Fotografia e letteratura: il caso ''The Americans'' di Robert Frank

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La nascita della fotografia
L’ evoluzione della tecnica fotografica e lo sviluppo del reportage 
come genere fotografico
La nascita e lo sviluppo della fotografia possono essere considerati un prodotto 
della cultura Positivista che, germogliata nella Francia post-rivoluzionaria di fine 
Settecento, si era imposta come cultura egemone di tutta Europa con un notevole 
influsso anche nella giovanissima America. Il grande entusiasmo derivato dalle 
nuove scoperte scientifiche e la sconfinata fiducia nel progresso e nelle possibilità 
dell’ ingegno umano applicato alle scienze, portarono ad una moltiplicazione 
esponenziale delle ricerche in diversi ambiti, alcuni dei quali mai considerati 
prima di allora. In questo nuovo clima presero vita anche i primi esperimenti 
chimici realizzati con materiali e sostanze fotosensibili; l’ idea alla base di tali 
ricerche scaturì dalla volontà di fissare in modo permanente, servendosi 
dell’azione della luce, le immagini ottenute attraverso una camera oscura, uno 
strumento molto più antico che veniva utilizzato da pittori e incisori per realizzare 
immagini precise e fedeli alla realtà. La fotografia nasce quindi dalla necessità di 
registrare nel modo più scientifico possibile il “circostante”
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.
I primissimi esperimenti di questo tipo furono realizzati da Thomas Wedgwood, 
figlio di un famoso ceramista inglese
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. Wedgwood fece tesoro dei precedenti studi 
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 A. Madesani, Storia della fotografia, Milano, Mondadori, 2008,
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 B. Newhall, Storia della fotografia,Torino, Einaudi, 1982, pag. 11
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in ambito chimico dello scienziato tedesco Johann Heinrich Schultze, che fin dal 
1727 aveva registrato la foto-reazione dell’argento che anneriva se esposto alla 
luce del sole. Wedgwood, basandosi sulle ricerche del chimico, iniziò quindi, a 
sensibilizzare fogli di carta o cuoio con i sali d’argento, appoggiandovi poi degli 
oggetti ed esponendo il tutto alla luce del sole. Il risultato che ottenne era proprio 
quello sperato: le parti coperte dagli oggetti rimanevano bianche, mentre il resto 
del foglio, a causa dell’argento, anneriva rapidamente. Ma le ricerche di 
Wedgwood non andarono oltre quando si rese conto che non aveva la possibilità 
di desensibilizzare le zone non esposte del foglio il quale finiva, di conseguenza, 
Il primo che riuscì a fissare stabilmente un’ immagine ripresa dal vero fu Joseph 
Nicéphore Nièpce, un litografo, che mosse proprio dalla sua esperienza con la 
camera oscura e le sue conoscenze chimiche per arrivare a quella che viene 
considerata la prima fotografia della storia, la “veduta dalla finestra di Grasse”, 
datata 1827.  I suoi studi durarono circa trent’ anni, dal 1797 al 1833, data della 
sua morte e inizialmente furono condotti insieme a suo fratello Claude.
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Nièpce non era soddisfatto 
dell’immagine negativa ottenuta 
attraverso l’ impiego dei sali d’ 
argento e si rivolse alla ricerca di 
un materiale che scolorisse per 
effetto della luce, in modo tale da 
realizzare direttamente il positivo, trovandolo nel bitume di Giudea, una sostanza 
utilizzata dagli incisori per proteggere le lastre durante il bagno nell’ acido. 
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 A. Madesani, op. cit.
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Fig. 1, Nièpce, Veduta dalla finestra di Grasse, 1827
Questo nuovo procedimento prese il nome di eliografia. Contemporaneamente, a 
Parigi, lo scenografo dell’ Opéra Louis-Jacques-Mandé Daguerre stava 
conducendo degli studi analoghi a quelli di Nièpce. Per lungo periodo Nièpce e 
Daguerre lavorarono insieme come soci con l’ obiettivo di migliorare il processo 
eliografico, tenendosi in contatto attraverso una fittissima corrispondenza. Alla 
morte del primo, Daguerre continuò da solo raggiungendo risultati 
importantissimi. Nel 1837 venne presentato il primo dagherrotipo, una natura 
morta con calchi di gesso precisa nei particolari e ricchissima di sfumature, 
realizzata su una lastra di rame sensibilizzata con ioduro d’ argento.
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 Il grande 
successo di Daguerre spinse l’inglese William Henry Fox Talbot a rendere 
pubblici i risultati dei suoi esperimenti, le cosiddette sciadografie. Talbot 
utilizzava il procedimento di Wedgwood per ottenere i negativi, che poi 
trasformava in positivi grazie all’impiego del tiofosfato di sodio; alla fine del 
1840 la tecnica di Talbot era perfezionata definitivamente e venne presentata con 
il nome di calotipia. Tale invenzione è alla base del procedimento di sviluppo 
moderno.
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Mentre Talbot rivendicava il diritto di priorità su Daguerre, in tutto il mondo si 
moltiplicavano gli aspiranti al diritto di priorità su entrambi. Ma Daguerre aveva 
registrato il suo brevetto e venne quindi riconosciuto come primo inventore della 
nuova tecnica; intanto le copie da dagherrotipi di vedute cittadine e altri soggetti, 
stampate con le normali tecniche grafiche, erano diventate popolarissime e ben 
presto iniziò il commercio di macchine fotografiche più piccole e meno 
dispendiose che allargavano il panorama della nascente fotografia dai ricercatori, 
4
 B. Newhall, op. cit.
5
 Ibidem
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al mercato elitario degli appassionati, ancora comunque ristretto a coloro che 
potevano permettersi il costo dei primi apparati fotografici. Il limite più grande 
della dagherrotipia e della calotipia era la lunghezza dei tempi di esposizione che 
impediva la realizzazione di ritratti, forse il genere più apprezzato dalla borghesia. 
Il problema fu risolto da John Frederick Goddard che mise a punto una nuova 
combinazione chimica accelerante il processo espositivo. Un ulteriore passo 
avanti si ebbe nel 1851 ad opera di Frederick Scott Archer, scultore inglese, che 
ebbe un’ intuizione fondamentale: ricercare un materiale che sostituisse la carta 
del calotipo perché troppo fibrosa e, quindi, poco nitida, ma anche le troppo 
dispendiose lastre di rame del dagherrotipo. Archer decise di appoggiarsi sui vari 
esperimenti che si stavano effettuando in quel periodo con le lastre di vetro, ma 
riscontrò diversi problemi nel processo di sensibilizzazione poiché l’ argento 
aderiva solo parzialmente al nuovo supporto. Archer approdò alla soluzione 
definitiva mescolando i sali d’ argento con il collodio, una sostanza legante che 
doveva essere esposta alla luce mentre era ancora umida. Dopo vari tentativi il 
processo detto a “collodio umido” si impose definitivamente. Per la stampa, 
invece, venne utilizzata la carta albuminata, cioè trattata con l’ albume dell’ uovo, 
inventata nel 1850 da Blanquart-Evrard, proprietario di un laboratorio di stampa 
calotipica.
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Fin dagli albori, la fotografia portò con sé un lungo dibattito circa la sua funzione 
“artistica”. Questa nuova invenzione, infatti, venne salutata dagli uomini del 
tempo quale sicura soppiantatrice della pittura, che fino a quel momento era stata 
puramente aneddotica e figurativa. Se i pittori fino ad allora erano stati gli unici in 
6
 Ibidem
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grado di registrare la realtà attraverso la loro opera, pareva ora che non avessero 
più ragione di esistere, in quanto la realtà poteva essere rappresentata più in fretta 
e con maggiore esattezza, attraverso un processo meccanico che azzerasse 
qualsiasi intervento di soggettività, caratteristica fondamentale che incontrava il 
favore dell’ empirismo positivista. Ma la pittura non muore, anzi, la potenza 
rivoluzionaria della fotografia liberò la pittura dalla sua funzione documentaristica 
portandola a livelli di creatività mai raggiunti prima. Nacque così l’ 
impressionismo.
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 Gli studi condotti sulla luce in ambito fotografico vennero 
sfruttati dai pittori che arrivarono a scomporre l’ immagine in tocchi di colore, 
volti a fissare l’ impressione che la luce stessa conferisce agli oggetti, 
imprimendoli nell’ occhio umano come delicate sfumature e non come forme 
definite. Mentre la fotografia ricercava la massima correttezza dell’ immagine 
attraverso un continuo perfezionamento tecnico, la pittura poteva invece muovere 
in senso contrario, vale a dire verso la scomposizione dei contorni e dei volumi, 
presupposto fondamentale per le future avanguardie novecentesche. Man Ray, 
indiscusso protagonista del Dadaismo, forse la più eversiva tra le avanguardie 
storiche, riassume così il mutamento apportato dalla fotografia al panorama 
artistico:
“Lo sviluppo della fotografia negli ultimi cento anni ha dato un colpo mortale alla pittura 
aneddotica. Era quanto molti pittori dell’ Ottocento temevano, e che qualcuno tuttora 
rimpiange. Comunque, costoro sono ancora liberi di continuare la loro gara con la 
fotografia, e avranno sempre un loro pubblico. Per un altro verso, la pittura è stata 
affrancata dalla sua schiavitù puramente aneddotica e “utilitaristica”, e grazie alla fotografia 
non è mai stata tanto creativa come nel corso delle due ultime generazioni. Essa ha ottenuto 
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 Rosalind Krauss, Teoria e storia della fotografia, Milano, Mondadori, 1996
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uno statuto artistico mai prima possibile. In pari tempo la fotografia, ritenuta sulle prime 
una tecnica scientifica e documentaria, è stata a sua volta affrancata dalla sua funzione 
puramente utilitaristica.”
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Un passo importante per l’ affermazione del valore artistico della fotografia venne 
compiuto già nel 1851 quando in occasione della prima Esposizione Universale di 
Londra venne allestita, nel Crystal Palace, una grande mostra internazionale 
riservata interamente alle realizzazioni fotografiche.
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 Nel 1853 fu fondata la 
Photographic Society di Londra alla cui prima riunione Sir William Newton, 
pittore di corte, tenne un discorso che esortava gli altri soci a considerare la 
fotografia da un punto di vista artistico e, addirittura, a prendere immagini 
leggermente sfocate, in modo che si avvicinassero a quelle dei pittori. Un 
consiglio che riguardava, però, solo le fotografie prese ad uso degli artisti, mentre 
per quelle a scopo documentaristico la precisione dell’ immagine restava 
fondamentale.
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 Il dibattito che ne scaturì fu accesissimo e portò Newton a 
ritornare sui suoi passi. Basilare per lo sviluppo della fotografia artistica fu l’ 
opera di Henry Peach Robinson, pittore e acquafortista, che decise di dedicarsi 
totalmente alla fotografia, rivoluzionandone il linguaggio. Robinson arrivò a 
produrre fotografie composite, cioè tratte da diversi negativi, sostenendo le sue 
creazioni con numerosi scritti teorici. In essi, il fotografo evidenziava l’ 
accademicità delle sue composizioni dichiarandole finalizzate a trasferire nel 
linguaggio fotografico gli effetti strutturali pittorici. Spesso le sue composizioni 
venivano prima disegnate sotto forma di bozzetto e poi realizzate facendo posare i 
modelli separatamente, quindi assemblate sviluppando insieme i diversi negativi. 
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 A. Madesani, op. cit.
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 Ibidem
10
 B. Newhall, op. cit.
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