, la nuova arte decollò. Già nel 1873, tutta Parigi era 
incantata per l’uscita della prima rivista che mostrava, incollate alle pagine, immagini 
superlative color seppia di una straordinaria finezza. Il 5 Settembre 1886, la rivista 
parigina “Le Jurnal illustrè” pubblicò il primo reportage con foto stampate: un’intervista 
condotta da Nadar con il celebre chimico Michel-Eugène Chevreul. Nel luglio del 1893 
il Photo-Club di Parigi annunciò la “Prima esposizione di Arte fotografica”, il bando di 
concorso sottolineava in neretto: “Saranno accettate soltanto opere che, oltre a tecnica 
eccellente, presentino un autentico carattere artistico”, a dimostrazione 
dell’interdipendenza tra arte e fotografia (
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). Gli ultimi anni del diciannovesimo secolo 
videro un radicale cambiamento nella fotografia, molti artisti volsero uno sguardo 
appassionato ed amorevole verso Parigi. Il più famoso di loro, Eugène Atget, lasciò una 
serie eccezionale di lavori, che ricevettero un giusto riconoscimento solo dopo la sua 
morte nel 1927; è stato senza dubbio il primo grande moderno fotografo della capitale 
francese.
(1) Manodori A., Fotografia, Bononia University Press, Bologna 2005, p. 216.
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Fig. 2: Eugène Atget, Cenciaiolo, Parigi, 1899-1900. Stampa su carta aristotipo.
Agli inizi del Novecento la produzione industriale rese uniforme a livello mondiale 
il procedimento fotografico. La creatività fu spesso sacrificata per soddisfare i desideri 
dei consumatori, con il risultato di una quantità di immagini caratterizzate da una 
lamentevole banalità. Allo stesso tempo persistette una tendenza puramente artistica, i 
cui esponenti cercarono di superare questa fotografia invalidante, stereotipata. Gli artisti 
e i fotografi intuirono le nuove potenzialità espressive del mezzo fotografico e le diverse 
correnti artistiche, si appropriarono della fotografia attestandone le caratteristiche di 
'nuova arte visiva'. 
Fuori dall’Europa intanto, grazie a Stieglitz, New York divenne il centro artistico 
della fotografia pittorica. Nel 1902 costituì una nuova società al fine di promuovere il 
riconoscimento della fotografia pittorica come arte, con il nome di Photo-Secession. I 
fondatori furono appunto Stieglitz, che era il presidente del consiglio, John Bullock, 
William Dyer, Fank Eugene, Clarence H. White e Edward Steichen, che aveva solamente 
vent’anni. Gli obiettivi che Photo-Secession si proponeva erano far progredire la 
fotografia come espressione pittorica, promuovere incontri e associazioni fra gli
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americani che praticassero l’arte, organizzare esposizioni. Il centro Europeo di maggior 
fermento fotografico era la capitale francese, ben presto Steichen, che divideva il suo 
tempo fra la pittura e la fotografia, si stabilì a Parigi; lavorando nel suo studio nella Rive 
gauche, conquistò rapidamente fama internazionale. 
Intanto, la pratica fotografica, andava sottolineando le potenzialità del mezzo, e si 
andava affermando una nuova estetica, volta ad elogiare “le fotografie che sembrano 
fotografie” (
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), prive cioè di quelle manipolazioni così prevalenti nelle opere dei 
fotografi pittorici che volevano costringere la fotografia ad emulare le immagini prese 
con altri mezzi (
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). La fotografia, definita “pura”, diretta si proponeva dunque di 
depurare l'immagine fotografica dagli abbellimenti superficialmente attinti 
dall'iconografia pittorica, come mostra l’immagine sopra di Stieglitz. Da qui la 
secessione dalla "fotografia artistica", così veniva chiamata all'epoca la fotografia 
pittorialista, e la tensione verso una fotografia pura e diretta, “Straight” per l'appunto. 
Parallelamente, si svilupparono diverse pratiche fotografiche, che privilegiavano 
prospettive distorte, come nelle immagini di Coburn per esempio, ottenute grazie 
all’utilizzo di un apparecchio che al posto dell’obiettivo aveva un piccolo foro 
stenopeico “perché in questo modo si può ottenere un angolo visuale più ampio di quello 
dato da qualsiasi obiettivo grandangolare” (
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). 
Anche Schad, uno degli artisti del gruppo Dada di Zurigo, fece alcune fotografie 
astratte senza servirsi dell’apparecchio fotografico, collocando pezzi di carta e oggetti 
(2) Newhall  B., Storia della fotografia. Einaudi, Torino 1949, p. 235.
(3) Tausk P., Storia della fotografia del XX secolo, Mazzotta editore, Milano 1980, p. 67.
(4) Alvin Langdon Coburn a Beaumont Newhall, 8 settembre 1963, collezione d’autore.