Analisi sonora del film The Company di Robert Altman

 6
Nonostante ciò, ritroviamo somiglianze fra i due autori, ad esempio la 
definizione di livello esterno acritico ed interno
3
 data da Miceli, 
corrispondono rispettivamente alla Musique de fosse - empatique
4
 e 
alla Musique d’écran
5
 per Chion. Si ritiene allora che i due approcci 
differiscano per la posizione nei confronti del valore dato alla musica 
per film o ai suoni-rumori, nel senso che Miceli pone maggior 
attenzione alla prima, inoltre aggiunge un terzo livello, il livello 
mediato, e dà valore al Leitmotiv, mentre Chion conferisce valore a 
tutto ciò che è suono. 
E’ proprio il livello meta-diegetico, che Cristina Cano  inserisce 
nella funzione discorsiva
6
,  un punto di contatto tra Sergio Miceli e la 
studiosa. 
A differenza di Miceli e Chion la musicologa propone un’analisi del 
sonoro nel cinema in riferimento ad un modello pragmatico
7
. 
Nel film The Company sarà la macro-funzione comunicativa a 
risaltare rispetto alle altre (motorio-affettiva e di socializzazione), e di 
conseguenza  l’aspetto simbolico e semantico.  
Il seguente lavoro si articola in quattro capitoli. 
Il primo introduce il film The company, non solo attraverso una 
sinossi,  ma anche con l’esposizione delle caratteristiche e della storia 
dei balletti (viene presentato il Joffrey Ballet ed alcune figure 
                                            
3
 Cfr. cap 4 
4
 “Partecipa direttamente alle emozioni dei personaggi, vibra in simpatia con essi” 
M. CHION, Le son au Cinéma, cit. pp.122-123, citati in Miceli Sergio, Musica e cinema nella 
cultura del novecento, Sansoni, Milano, 2000, pag. 379 
5
 La sorgente è “al presente e nel luogo dell’azione”. 
Ibidem, Op cit. pag. 379 
6
 Cfr. cap. 3 
7
 Si fa riferimento alla pragmatica, che, insieme alla semantica e alla sintattica, è una delle tre 
aree appartenenti alla semiotica, quindi allo studio degli effetti pragmatici, come processi di 
scambio e comunicazione, basandosi sul fatto che la comunicazione influenza il 
comportamento umano (questo concetto contraddistingue appunto la definizione di 
“pragmatico”) 
 7
importanti, quali Nikolais e Van Dyke Parks), inoltre approfondisce il 
rapporto di Altman con la musica in relazione ad altri film del regista.  
Il secondo tratta l’analisi dal punto di vista di Michel Chion, del 
quale si prenderanno in esame solo alcuni elementi teorici. Verranno 
osservate in particolare due scene, tenendo conto della sua 
metodologia, relativamente a questa vi sarà una catalogazione degli 
elementi sonori dominanti (voce, musica, rumore), saranno 
determinati i sincroni ed avverrà una comparazione di suono e 
immagine. Si procederà quindi con l’analisi narrativa, che risulta 
importante sul piano narrativo in relazione a ciò che vedo e sento.  
Nel terzo capitolo sarà il modello pragmatico di Cristina Cano a 
permettere l’approfondimento della componente sonora, in particolare 
dal punto di vista dell’influenza che la musica ha sul comportamento, 
sulle emozioni. In questo caso la scena prescelta dà spunto a 
riflessioni sulle tematiche dualistiche altmaniane. 
Il quarto capitolo invece conduce l’analisi sonora attraverso lo 
schema dei tre livelli miceliani, quindi, partendo dal concetto di 
diegesi, la musica viene esaminata più in generale sia nel film che nel 
particolare nella scena presa come esempio. 
 
 8
Capitolo 1 - The Company 
 
1.1. Introduzione 
 
Si ritiene che The Company non si possa definire del tutto un 
film “a più voci”
8
, come ad esempio America Oggi (1993), indicato 
dalla critica come opera corale. Nonostante si narrino più vicende 
personali, tutto sembra focalizzarsi sulla figura di Ry. Né tanto meno 
un documentario sulla danza. L’intreccio è distribuito in modo 
frammentario e si pone come un intermezzo tra i balletti. Per questa 
ragione il film risulta non sufficientemente narrativo e, nello stesso 
tempo, non abbastanza sperimentale per essere definito un film 
“puramente visivo” (basato totalmente sulle immagini).  
The Company di Altman appare come un'opera sfuggente e 
proprio per questo si ricollega alla precedente produzione 
altmaniana.
9
 La  storia, volutamente lenta, anche se si presenta con 
alcuni momenti alti di «cinema di poesia»
10
 stenta a decollare. La 
trama appare quasi assente e i protagonisti cessano d’essere tali, 
infatti, durante la visione, lo spettatore prende atto che la 
                                            
8
 Per film a più voci si intende un film che non ha un solo protagonista, ma più personaggi, 
corale. 
9
 La prima rottura  infatti attuata da Altman  nei confronti del tessuto Hollywodiano è quella fatta 
sui generi. Durante la sua carriera Altman affronta ogni forma di cinema e tecnicamente è in 
grado di rendere al meglio ognuna di esse, ma allo stesso tempo stravolge ogni struttura: dal 
poliziesco al triller, dalla commedia al western. Realizza film di fantascienza spaziale (Conto alla 
rovescia), di fantascienza socio-orrifica (Anche gli uccelli uccidono), di triller psicologici (Quel 
freddo giorno nel parco e Images), di guerra (M.A.S.H.), western (I compari), un noir (Il lungo 
addio), un gangster film (Gang), una commedia (California poker), un musical (Nashville), un 
jazz-film (Kansas city), ecc. Ma,  secondo Emanuela Martini, “nessuno di questi corrisponde, se 
non minimamente al genere cui in superficie si richiama”  
EMANUELA MARTINI, Il lungo addio, l’America di Robert Altman, Lindau, Torino 2000, pag 45 
10
 Termine coniato da Pierpaolo Pasolini in PIERPAOLO PASOLINI, Empirismo eretico, Garzanti 
1972.  Pasolini ha cercato un’osmosi fra cinema e poesia, tentando una ri-fondazione di un 
nuovo linguaggio con sperimentazioni linguistiche.  
 9
protagonista in assoluto è la Danza; le immagini ed i suoni sono il 
punto focale del film.  
Da qui si capisce l’importanza dell’analisi sonora del film.  
Le due componenti, Musica e Immagine cinematografica, sono 
coadiuvate da una terza forma artistica: la Danza, unione di cinesi e 
musica. Viene così a crearsi una sorta di triangolo: nel quale in alcuni 
momenti il sonoro genera il gesto, in altri il gesto genera l’immagine, 
in altri ancora è l’immagine a generare il sonoro. Un esempio di 
questo ultimo caso lo troviamo nel balletto The Blue Snake, nel quale 
la coreografia viene realizzata, in modo anomalo, prima delle 
musiche.  
Inoltre c’è da considerare anche un altro elemento: il modo in 
cui Altman propone la danza come arte figurativa in relazione al 
cinema. Il fatto che la macchina da presa inquadri anche le quinte, 
ma non in modo “ordinato e  tradizionale”
11
, bensì violento, crudo, 
caotico, ha dato tridimensionalità alla danza, sia in senso spaziale che 
psicologico, rivelandone ogni aspetto, come manifesta lo stesso 
Altman: «… ruotando intorno ai ballerini, posizionando la macchina da 
presa sopra e sotto di loro. Il risultato è mostrare ciò che il pubblico 
normalmente non vede»
12
. 
Nonostante la presenza dominante della danza, il film non può 
essere considerato un Musical
13
, né un film opera
14
. 
Non ci sono inoltre affinità con altri film di danza. Come riporta la 
giornalista Lietta Tornabuoni: 
                                            
11
 Per tradizionale si intendono tutte quelle convenzioni tecniche tipiche del documentario, del 
musical e del film tematico sulla danza. 
12
 http://www.35mm.it/articoli/articolo.jsp?idArticolo=28158 
13
 Combinazione specifica di musica, di canti e di coreografia, articolate da una forma di 
racconto, icona di questo genere sono i film di Fred Astaire e Ginger Rogers 
14
 Riduzione cinematografica di opere liriche o sinfoniche, come ad esempio, Il flauto magico 
(1975) di Ingmar Bergman 
 10
'The Company' di Robert Altman non somiglia ad altri film di 
danza e di grande successo: non al classico melodramma 'Scarpette 
rosse' (1948) di Michael Powell ed Emeric Pressburger, nè allo 
psicodramma 'A Chorus Line' (1985) di Richard Attenborough tratto dal 
musical di Dante-Kirkwood, nè a 'Saranno famosi' (1980) di Alan Parker 
che dette origine alla fortunata serie televisiva su sogni, lotte, fallimenti 
di aspiranti ballerini e neppure ad 'Amici', il programma televisivo di 
Canale 5 che mette alla prova ragazze e ragazzi che vogliono cantare o 
danzare. (...)
15
 
Proprio per questo possiamo dire che Robert Altman ha rappresentato 
un nuovo modo di fare cinema sulla danza.  
Per comprendere il film di Altman è utile riflettere sul modo di 
fare cinema e su ciò che De Bernardinis definisce allegoria Altaniana e 
che l’autore inserisce nell’ottica della riscrittura
16
. Ma,  si ritiene,  che 
nella stessa ottica possa essere inquadrato anche il concetto di 
improvvisazione
17
 e quello di documentario
18
 cari all’autore. Il 
soggiorno degli attori sul set, voluto dal regista, risponde infatti da un 
lato alla volontà documentaristica, dall’altro a quella di riscrittura 
mediante l’improvvisazione: ad Altman spetta solo il compito di 
riprendere e di riflettere sul procedimento
19
.  
                                            
15
 LIETTA TORNABUONI, La Stampa, 27 marzo 2004 
16
 Flavio De Bernardinis introduce Altman e lo definisce come il cineasta che più di ogni altro si 
avvale di questa logica e che sfrutta a pieno il mezzo cinematografico. “L’allegoria è un’opera di 
riscrittura: il cinema, […], è arte allegorica poiché riscrive il mondo servendosi di immagini 
concrete in successione”  
FLAVIO DE BERNADINIS, Robert Altman, Editrice Il Castoro, Roma 1995, pag. 10 
17
 Altman stravolge le sceneggiature e ne risulta che la scrittura dei testi altmaniani “sembra 
continuare ininterrotta anche durante le riprese”. Agli stessi attori viene richiesta 
l’improvvisazione di dialoghi, come ad esempio alla protagonista di Images,  ma soprattutto in 
The Company ai  ballerini è richiesto di non recitare ma di vivere ciò che essi sono nella realtà.  
EMANUELA MARTINI, Il lungo addio, l’America di Robert Altman, Lindau, Torino 2000, pag 46 
18
 Il documentario si avvale di un lungo soggiorno sul set, che ritroviamo anche in The 
Company, Barbara Turner insieme a Neve Campbell hanno vissuto insieme alla compagnia per 
due anni. 
19
 Come lui stesso afferma: “Il mio compito non è quello di creare un’opera d’arte, ma solo di 
rifletterne il procedimento”  
FLAVIO DE BERNADINIS, Robert Altman, Editrice Il Castoro, Roma 1995, pag. 12 
 11
L’allegoria Altmaniana si nota soprattutto nella simbologia 
utilizzata
20
. Nel film in questione, ad esempio, la vita della 
protagonista Ry riflette l’esistenza di ogni qualsiasi ballerina, è 
simbolo di una vita fatta di sacrificio, di rinunce, di dolori dopo un 
balletto, di doppio lavoro per mantenersi, di condivisione di 
appartamenti sovraffollati, di sconfitte, ma anche di quotidianità. 
Inoltre, nonostante i personaggi vengano visti da vicino, nella loro 
interiorità, sono di fatto anonimi e hanno il compito di rappresentare 
la realtà, di appunto “ri-scriverla”. 
La frammentarietà, l’imperfezione dell’intreccio, l’incertezza 
della struttura narrativa fanno parte della dimensione allegorica, così 
come l’uso di alcune tecniche di montaggio: l’overlapping
21
, il 
montaggio alternato
22
 e l’uso dello zoom
23
. 
                                            
20
 Riconosciamo la dimensione simbolica nei film di Altman, ad esempio Streemers rappresenta 
“il senso stesso della violenza e delle sue emanazioni”, Buffalo Bill è simbolo dell’America, 
“sedentaria, pigra, in continuio falso movimento, come il più rappresentativo dei suoi 
frontiersmen”.  
DAVIDE D’ALTO, Robert Altman. Dal teatro al cinema, Ed. Falsopiano, Alessandria 2001, 
pagg.118, 149, 110 
21
 Gianni Rodolino definisce Overlapping la sovrapposizione indifferenziata di voci, suoni e 
rumori. Egli distingue un overlapping dialogue ed un overlapping editing. In particolare, in The 
Company, l’overlapping può avvertirsi nei dialoghi, overlapping dialogue, ad esempio nel 
chiacchiericcio che si sovrappone alla voce centrale durante le prove, ma anche nella scena del 
temporale, alla quale si farà riferimento in seguito, dove il dialogo del pubblico e di mister A. si 
sovrappongono alla colonna sonora. Oppure si può avvertire l’overlapping editing, definito da 
Rodolino e Tomasi, come “un particolare effetto di montaggio dove la parte finale dell'azione 
rappresentata in un piano viene nuovamente mostrata in quello successivo.” quando la scena 
finale del balletto  Light rain si ritrova nel video  del balletto My funny Valentine, durante le prove 
con Lar Lubovitch.  
GIANNI RODOLINO, DARIO TOMASI, Manuale del Film, Utet, Torino 1995, pagg.155, 203 
22
 “Il montaggio alternato : alterna inquadrature di due o più eventi che si svolgono in luoghi 
diversi ma, di solito, simultaneamente e che sono destinati a convergere in uno stesso spazio”. 
Il montaggio alternato è una tecnica utilizzata da Altman per evidenziare il personaggio. In The 
Company, dopo lo spettacolo del passo a due My funny Valentine, Ry è a casa sua e viene 
inquadrata in alternanza ad un ballerino che si sta esercitando da solo, dopo che tutti sono 
andati via dalla scena. Si alternano le inquadrature dei due. 
GIANNI RODOLINO, DARIO TOMASI, Manuale del Film, Utet, Torino 1195, pag.155 
23
 “Lo zoom ristabilisce un rapporto tra piano e sfondo, sospingendo in avanti il primo piano di 
cui si dà l’impressione che è decisamente lì. Io voglio creare la sensazione che vi sia qualche 
cosa che accade fuori dall’inquadratura, ossia che la vita continua all’intorno” 
FLAVIO DE BERNADINIS, Robert Altman, Editrice Il Castoro, Roma 1995, pag. 35 
 12
1.2. Sinossi del film 
 
The Company di Robert Altman, USA 2003, esce in Italia il 26 
Marzo 2004 (durata: 112 minuti). Documenta le vicende di una 
compagnia, la Joffrey  Ballet di Chicago, seguendone gli spettacoli, le 
prove e il vivere quotidiano, nel corso di una stagione. 
 Il film si apre con una voce fuori campo, che attira l’attenzione 
dello spettatore, e lo introduce al primo balletto, Tensile Involvement. 
Immediatamente dopo viene presentata la personalità principale della 
storia, Ry, la quale ha appena scoperto che il fidanzato Frankie l’ha 
tradita con un’altra ballerina della compagnia, Noel.  
Ry, interpretata da Neve Campbell, riesce a diventare prima ballerina 
nel balletto My funny Valentine, grazie all’infortunio di Maia, secondo 
un cliquè consolidato, ma nonostante la gioia del debutto ed il 
successo, è ancora scoraggiata dal peso delle difficoltà da affrontare, 
dal lavoro notturno che deve svolgere per mantenersi, dalla 
situazione familiare che non le dà la stabilità necessaria ad 
fronteggiare gli ostacoli. Tutto ciò sino all’arrivo di Josh (James 
Franco), figura che non rientra nel suo habitat quotidiano, non è un 
ballerino, bensì un cuoco. Le fanno da contorno i familiari, in 
particolare la madre, chiacchierona ed eccentrica, che, con un fare 
tipico dell’ambiente melodrammatico, incoraggia la figlia a proseguire 
la sua carriera.  
Intorno a Ry ruotano altri personaggi di rilievo come ad 
esempio lo stravagante Mister A. (Malcom McDowell), direttore della 
compagnia, che impartisce forti pressioni, fisiche e psicologiche, sui 
ballerini. Figura carismatica e guida insostituibile, ama e si cura dei 
suoi allievi, li rimprovera, insegna loro con singolare capacità 
comunicativa a lavorare sodo, ad esprimersi attraverso il ballo. 
 13
Diventa anche personaggio comico, quando in contrasto con i suoi 
allievi, “fugge” velocemente fuori scena fingendo improvvisi impegni… 
Ma nei momenti di maggior intensità è anche uomo di grande 
umanità, sempre preoccupato per i suoi ballerini: durante le prove 
quando teme che inciampino, o durante il temporale quando si 
preoccupa che non scivolino, o quando ricorda, indirettamente, gli 
artisti scomparsi a causa dell’AIDS, o quando ancora ricerca i fondi 
per la sopravvivenza della compagnia. Dovrebbe rappresentare il 
direttore artistico Alberto Antonelli, personaggio ispirato a Gerald 
Arpino, fondatore nel 1956 insieme a Robert Joffrey della compagnia. 
Le figure che ruotano intorno a Ry naturalmente sono i ballerini 
del Joffrey Ballet, come ad esempio Alec, di  carattere forte e 
determinato, al quale si contrappone invece il fragile Justin che sarà 
escluso dal balletto finale The Blue Snake; il giovane principiante 
John, che come Ry,  non ha vita facile: senza casa e quindi costretto 
a trovare quotidianamente un luogo ove passare la notte. Poi c’è 
Deborah, la ballerina più anziana della compagnia (43 anni) che è un 
punto di riferimento, sia per i più giovani allievi, che tendono ad 
emularla, sia per il direttivo che ne prende in considerazione pareri e 
critiche, ma che si dimostra spesso contraria alle innovazioni 
apportate ai ballerini nel momento in cui vengono riproposti e ripresi. 
Chiude il film e la stagione, il balletto The blue snake, che,  
attraverso applausi, acclamazioni dei ballerini e l’infortunio di Ry, che 
viene sostituita a sua volta da un’altra ballerina, ci riconduce in 
maniera ciclica all’inizio del film. 
Sostanzialmente le maglie dell’intreccio sono stereotipi: 
infortunio, lavoro notturno, ballerini squattrinati che dormono per 
terra, come se il regista avesse voluto tessere innanzitutto 
un’antitrama.