Business e arte secondo Damien Hirst

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Introduzione 
 
 
 
La citazione in prima pagina sintetizza perfettamente l'argomento che si vuole trattare con 
questa tesi: l'artista contemporaneo prende consapevolezza delle dinamiche che dominano 
il mondo esterno e le fa proprie, anche se queste non appartengono o sembrano estranee 
al mondo dell'arte, come il fenomeno del branding originariamente associato ai beni di 
consumo. Così facendo si sollevano però numerose questioni riguardo la validità di 
questo tipo di arte, numerose critiche e problematicità. Damien Hirst è il massimo 
esponente di questo processo ancora in corso, che forse ha cambiato per sempre il modo 
in cui gli artisti di domani si rapporteranno al fare artistico. 
Il modo di concepire il rapporto tra arte e branding di Hirst è però soltanto una 
conseguenza di un fenomeno già in atto da tempo, che lo ha consacrato come un vero e 
proprio "artista di brand". 
Infatti è dal 1970 che il mondo dell'arte ha visto lo sviluppo di dinamiche relative al 
branding originariamente appartenenti ai beni di consumo. "Il branding è una forma di 
comunicazione aziendale, è un modo per far crescere la reputazione di un marchio per 
renderlo piø attraente per segmenti chiave di compratori. In un clima di potenti mercanti 
d'arte che operano in diverse sedi e rappresentano gli artisti piø in voga, il valore del 
brand diventa sempre piø importante. I progetti di musei in medio oriente, promossi da 
musei superstar come il Louvre o il Guggenheim, puntano tutto sul branding. L'arte è 
abbastanza incidentale, secondaria.
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" 
Meccanismi di marketing e piø strettamente pubblicitari (molto spesso spettacolari) 
associati generalmente a marchi come Coca-Cola, Nike, o prodotti di alta moda (LVMH, 
Prada) il cui obiettivo è apportare valore aggiunto al prodotto garantendo diretta 
riconoscibilità, sicurezza e qualità sono per cui stati assimilati dal mondo dell'arte; questo 
è evidente nel momento in cui al giorno d'oggi si richiede che l'artista sia anche e 
sopratutto un abile mercante, capace di integrare le sue idee e le sue opere con un 
intelligente fiuto da finanziere. 
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   Chiara Zampetti, Intervista agli autori di "The art business" Ian Robertson e dr. Derrick 
Chong, www.arteconomy24.il sole 24 ore.com.
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Andy Warhol fu forse il primo a capire realmente quanto potere potesse derivare dalla 
notorietà data da un' auto-sponsorizzazione . Nel 1966 infatti declama: "I'll endorse with 
my name any of the following: clothing, AC-DC, cigarettes, small tapes, sound 
equipment, food, helium, whips, MONEY!
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" insegnamento che ha dato una svolta 
radicale al modo in cui gli artisti si sono poi approcciati al pubblico. Jeff Koons ne è uno 
dei piø validi rappresentanti, nel momento in cui esce dal mondo finanziario e inizia a 
fare arte dichiarando di volerla rendere competitiva in una società competitiva. Ed è 
proprio su questa scia che si inserisce l'opera di Damien Hirst, il quale, circondandosi dei 
piø influenti personaggi del settore, aprendo una vera "fabbrica" con diverse centinaia di 
aiutanti, fondando addirittura due società per gestire il suo "marchio", ne è il massimo 
esponente. 
Queste dinamiche sollevano però obiezioni da parte dei piø autorevoli critici d'arte perchè 
sembra si sia entrati in una logica in cui è il mercato a dare giustificazione e non la critica 
d'arte. Proprio a proposito dello squalo in formaldeide di Hirst, Dorfles sbotta che l'arte si 
fa massimamente spettacolare per coprire deficit di iniziativa personale. Ma è proprio 
così? il fatto che molti collezionisti acquistino nuove opere senza averle visionate ma 
sotto indicazione del gallerista prestigioso o in base al nome dell'artista fa riflettere. 
In questa sede si vuole quindi indagare l'ampio spettro di attività intraprese da Damien 
Hirst come fenomeno esemplare di "artista di brand", il suo modo di concepire il legame 
tra arte e business, lo stretto legame che intercorre  tra il lavoro artistico e il management, 
la pubblicità, la promozione, il successo, il denaro. Questo percorso è stato facilitato dalla 
presenza e dall'aiuto di una persona molto vicina a Damien: Hugh Allan, amico di 
infanzia dell'artista, socio e direttore di other criteria, società con la quale lui e Damien si 
occupano del rafforzamento e diffusione dell'immagine dell'artista e dei colleghi con cui 
ha lavorato, tramite la diffusione di gadget a basso costo (portachiavi, t-shirt, stampe e 
piccole opere) e pubblicazioni. 
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  Eileen Kinsella, Warhol Inc., www.artnews.com.
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1. Damien Hirst: cenni biografici  
 
 
 
"Devi diventare una celebrità prima di demolirla, 
farla a pezzi e far vedere alla gente che non c'è nessuna  
differenza tra le celebrità e la vita normale." 
 
DAMIEN HIRST 
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Si può senza alcun dubbio ritenere Damien Hirst una celebrità per la fama, il successo e 
le polemiche che hanno accompagnato fin da subito la sua carriera artistica. Ma quali 
sono state le tappe della sua esistenza che lo hanno portato ad essere l'artista che oggi 
tutti conoscono? Volendo cercare il tema centrale del suo lavoro, questo senz'altro risiede 
nella morte. Seguendo una classificazione delle sue opere proposta da Donald Thompson 
ne Lo squalo da 12 milioni di dollari possiamo individuare principalmente sei categorie: 
la prima è costituita da Natural History, che comprende gli animali "sospesi nella morte" 
conservati in formaldeide. La seconda categoria è la lunga cabinet series, nella quale 
strumenti chirurgici o confezioni di pillole vengono esposti in armadietti per medicinali. 
Riconosciamo poi gli spot paintings, cinquanta o piø cerchietti su superficie bianca, 
ordinati in file e colonne generalmente chiamati con nomi di prodotti farmaceutici. La 
quarta categoria, gli spin paintings, sono dipinti molto colorati realizzati su una ruota da 
vasaio fatta girare. La quinta categoria è costituita dai butterfly paintings, collage con 
migliaia di ali staccate oppure con farfalle tropicali intere montate su tela dipinta di 
vernice lucida monocroma. L'ultima categoria comprende trentuno quadri fotorealistici . 
 Manifesto della sua poetica è The physical impossibility of death In the mind of someone 
living, consistente in uno squalo tigre di oltre 4 metri posto in formaldeide dentro una 
teca. Lo squalo divenne il simbolo dell'arte britannica degli anni novanta e la vendita 
dell'opera nel 2004, per quasi dodici milioni di dollari, ha reso Hirst l'artista vivente piø 
caro dopo Jasper Johns. 
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  Damien Hirst, Gordon Burn, Manuale per giovani artisti, Milano, Postmedia Books, 2001, p.45.
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La violenza statica, immobile che traspare dalle sue opere probabilmente attinge da una 
vita e da una adolescenza turbolente. Damien Hirst nasce nel 1965 a Bristol, ma cresce a 
Leeds. Il padre, venditore d'auto, lascia la famiglia quando il figlio ha dodici anni. 
L'adolescenza di Damien è travagliata. Fin da giovanissimo manifesta attenzione e 
interesse per tematiche legate alla morte. A sedici anni si fa fotografare con la testa di un 
morto (che diverrà la foto-scultura with dead Head). 
Di questo episodio racconta "Sono io con la testa di un morto. Una testa tagliata 
all'obitorio. Se mi guardi in faccia si vede che sto dicendo "Presto, presto, scatta!". Avevo 
paura, volevo farla vedere ai miei amici, ma non potevo portarli tutti all'obitorio di Leeds. 
Ero terrorizzato. Ridevo, ma mi aspettavo che da un momento all'altro gli occhi si 
aprissero e Graargh!! Stavo facendo dei disegni di anatomia, ho fatto delle foto anche se 
non potevo. All'improvviso pensai che quel sorriso e tutto il resto per me sintetizzavano il 
mio rapporto col problema della vita e della morte. Ma era un modo veramente ridicolo di 
cercare di capire quelle cose. Questa è la vita e questa è la morte. Cercavo di capire. A 
casa avevo molti libri di patologia. le ustioni e tutto il resto..li usavo per dipingere. Mi 
piaceva molto Francis Bacon. Quand'ero ragazzino andai all'obitorio e in mezzo a tutti 
quei cadaveri mi sentii male, pensai di morire, era orribile. Ma tornai piø volte a 
disegnarli. Il punto in cui inizia la morte e finisce la vita per me era li, prima ancora che li 
vedessi. Quando li vidi per un po' di volte mi ci abituai e capii che era vero. Li tenevo tra 
le braccia, ed erano cadaveri. La morte si allontanò un po'"
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. 
La vera e propria preparazione artistica inizia nel 1986 quando Damien si trasferisce a 
Londra, deciso a diventare artista. Viene ammesso al prestigioso Goldsmith College e al 
secondo anno di corso organizza una mostra, Freeze, in un edificio abbandonato dei 
Docklands di Londra. Molti degli artisti selezionati da Hirst, tutti allievi del Goldsmith 
come Sarah Lucas, Ian Davenport e Fiona Rae, raggiungeranno il successo. Hirst viene 
molto criticato per questa mostra, da studenti e professori e viene accusato di vendersi 
"moralmente" a Charles Saatchi. Tuttavia già dall'ideazione dell'esposizione, che curò 
personalmente scegliendo le opere, progettando il catalogo e predisponendo 
l'inaugurazione, emerge la sua grande capacità organizzativa oltre che artistica. Si 
impegnò personalmente infatti anche per ottenere i finanziamenti da un'azienda canadese, 
la Olimpia e York, che stava costruendo il complesso commerciale di Canary Wharf e 
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  Damien Hirst, Gordon Burn, Manuale per giovani artisti, Milano, Postmedia Books, 2001, 
pp.32-33.
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quando Norman Rosenthal, della Royal Academy, disse che non sapeva come arrivare 
nella zona dei docks, Hirst lo andò a prendere e lo portò alla mostra personalmente. 
 Diplomato al Goldsmiths, nel 1990 con l'amico Carl Freedman cura una mostra intitolata 
Gambler nella quale espone A thousand years , una rappresentazione della vita e della 
morte nella quale delle larve di 
mosca vengono fatte schiudere in 
una teca e poi spinte a superare 
una separazione per raggiungere 
una testa di mucca in 
decomposizione. Venivano poi 
fulminate a metà del loro tragitto. 
A proposito dell'opera Hirst dice: 
" Ridevano tutti di me. Pensavano 
che fossi fuori di testa. Ma io ci 
pensavo e la minimalizzavo, la stavo trasformando in una struttura virtualmente stupenda. 
Stavo risolvendo tutto. Avrà dei buchi, sarà come un dado...potrei descrivere tutto 
perfettamente, cos'era prima che la facessi. E tutti dicevano che ero impazzito, che ero 
fuori di testa, che era una stronzata. Ricordo che parlavo con Gary Hume e gli chiesi -
Penso di chiamarlo A thousand Years. cosa ne pensi? e lui- Ma va! A thousand years! 
Che cazzata !
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-" 
Nel 1991 Hirst tiene la sua prima personale in un negozio dismesso in Woodstock street, 
nel centro di Londra ma il vero e proprio successo arriva con la prima esposizione 
dedicata agli Young British Artists alla Saatchi Gallery di Londra, dove Hirst presenta 
The physical impossibility of death in the mind of someone living, uno squalo sospeso in 
una vasca trasparente riempita di formaldeide. L'opera viene acquistata da Saatchi per 
50mila sterline. Hirst descrive l'opera in un'intervista nella prima edizione della rivista 
"Frieze":" Mi piace l'idea di qualcosa che descrive una sensazione. Uno squalo fa paura, è 
piø grande di te, si muove in un ambiente a te sconosciuto. Sembra vivo quando è morto e 
morto quando è vivo." Hirst è finalista al Turner Prize che viene però assegnato a 
Grenville Davey. 
Conquista poi la notorietà internazionale alla Biennale di Venezia nel 1993, grazie alle 
polemiche che investono Mother and child divided, una mucca e un vitellino tagliati a 
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  Damien Hirst, gordon Burn, Manuale per giovani artisti, Milano, Postmedia Books, 2001, p.128.
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metà, e collocati in due vetrine in modo che gli spettatori possano camminare tra le 
viscere dei due animali. Le critiche riguardo la sua arte si infittiscono ma questo non gli 
impedisce nel 1995 di vincere il prestigioso Turner Prize. 
A Londra apre un ristorante, Pharmacy, interamente progettato per far "vivere" le sue 
opere omonime, che diventa meta di pellegrinaggio del jet set internazionale. Nuove 
polemiche si hanno fin dall'inaugurazione della mostra Sensation, tenutasi alla  Royal 
Academy di Londra nel 1997 e visitata da 350mila persone. Le opere appartengono tutte 
alla collezione Saatchi. Nel 1999 declina l'offerta di rappresentare la Gran Bretagna alla 
Biennale di Venezia e fa causa alla British airways per via di una pubblicità che richiama 
alla mente i suoi Dot paintings. Dietro questa e altre scelte che sembrano essere proprie 
di un impresa volta a salvaguardare i suoi profitti c'è la mano abile di Frank Dunphy, 
manager dell'artista, il cui obiettivo è proprio occuparsi del patrimonio di Hirst. 
A New york, nel 2000 centomila persone visitano la sua mostra da Gagosian. L'artista 
ricompra 12 sue opere da Saatchi, in società con il gallerista Joy Jopling. L'investimento 
ammonta a 15 milioni di dollari. Ma la carriera, la fama e il successo di Damien sono in 
continua salita, si pensi che nel 2003 una personale da White Cube, a Londra, incassa 
11milioni di sterline. E poi il proprietario di un grande magazzino di Seul paga 1,5 
milioni di dollari per Charity, un monumentale bronzo dipinto. Hirst decora anche un 
catamarano, che collega la Tate Britain alla Tate Modern con 2.500 punti di 35 colori.
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Su consiglio di Dunphy chiude Pharmacy, non prima però di aver messo in salvo tutto il 
vendibile (addirittura posaceneri e bicchieri) da riservare ad un'asta da Sotheby's il cui 
incasso sfiora i 20milioni di dollari. 
Nel 2004 Il suo primo squalo viene venduto da Saatchi, si dice per 11,5 milioni di dollari, 
al collezionista americano Steve Cohen. Nel 2007 Hirst sostituisce l'animale originale, 
quasi disintegrato, con un altro. Si alzeranno molte polemiche a seguito di questo 
episodio sull'originalità e l'autenticità dell'opera d'arte. Dall'ottobre 2007 l'opera è esposta 
in prestito al Metropolitan Museum di New York.  
L'anno seguente, presenta da Gagosian, a prezzi compresi tra 250 mila e due milioni di 
dollari, trenta dipinti fotorealistici realizzati in gran parte dai suoi assistenti. Le opere 
vanno letteralmente a ruba. 
Nel 2007 espone da White Cube For the Love of God, un teschio di platino tempestato di 
diamanti. Il prezzo richiesto ammonta a cento milioni di dollari. E nel 2008 da Sotheby's 
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  Renato Diez, Damien Hirst, in “Arte”, n.144,Milano, Maggio 2010, pp.102-109.