Il teatro italiano e l'ultimo Pirandello

Il Teatro Italiano e l’Ultimo Pirandello – Salvatore Amoroso – Università di Roma Tre – 2006-2007 
 
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filosofiche e scientifiche, e le sue applicazioni nel campo della 
psicologia applicata e della sociologia.    
Mi sono avvalso di numerosi testi, opere di studiosi, conoscitori e di noti 
docenti universitari, che hanno approfondito la complessità del suo 
pensiero. Inoltre, ho consultato i numerosi scritti, interviste e 
testimonianze che l’autore ci ha lasciato e che sono ormai ampiamente 
documentate. 
Tutto questo materiale mi ha dato l’opportunità di approfondire 
l’articolata estetica pirandelliana, dalla poetica dell’umorismo a quella 
degli archetipi e dei miti moderni, mi ha permesso poi di apprezzarne la 
sua  moderna e profonda drammaturgia che lo annovera fra i più grandi 
autori teatrali di tutti i tempi.  
Lo studio della “trilogia mitica”, mi ha permesso in seguito di far 
emergere i temi e le problematiche sociali da essa affrontate e il ruolo 
che l’autore le ha attribuito. 
Ho ultimato il mio studio, ponendo l’attenzione sulla significativa 
trasformazione apportata dal drammaturgo alle strutture e alle tematiche 
del teatro tardo-romantico e borghese; tale trasformazione lo ha portato 
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poi alla creazione di un teatro nuovo al quale molti autori contemporanei 
si ispirano tutt’oggi, e che si può definire ancora attuale. 
 
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CAPITOLO PRIMO 
 
 
IL LINGUAGGIO  DELL’ARTE E IL TEATRO DEL NOVECENTO 
 
 
I primi trent’anni del nostro secolo hanno prodotto in Europa dei 
movimenti artistici di cui si parla ancora oggi, generalmente col termine 
riassuntivo di Avanguardie. 
Dato il carattere progressivo e provocatorio di tali movimenti, il termine 
di avanguardia ha assunto spesso il significato generico di arte ardita, 
innovativa e rivoluzionaria, perdendo però il suo significato reale di arte 
che propone il suo sconfinamento con la vita, di arte che agisce 
contemporaneamente sul piano dell’etica come su quello dell’estetica. 
Il significato più autentico di avanguardia  è, quindi, quello di un’arte 
che, sia capace - agendo sulla sensibilità individuale e collettiva - di 
promuovere un rinnovamento, di migliorare il livello di qualità 
dell’esistenza o motivarne le stesse scelte esistenziali. 
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Il termine di avanguardia potrebbe aver avuto origine da un vocabolo 
militare e utilizzato, per la prima volta, in epoca romantica nell’ambito 
del socialismo utopico francese. quale proiezione ideale, sul piano 
artistico, delle mete riformistiche politiche. 
Solo nel Novecento troviamo impiegato il termine, collegato, da una 
parte, a quello di un rinnovamento sostanziale del linguaggio - come 
condizione indispensabile per un rinnovamento delle idee - e, dall’altra, 
alla formula caratteristica di un manipolo di artisti che elaborano in 
comune l’ideologia stessa che sta alla base del loro operare artistico. 
In questo senso gli anni Ottanta, e soprattutto gli anni Novanta 
dell’Ottocento, spianano la strada a questo sviluppo peculiare del nostro 
secolo, con la nascita di numerosi gruppi e movimenti artistici che, dal 
naturalismo (passando per il simbolismo e il modernismo) approdano 
all’espressionismo, cubismo, futurismo e a tutte le Avanguardie del 
primo Novecento. 
Queste coinvolgono e investono tutte le capitali europee e si strutturano 
accanto a un critico-letterato intorno al quale ruotano due o più artisti 
guida e una serie di affiliati - si veda il caso di Apollinaire, Picasso e 
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Braque con il cubismo a Parigi, o Marinetti e Boccioni con il Futurismo 
a Milano. 
L’istituzione poi di una rivista (come Lacerba per il Futurismo e la 291 
per il Dadaismo) assicura la circolazione dell’ideologia del gruppo e il 
suo intento programmatico. 
Un rinnovamento di tale portata ingloba, naturalmente, ogni forma di 
espressione, dalla letteratura al teatro, dalle arti figurative 
all’architettura, e man mano si arriverà ad un coinvolgimento di tutto il 
sistema tecnico industriale della produzione, che scardinerà gli stessi 
sistemi produttivi e strutturali su cui si ordinava l’intera società 
occidentale prima della rivoluzione industriale. 
Partendo, quindi, dall’ultimo ventennio dell’Ottocento, i movimenti che 
caratterizzano il linguaggio, l’espressione artistica in generale e il teatro 
in particolare sono: il Naturalismo francese, il Simbolismo, 
l’Espressionismo tedesco, il Bauhaus, il Teatro dada e surrealista, e il 
Teatro del grottesco. 
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IL NATURALISMO FRANCESE 
I naturalisti francesi elaborarono una nuova poetica teatrale diretta a 
realizzare sulla scena i principi della loro scuola. 
Il Naturalismo, accogliendo in gran parte le posizioni elaborate da 
Charles Darwin, attribuiva ai caratteri ereditari e all’influenza 
dell’ambiente la determinazione dei comportamenti delle persone: in 
questa prospettiva il comportamento dell’individuo è condizionato da 
fattori che sfuggono al suo controllo, e nessuno può veramente essere 
responsabile delle proprie azioni. 
Le eventuali colpe, quindi, devono essere così condivise da una società 
che permette l’esistenza di fattori ambientali degradanti e negativi. 
L’uomo viene considerato alla stregua di un qualsiasi oggetto naturale, le 
cui azioni possono essere descritte e analizzate secondo leggi precise 
come quelle della natura fisica. 
Il Naturalismo nacque in Francia intorno al 1870. Il suo principale 
esponente fu Émile Zola (1840 - 1902), tenace sostenitore del metodo 
scientifico come chiave del progresso e della verità. 
La letteratura secondo Zola doveva assimilare il metodo scientifico e, 
compito del dramma era quello di illustrare le «inevitabili leggi 
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dell’eredità e dell’ambiente, riportando lo studio di un caso specifico». 
Zola auspicava che lo scrittore nella sua ricerca della verità osservasse, 
registrasse e sperimentasse con lo stesso distacco oggettivo di uno 
scienziato, e lo paragonava ad un patologo che cerca le cause di una 
malattia per poterla poi curare. 
Lo studioso sosteneva inoltre la necessità di riprodurre sulla scena gli 
ambienti reali in cui si svolgono le vicende rappresentate, in modo da 
poter mettere in luce con chiarezza i rapporti di causa ed effetto che 
sussistono tra l’ambiente, i caratteri e gli eventi. 
Il dramma naturalista si diffuse poi in tutta Europa ad opera di André 
Antoine che diffuse la corrente realista atta a gettare luce sulle miserie e 
contraddizioni della società contemporanea. 
 
IL SIMBOLISMO 
Il Simbolismo può essere considerato l’ultimo colpo di coda del 
Romanticismo e fa da cerniera con il nuovo ciclo storico delle 
Avanguardie del Novecento. 
Nel 1886 il poeta Jean Moreas pubblica il manifesto del Simbolismo su 
«le Figaro». 
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La poetica del Simbolismo odia la volgare apparenza delle cose, vuole 
scoprirne l’aspetto arcano, la segreta ragione e non si accontenta del 
visibile ma, vuole giungere al nocciolo dei significati profondi. 
Il movimento si contrappose, negli ultimi due decenni dell’Ottocento, 
alle posizioni delle correnti naturalistiche e, ispirandosi alle opere di 
Edgar A. Poe, alle poesie e alla critica di Baudelaire, ai romanzi di 
Dostoevskij nonché alla musica e alle teorizzazioni di Wagner, attraendo 
a se rappresentanti di tutte le arti.  
Secondo i simbolisti la percezione interiore e soggettiva di forze e 
suggestioni misteriose, consentiva l’accesso ad una forma di verità più 
elevata di quella che si poteva raggiungere con la semplice osservazione 
delle apparenze esterne. 
Il significato interiore e profondo della realtà, del resto, non era 
rappresentabile in modo diretto e oggettivo ma doveva essere evocato 
attraverso simboli, leggende, miti e atmosfere. 
Il principale portavoce del movimento Simbolista fu Stéphane Mallarmé 
(1842 - 1898), la cui idea di dramma ispirò la produzione di opere 
antirealistiche di fine Ottocento. 
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Mallarmé intendeva il dramma come evocazione del mistero 
dell’esistenza attraverso un linguaggio poetico e allusivo, rappresentabile 
solo con i mezzi teatrali più essenziali e suggestivi. 
In Italia, come in altri paesi europei, la prima significativa rottura con il 
passato, nel campo della drammaturgia, fu costituita dall’emergere di 
una tendenza realistica assimilata nelle forme del dramma borghese. 
Estremamente efficaci sono i testi teatrali veristi di Giovanni Verga 
(1840 - 1922). Il suo dramma più famoso è Cavalleria rusticana (1884), 
a questo seguirono La Lupa (1896) e Dal tuo al mio (1903), che 
rappresenta il conflitto tra due classi sociali: l’aristocrazia in 
dissoluzione e una rozza borghesia in ascesa che ne prende il posto. 
Programmaticamente opposte ai drammi borghesi e ai toni realistici dei 
drammi veristi, furono le opere teatrali di Gabriele D’Annunzio (1863 - 
1938) affini per stile e argomenti alle opere del teatro simbolista francese 
e dell’estetismo inglese.  
Nel 1898, D’Annunzio progettò con la Duse la costruzione di un teatro 
all’aperto sui colli romani, ad Albano, per rappresentare opere classiche 
e tragedie moderne.  
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Il progetto non si realizzò, ma D’Annunzio aveva già cominciato a 
scrivere per il teatro, affidando alla Duse Sogno di un mattino di 
primavera (1898), dando così avvio a una lunga stagione teatrale che lo 
portò anche in Francia. 
Nel primo quindicennio del secolo emerse in diverse compagnie teatrali 
la figura del “direttore artistico”, che sovente era un attore, come Virgilio 
Talli (1858 - 1928), o un critico, come Ettore Paladini (1849 - 1928), ma 
poteva essere anche un autore, come Praga o un critico come Domenico 
Lanza (1868 - 1949) ed Edoardo Boutet (1856 - 1915). 
Nel 1905, Boutet fondò la compagnia stabile romana che operò per 
alcune stagioni al Teatro Argentina. 
La tradizione dei grandi attori italiani continuò, facendo emergere grandi 
interpreti. Ma la figura artistica che eclissò tutte le altre fu quella di 
Eleonora Duse (1859 - 1924), considerata da molti la più grande attrice 
del suo tempo. 
Nel 1897 conobbe D’Annunzio con cui iniziò una lunga relazione. 
D’Annunzio scrisse per lei le sue prime opere teatrali, e fu merito della 
Duse che il teatro dannunziano cominciò ad affermarsi in Europa. 
 
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L’ESPRESSIONISMO TEDESCO 
L’Espressionismo è un termine non coniato dagli artisti del gruppo (così 
come per il Futurismo), ma dalla critica militante tedesca per designare 
collettivamente i movimenti innovatori del primo Novecento. 
In seguito il termine è passato ad indicare, in via più generale, 
un’interpretazione fortemente soggettiva e drammatica della realtà, 
espressa in modi accentuati, deformati.  
L’Espressionismo proietta su dati esterni un’esasperata soggettività, 
trasformandoli secondo le esigenze espresse dallo stato d’animo, del 
giudizio o del messaggio che l’artista vuole esprimere. 
La parola “Espressionismo” fu usata per la prima volta con tale 
pregnanza di senso, in una monografia di Paul Fechter del 1914 dedicata 
a un gruppo di pittori di Dresda - Il Ponte (Die Brüche) - e al Cavaliere 
Azzurro di Monaco (Der Blaue Reiter). 
Questi movimenti tedeschi, di specifica opposizione all’Impressionismo 
si mossero parallelamente al Cubismo e al Futurismo sia in arte che in 
letteratura.  
Proprio a causa di tutti i loro tentativi, condotti in opposizione alle 
poetiche realiste e naturaliste, questi movimenti furono presto 
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denominati con tale appellativo; è difficile tracciare in modo preciso i 
confini del movimento. 
In campo teatrale, il primo autentico dramma espressionista,  Der Bettler 
(Il Mendicante) di Reinhard Johannes Sorge (1892 - 1916), fu pubblicato 
nel 1912.  
Questi rappresentava la lotta fra le norme convenzionali e i nuovi valori, 
tra le vecchie e le nuove generazioni, nel tentativo di un poeta visionario 
di raggiungere la propria realizzazione in una società insensibile e 
materialistica. 
Con lo scoppio della Prima guerra mondiale, l’espressionismo subì una 
prima trasformazione, spostando  - almeno in parte - i propri interessi 
dalla ricerca interiore all’impegno volto a impedire una catastrofe 
universale e a promuovere la riforma dell’uomo e della società. 
I due maggiori autori espressionisti furono Georg Kaiser (1878 - 1945) e 
Ernst Toller (1893 - 1939). 
 
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IL BAUHAUS 
Negli anni venti si delineò in Germania, esercitando un’importante 
influenza anche sullo sviluppo delle tecniche teatrali, il movimento del 
Bauhaus che ebbe il suo centro nella scuola diretta da Walter Gropius 
(1883 - 1969), prima a Weimar e poi a Dessau. 
Gropius voleva abbattere le tradizionali barriere esistenti tra l’artista e 
l’artigiano e riunire architettura, pittura, scultura e le altre arti in 
un’espressione comune. 
L’intenzione ultima del Bauhaus era la realizzazione di un ambiente 
quotidiano come opera d’arte totale, in cui tutto, dal paesaggio alla casa, 
dal mobilio agli utensili della cucina, fosse concepito come parte di un 
disegno globale di vita. Il Bauhaus aspira a rendere artistico ciò che era 
funzionale, e funzionale il prodotto artistico. 
Nell’architettura teatrale, l’opera più importante del Bauhaus fu ideata da 
Gropius che, nel 1927, progettò un «teatro totale» per Piscator. 
Il progetto, benché non sia mai stato realizzato, ha continuato ad 
esercitare una notevole influenza sull’architettura teatrale. Gropius, 
partendo da uno studio accurato della struttura architettonica del teatro 
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classico, dichiarò che la sua intenzione era quella di porre gli spettatori 
nel pieno dell’azione e «costringerli a prendervi parte».  
Con l’arrivo del nazismo, la scuola di Gropius fu costretta a chiudere e i 
suoi membri si dispersero in tutto il mondo, ma la loro influenza 
continuò ad esercitarsi a lungo nel campo dell’architettura e dell’arte 
applicata.  
Il teatro europeo, in particolare quello tedesco e quello russo, fu 
influenzato dal ritorno di un rigido realismo detto della “nuova 
oggettività” a scopi propagandistici come reazione all’Espressionismo. 
Il declino di tale movimento verso la metà degli anni venti coincise con 
l’affermazione del teatro epico, il cui primo esponente fu Erwin Piscator 
(1893 - 1966).  
Questi tentò la creazione di un teatro autenticamente proletario in 
opposizione al consueto teatro di propaganda, adeguando ai fini politici 
tutti gli elementi della messa in scena.  
Piscator si valse di costruzioni sceniche particolarmente complesse e 
articolate, sequenze filmate (documentari e cartoni animati), nastri 
scorrevoli (su cui si svolgeva l’azione) e ogni sorta di altri meccanismi 
scenografici