Investire in Arte Contemporanea

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PREFAZIONE
Non sempre l’arte e il gusto per il bello si rivelano a noi in maniera chiara e 
comprensibile. A volte l’arte fa dei giri immensi, altre volte si insinua nelle nostre vite 
senza che ce ne accorgiamo, quasi non la notiamo, ma poi un bel giorno ci rendiamo 
conto di non poterne fare a meno. Questo perché qualcosa nei nostri occhi e nel nostro 
cuore si è insinuato in punta di piedi; il gusto per il bello e il fascino di un luogo si 
sovrappongono alle nostre azioni quotidiane. Così, attraversando una città d’arte tutti i 
giorni magari capita di innamorarsene. 
Avete presente quelle situazioni in cui per anni passiamo per un certo luogo, ma non lo 
si osserva mai realmente? Lo percorriamo spesso in lungo e in largo ma sempre 
distrattamente, di sfuggita. Questo è quanto capita alla maggior parte delle persone che 
vivono o si trovano a frequentare quotidianamente un luogo artisticamente interessante 
come Venezia: essendo il loro passaggio unicamente legato al lavoro o agli studi, non lo 
notano. 
Eppure nel cuore di qualcuno che distrattamente attraversa i vari ponti e percorre 
frettolosamente le calli di Venezia qualcosa accade. Qualcosa di invisibile e di 
impalpabile si muove e cresce. Non tutti sanno cogliere la magia e la poesia che questa 
città può regalare. Bisogna fare silenzio, staccarsi dalle proprie convinzioni, dal proprio 
punto di vista e ascoltare quello che in realtà non conosciamo affatto. Ed è così che 
nascono le passioni che mai avremmo pensato potessero appartenerci. In questo modo 
anche chi per anni non ha mai badato all’arte saprà apprezzare la produzione artistica, 
riconoscendone il valore e sentendo in essa un bisogno dello spirito. Un richiamo forte e 
chiaro che mai avrebbe pensato di sentire. 
Spesso chi non incontra l’arte nel proprio percorso di studi non riesce a capirne 
l’effettivo valore e non si capacita di come certe opere possano valere tanto, di come 
certi quadri siano così famosi o di come alcuni artisti siano tanto ricercati. È 
comprensibile che davanti ai quadri completamente bianchi di Robert Ryman molti si 
domandano “E questa sarebbe arte?”, “Ma potevo farlo anch’io!”. Eppure Venezia nel 
corso di questi ultimi cinque anni ha cambiato il corso del mio pensiero e ha innescato 
in me una tale curiosità verso l’arte contemporanea da portarmi ad amare e apprezzare 
ogni forma di espressione umana.
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A un certo punto ho deciso di lasciarmi trasportare da questo mondo che non conoscevo 
affatto, mi sono spinto a cercare curioso tra gli scaffali delle biblioteche, a entrare nella 
sezione artistica delle librerie, a visitare mostre e musei d’arte contemporanea, a leggere 
saggi che parlavano d’arte e artisti. E poi sono arrivati i libri giusti, che sembravano 
scritti appositamente per conquistare chi come me non credeva nell’arte perché non la 
capiva, non la sentiva. Queste preziose letture hanno fatto spiccare il volo alla mia 
curiosità e han riposto in me un’incredibile fame di conoscenza verso questo mondo, un 
po’ insolito per chi segue un percorso universitario in economia e finanza! 
Ecco perché con questo lavoro ho scelto di intraprendere questa sfida personale: per 
unire il mondo dell’economia, che per cinque anni ho conosciuto e studiato, con la mia 
passione verso l’arte contemporanea, che è entrata nella mia testa e nei miei interessi. 
Dopotutto, quale città se non Venezia potrebbe meglio rappresentare e racchiudere 
insieme i saperi e la tradizione del commercio, dell’economia e dell’arte?
 
Punta della Dogana. Con la sua forma perfettamente triangolare divide il Canal Grande dal Canale della 
Giudecca. L'ex porto monumentale della città è ora sede permanente della collezione di opere d’arte 
contemporanea di François Pinault.
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INTRODUZIONE
Da quando mi sono avvicinato al mondo dell’arte contemporanea mi sono sempre posto 
una domanda: secondo quali complesse psicologie un’opera d’arte contemporanea può 
arrivare a valere più di 70 milioni di euro piuttosto che 50 mila o 1.000 euro? 
Gli artisti contemporanei realizzano spesso lavori particolarmente creativi, innovativi e 
scioccanti come Damien Hirst con il suo squalo tigre imbalsamato (The physical 
impossibility of death in the mind of someone living, 1991) e Marc Quinn con il calco 
della propria testa (Self, 1991), fatto con 4,5 litri del suo sangue congelato. 
Oggi il valore di un’opera non è più collegato al solo contenuto artistico ma al nome 
dell’artista, del gallerista, della casa d’aste e all’ego del collezionista, e non ha nulla a 
che vedere con il tempo e le capacità impiegate per realizzarla. Il mercato odierno è 
guidato da aste di alto livello e fiere d’arte internazionali che manovrano le tendenze e i 
gusti dei ricchi collezionisti, sfruttando la percezione della rarità delle opere che 
contribuisce a gonfiare i prezzi. Infatti, la preoccupazione di non riuscire più ad 
acquistare delle opere di quel famoso artista unita alla combinazione tra la paura che i 
prezzi aumentino a dismisura e il desiderio di possesso immediato non fanno altro che 
alimentare il desiderio di acquisto. 
La recente crisi finanziaria che ha investito i mercati mondiali ha fatto scoppiare la bolla 
speculativa sul mercato dell’arte contemporanea. I primi a tirarsi indietro sono stati gli 
speculatori seguiti da gran parte dei collezionisti privati, che hanno costretto le gallerie a 
chiudere i battenti e svendere i loro magazzini. Tutti gli esperti erano concordi nel 
pensare che una correzione di rotta fosse necessaria e molti di loro avevano previsto che 
i prezzi si sarebbero normalizzati seguendo gli andamenti ciclici. Dai prezzi elevati 
degli anni Ottanta si è passati al periodo di recessione nei primi anni Novanta, per poi 
tornare in fase crescente all’inizio del nuovo millennio toccando cifre record alle aste 
fino alla fine del 2008, momento in cui i prezzi hanno iniziato a scendere a livelli 
“normali”. A differenza della crisi dei primi anni Novanta il numero di collezionisti 
benestanti che vogliono investire in arte è maggiore, garantendo la prospettica risalita 
dei prezzi ed evitando il temuto tracollo del mercato dell’arte contemporanea.
La globalizzazione l’ha portato a diventare un mercato mondiale riducendo 
ulteriormente il rischio di crollo generale: se il dollaro cala lo yen o l’euro saliranno, se
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l’economia di certi Paesi rallenta quelle di altri probabilmente avanzeranno e, 
soprattutto, se l’arte contemporanea continua ad essere considerata come un asset 
d’investimento alternativo otterrà benefici quando altri tipi di investimento vacilleranno.  
Nella prima parte di questa tesi proverò a dare una breve ma essenziale descrizione del 
mercato dell’arte contemporanea illustrandone la struttura, il funzionamento e i fattori 
chiave nella determinazione dei prezzi delle opere d’arte. I suoi protagonisti cercano di 
contenere l’offerta per creare dei mercati oligopolistici e orientare la domanda (sempre 
più ampia) verso autori di secondo piano al fine di vendere le scorte di opere 
accumulate e nel frattempo valorizzate a quotazioni molto elevate. 
Nel secondo capitolo sarà analizzata la domanda di arte contemporanea che consiste 
principalmente nel collezionismo (si sviluppa in diversi livelli, dall’arredatore di casa 
allo speculatore), nelle Fondazioni per l’arte contemporanea e nelle Corporate Art 
collections; queste istituzioni private insieme ad altre istituzioni pubbliche possono 
anche commissionare opere direttamente all’artista ponendosi a metà tra la domanda e 
l’offerta.  
Nel terzo capitolo vedremo che le opere d’arte sono offerte direttamente dall’artista 
stesso o dai galleristi, i musei e le case d’aste, che svolgono il ruolo di intermediari. 
L’artista di oggi è manager di se stesso e ai nuovi collezionisti non importa se un’opera 
è creata dalla mano dell’artista, a patto che vi metta l’idea concettuale e che l’opera sia 
associata al suo stesso nome (ch diventa un brand facilmente riconoscibile). Il ruolo 
delle gallerie è decisivo per la carriera dei giovani artisti che ottengono il successo in 
tempi sempre più ristretti. Con l’aiuto di esempi reali e alcuni fatti curiosi capiremo 
quanto potere hanno i famosi artisti, i potenti galleristi, i direttori dei musei più 
importanti, i critici più temuti, le grandi case d’aste, le fiere e le biennali internazionali 
che impongono il loro volere sul mondo dell’arte e ne decidono le regole di mercato. 
Nella seconda parte verificherò se l’arte contemporanea è davvero considerata un asset 
di investimento alternativo alle altre forme tradizionali (azioni, obbligazioni, oro, 
immobili) e se veramente si comporta come un bene rifugio. 
In questi ultimi decenni l’arte si è globalizzata diventando immateriale, concettuale e 
politica. L’arte contemporanea è vista dalle imprese come una risorsa creativa capace di
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mettere in circolazione nuove idee e forme di pensiero. A differenza di altri tipi di 
investimenti quello in arte è maggiormente apprezzato e ricordato perché coinvolge 
aspetti emotivi e di gusto personali, attraverso progetti ideati e sviluppati in 
collaborazione diretta con gli artisti. L’impresa può trasmettere meglio i propri valori di 
innovazione e dimostrare la sua mentalità aperta e il coraggio di uscire dagli schemi. Si 
stanno diffondendo molti progetti “Art at Work” che trasformano le sedi delle imprese 
in vere e proprie gallerie d’arte contemporanea, con grandi benefici per l’immagine 
aziendale agli occhi dei clienti, dei dipendenti, dei partner e delle istituzioni. 
Approfondirò alcuni esempi di collezioni aziendali e fondazioni per l’arte 
contemporanea in ambito nazionale e internazionale nel capitolo 1. 
L’opera d’arte oltre alla funzione estetica assolve anche una funzione economica nel 
momento in cui diviene oggetto di scambi all’interno di un proprio mercato di 
riferimento, allo scopo di guadagnarci dalla differenza tra il prezzo di acquisto e quello 
di vendita. A differenza degli altri strumenti finanziari non produce flussi periodici nella 
forma di interessi o dividendi e consente esclusivamente forme di speculazione al rialzo. 
Investire in questo settore è un’operazione molto delicata e non basta conoscere il 
mercato (le sue caratteristiche, le sue regole, i suoi tempi), bisogna anche saper 
riconoscere un’opera d’arte e stimarne il possibile valore economico. 
La crescita imponente della clientela del segmento private, i profondi mutamenti 
strutturali dei mercati finanziari e l’altalenante redditività dei tradizionali strumenti 
d’investimento hanno reso necessario il riposizionamento del business degli istituti 
bancari. Nel secondo capitolo approfondirò in che modo le banche hanno allargato i loro 
ambiti di attività all’interno del private banking strutturando servizi di Art Advisory per 
far fronte al grande interesse rivolto all’arte dai propri clienti, sempre più interessati ad 
investire in opere d’arte e valorizzare le proprie collezioni sotto la guida di un Art 
Advisor. A metà strada tra il critico d’arte e il consulente finanziario, questa figura 
professionale è relativamente recente nel nostro panorama bancario nazionale perché in 
America se ne parla già dalla fine degli anni Ottanta. Gli istituti di credito vedono 
nell’arte un’ottima strategia di marketing che può consolidare il rapporto col territorio e 
il tessuto sociale in cui operano, e un ottimo modo per fidelizzare la clientela. 
Il terzo capitolo è dedicato ai fondi d’investimento in arte (gli art funds), un prodotto 
finanziario che ancora stenta a decollare nel nostro paese ma che potrebbe garantire
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grandi vantaggi ai sottoscrittori. Questi fondi rappresentano una valida alternativa per 
gli investitori di fascia medio-alta nelle scelte d’investimento delle proprie ricchezze. Il 
capitolo si conclude con una breve descrizione dei metodi di costruzione degli indici di 
prezzo delle opere d’arte, strumenti indispensabili al potenziale investitore per orientarsi 
nelle scelte di asset allocation. Sono stati fatti diversi studi sugli investimenti in arte 
nell’ambito della portfolio theory riuscendo a calcolarne i profili di rischio-rendimento e 
a valutare l’effetto della diversificazione. 
Nel quarto e ultimo capitolo, dopo una breve analisi della situazione passata e attuale 
del mercato dell’arte contemporanea, verificherò se le mie affermazioni iniziali sono 
confermate dai dati a disposizione. Vedremo, cioè, se l’arte può effettivamente essere 
considerata un bene rifugio in grado di mantenere il proprio valore nel tempo in questo 
periodo di bassa crescita economica e se risulta una buona alternativa alle tradizionali 
forme di investimento. 
 
Damien Hirst, The physical impossibility of death in the mind of someone living, 1991. Vetro, acciaio, 
squalo tigre, soluzione al 5% di formaldeide. (213,4 x 640,1 x 213,4 cm).
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PARTE I 
ECONOMIA e ARTE 
« L'arte è bella per gli occhi e buona per il cuore» 
 
Concetto condiviso da autori classici e greci.
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Ba nk s y, graffiti sul muro tra Israele e Palestina, 2006.
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CAPITOLO 1 
Il mercato dell’arte contemporanea
1.1 – L’arte e l’economia. 
Il connubio arte-economia non è per niente una novità perché, già da qualche tempo, 
l’arte è entrata nel mondo dell’economia che a sua volta si è insinuata in quello 
dell’arte. 
L’arte è un’attività con molti riflessi economici e può essere analizzata secondo le 
caratteristiche tipiche dell’economia: prezzo, domanda, offerta, quantità, qualità, … 
Sono molti gli artisti che si sono avvicinati all’economia a partire da Paul Gauguin e 
Vincent van Gogh, che hanno concentrato molta attenzione alla gestione finanziaria e 
all’aspetto monetario delle loro produzioni, fino a Andy Warhol, Jeff Koons e Damien 
Hirst. Anche i collezionisti seguono ragionamenti economici per arricchire e valorizzare 
le proprie collezioni di opere d’arte. 
L’interesse degli economisti per l’arte è invece più recente e quelli che si sono 
avvicinati a questo mondo sono stati spinti principalmente dalla propria passione
1
. È 
nata così l’Economia dell’arte
2
 che ha raggiunto in questi anni un buon grado di 
autonomia grazie allo sviluppo di molte pubblicazioni, raccolte, riviste specializzate e 
alla nascita di varie associazioni di settore. Analizza gli aspetti economici delle forme 
artistiche dalle arti riproducibili (cinema, televisione, libri, cd musicali), arti dal vivo 
(concerti e rappresentazioni teatrali), fine art (mobili, gioielli e altri oggetti da 
collezione) alle arti visive, le quali saranno oggetto di interesse in questo lavoro e che 
comprendono le diverse manifestazioni artistiche della pittura e della scultura. 
Non potendo distinguere il bello dal brutto in maniera oggettiva, l’arte è considerata un 
concetto dinamico che muta nel tempo e perciò l’analisi economica deve tener conto di 
come le regole sociali e le istituzioni condizionino il comportamento degli individui in 
campo artistico. Gli studi che più interessano agli economisti sono l’analisi del mercato 
e dei prezzi dei dipinti per riuscire a misurare i rischi e i rendimenti delle opere d’arte, 
in quanto considerate forme di investimento. 
                                                           
1
 Trovano molte difficoltà nell’analizzare i consumi di questo particolare tipo di beni, in quanto più 
sensibili a decisioni psicologiche o di carattere sociologico piuttosto che economiche e quindi razionali. 
2
 Vedi G. CANDELA e A. E. SCORCU, Economia delle arti, Zanichelli, Bologna, 2004.
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Il “triangolo dell’economia dell’arte” è una schematizzazione del mercato dell’arte 
molto utile per capirne, seppur in modo semplificato, il funzionamento e i principali 
attori che vi operano
3
. L’artista entra in contatto con l’intermediario, il quale lo propone 
al pubblico dei collezionisti che decidono se acquistare le sue opere; in seguito anche il 
pubblico può promuovere l’artista facendo vedere ad altri le opere, innescando così un 
processo di selezione che consente agli artisti di incrementare contatti e relazioni. Il 
mercato riceve impulsi dalla critica che ha il compito di far sì che l’opera sia recepita al 
meglio dai collezionisti, condizionando a sua volta la produzione degli artisti. 
Analizzando il funzionamento del mercato dell’arte sotto l’aspetto economico si 
presuppone un significativo collegamento tra il valore monetario e il merito artistico 
dell’opera. Infatti, maggiore è il suo merito artistico riconosciuto maggiori saranno i 
potenziali acquirenti che ne alzeranno il prezzo di mercato entrando in competizione tra 
loro. Il valore monetario delle opere d’arte è riassunto dal prezzo che, al contrario degli 
altri tipi di beni, non è legato al costo di produzione. La maggioranza degli acquirenti e 
dei venditori di opere d’arte agiscono disinformati riguardo alla qualità artistica del bene 
e vale il principio del “nobody knows” (disinformazione simmetrica) mentre in altri casi 
è solo l’acquirente ad avere uno svantaggio informatico rispetto all’offerente 
(informazione asimmetrica). Il pittore francese Pierre-Auguste Renoir, uno dei massimi 
esponenti dell’impressionismo, riguardo a ciò ha detto: «Nessuno conosce niente 
[riguardo al valore dei dipinti]. C’è un solo indicatore del valore dei dipinti, ed è la sala 
di vendita.» 
1.2 – L’arte contemporanea.
Nel mercato dell’arte si scambiano dipinti, grafiche e sculture che sono beni unici e 
sono classificati nelle principali categorie dell’arte antica, moderna e contemporanea 
(distinte a loro volta in specifiche correnti artistiche, come l’impressionismo, il 
futurismo, il minimalismo). La concentrazione degli scambi su una o più di queste 
categorie dipende proprio dal mercato che, a seconda dei periodi, esalta determinati stili 
o artisti e ne regola la frequenza. 
                                                           
3
 Cfr. R. BARILLI, L’artista, il critico e il mercante: un triangolo ineliminabile, in G. CANDELA e M. BENINI 
(a cura di), Produzione e circolazione dell’informazione nel mercato dell’arte, CLUEB, 1997, pp. 89-97.
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In questo lavoro saranno oggetto d’esame soltanto le opere d’arte contemporanea, che 
rappresentano già di per sé un argomento molto ampio e specifico. Dal punto di vista 
cronologico l’arte contemporanea si colloca dopo il periodo dell‘arte moderna, sorta 
verso la fine dell’Ottocento e conclusasi negli anni Sessanta quando Andy Warhol ha 
iniziato a realizzare le scatole di detersivo Brillo. 
 
Andy Warhol, Scatole di detersivo Brillo, 1964. Stable Gallery di New York. 
 
Non è semplice dare una definizione oggettiva di arte contemporanea e, generalmente 
come suggerisce il nome stesso, si fa riferimento a tutta l’arte prodotta nel presente. 
L’aggettivo contemporaneo è molto inclusivo anche per la mancanza di una scuola 
artistica dominante riconosciuta da artisti, critici, storici dell’arte. Il periodo di studio in 
oggetto parte dagli anni Sessanta del XX secolo fino ai giorni nostri, anche se la 
classificazione degli storici dell’arte non sempre coincide con quella del mercato. Ai 
giorni nostri c’è già chi usa il termine “Supercontemporaneo” criticando il fatto di 
comprendere in uno stesso termine (contemporaneo) espressioni artistiche troppo 
diverse tra loro in un arco di tempo che, per merito o demerito della globalizzazione, ha
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meramente estetici. Con la globalizzazione il mercato dell’arte contemporanea ha 
registrato notevoli cambiamenti, a partire dall’inversione del rapporto di forza fra i 
galleristi e le case d’aste in favore di queste ultime. Infatti, molti mercanti non riescono 
più a operare se non collaborando con le case d’aste in una situazione di relativa 
dipendenza. I galleristi leader invece preferiscono una strategia di espansione mondiale 
moltiplicando le proprie succursali all’estero e destinando molte risorse nelle fiere 
internazionali. 
Il mercato dell’arte contemporanea si é internazionalizzato diventando un mercato 
mondiale costituito dai mercati nazionali interconnessi tra loro e inseriti in un sistema 
globale di scambi culturali ed economici, facilitato anche dalla maggiore circolazione 
degli individui, delle opere e dell’informazione. Grazie a internet l’informazione sulla 
quotazione delle opere vendute all’asta è istantanea e universale, e lo stesso vale per gli 
indici di prezzo del mercato e le classifiche che si riferiscono agli artisti in funzione del 
volume d’affari realizzato alle aste che danno indicazioni sullo stato del mercato e sulle 
tendenze in atto. Sono molte le gallerie, case d’aste, artisti, musei e le riviste di settore 
che hanno preso al volo le opportunità proposte dai nuovi canali di comunicazione 
(internet su tutti) per espandere il mercato, offrendo nuovi servizi e avvicinando alle 
opere d’arte nuovi segmenti di clientela
6
.
Negli ultimi anni la domanda ha avuto una notevole crescita facendo entrare nuovi attori 
sul mercato e l’offerta ha subito un ampio rinnovamento. Gli operatori e gli acquirenti 
sono maggiormente disposti a spostarsi fisicamente in funzione della struttura del 
mercato, delle regole e dei costi delle transazioni incoraggiati anche dalla volatilità dei 
flussi finanziari investiti in questi beni artistici. Si è così creato un giusto equilibrio tra 
concentrazione e internazionalizzazione del mercato: anche se le vendite all’asta si 
concentrano nelle maggiori metropoli (New York, Londra e Parigi), al contempo in 
un’altra parte del mondo si svolge una nuova fiera d’arte contemporanea. 
Volendo individuare una possibile geografia del mercato dell’arte contemporanea 
(sempre in base ai dati di Artprice) è possibile classificare i paesi in base al giro d’affari 
raggiunto nelle aste internazionali. In testa troviamo gli Stati Uniti (quasi 
esclusivamente con New York) con un fatturato di 1,3 miliardi di dollari e una 
                                                           
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 Penso che gli operatori del mercato dell’arte non sostituiranno mai del tutto i loro canali di vendita 
tradizionali con quelli propri delle nuove tecnologie. Le case d’aste, per esempio, non abbandoneranno 
mai le sedute d’asta fisiche nelle quali si crea un’atmosfera che non è riproducibile nelle aste online.