Comic On-Line: Interactivity Design

 
 
 
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Oggi ci ritroviamo nuovamente in questa 
situazione. Lo sviluppo tecnologico ha creato nuovi 
media e nuovi strumenti di comunicazione con 
caratteristiche superiori ed innovative rispetto alla 
ormai datata televisione. Uno di questi nuovi 
numerosi campi di sviluppo della comunicazione è 
sicuramente Internet. Ciò che adesso si deve fare 
è lo stesso passaggio che dal fumetto 
bidimensionale cartaceo ha portato all’animazione 
televisiva giapponese. Sono stati fatti dei tentativi 
di introdurre il fumetto all’interno della Rete, ma il 
risultato è paragonabile a quello ottenuto dai primi 
fumetti televisivi americani. Non è sufficiente 
portare il fumetto all’interno del nuovo media per 
renderlo adatto a tale mezzo. Si devono anche 
trovare e sfruttare le caratteristiche che questo 
nuovo mezzo offre. Nel caso del Web la prima e 
più importante di queste è sicuramente 
l’interattività, con non riscontriamo né nel comic 
book né nella televisione. Il lettore di fumetti in 
Internet non è più solo spettatore, ma partecipa 
alla creazione del proprio fumetto. 
Su queste premesse si basa il progetto che ho 
sviluppato. Dopo una prima analisi del mondo 
fumettistico in cui vengono passate in rassegna la 
storia del fumetto, lo studio delle sue 
caratteristiche fisiche ed il suo rapporto con 
computer e Rete, si passa all’analisi del progetto, 
sviluppato analizzando tutte le diverse componenti 
(vignetta, pagina e storia) che lo definiscono e 
l’interfaccia che lo rappresenta. 
 
Internet
  
 
 
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Parte prima: il fumetto 
1.1  Testimonianze 
1.1.1  La grande occasione. 
Considerazioni sulla crisi del fumetto 
di Ade Capone 
Non credo sia mai esistita una crisi del fumetto in 
termini globali.  Di volta in volta ad andare in crisi 
sono solo alcuni settori di questo mondo, mentre 
altri si consolidano o addirittura si sviluppano.  
Non è mai capitato, non capiterà mai, almeno a 
mio parere, che si possa mettere in discussione 
l’efficacia commerciale e comunicativa del mezzo 
fumettistico, che funziona sempre e anzi ha una 
diffusione tanto più larga quanto più si diffondono 
nuovi media. Immagino che molti non siano 
d’accordo con questa mia affermazione, ma credo 
di poter portare fatti precisi a suo supporto. Qual è 
la nazione sottoposta al maggior bombardamento 
di informazioni elettroniche su ogni singolo 
abitante, tenendo conto anche dello spazio limitato 
in cui ciò avviene, con effetti a volte claustrofobici? 
Il Giappone. Ma proprio lì le vendite di fumetti 
toccano cifre esorbitanti e per noi inimmaginabili. 
E’ come se all’overdose “elettromagnetica” i 
giapponesi reagissero rifugiandosi nella carta 
stampata. Approfondendo l’argomento 
scopriremmo che è proprio così.  
 
 
 
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Esiste una teoria, detta Teoria dell’Informazione, 
che dimostra come un flusso di bit provochi, se 
portato all’eccesso, una reazione da parte di coloro 
che dal flusso sono investiti. C’è, insomma, un 
limite alla quantità di informazioni elettroniche che 
possiamo ricevere. Ha ragione dunque chi afferma 
che anche da noi ci sarà questa reazione, e che 
torneremo a leggere in massa i fumetti trascurando 
computer, Internet, CD Rom e televisione? Ha 
ragione chi afferma che la vera interattività è quella 
della carta stampata? Solo in parte, a mio parere. 
Perché una cosa non esclude l’altra. E perché tutti 
coloro che lavorano nel mondo del fumetto 
dovrebbero, in questo momento, farsi un giro 
anche al Futurshow o allo SMAU, grandi rassegne 
del multimediale dove vedrebbero come il pubblico 
sia identico a quello delle mostre/mercato 
fumettistiche: ragazzi con zainetto e scarpe da 
ginnastica, che discutono di Web, e-mail, 
videogiochi e fumetti senza fare alcuna distinzione. 
Perché questa è la loro cultura, una cultura 
“contaminata” caratteristica degli anni novanta e 
destinata a contaminarsi sempre di più, che ci 
piaccia o no. A me piace. 
Però non possiamo pretendere che queste nuove 
generazioni leggano le stesse cose che 
leggevamo noi. Sarebbe come aver preteso, negli 
anni sessanta, che chi era ragazzino allora 
continuasse a leggere Dick Fulmine o Il Vittorioso 
o Il Piccolo Sceriffo (nomi che da soli danno il 
sapore di un’epoca passata) invece di Zagor, 
Diabolik, Satanik. E poi, via via, Alan Ford, i 
supereroi Marvel, Mister No, fino ad arrivare a 
Martin Mystere e a quel Dylan Dog che, scusatemi 
la banalità, è stato una vera svolta epocale, in un 
momento che vedeva un trend negativo per i 
fumetti molto simile a quello di adesso, se non 
addirittura peggiore: non c’era infatti, allora, la 
varietà di proposte che c’è attualmente. Tutti 
coloro che hanno prodotto fumetti negli ultimi dieci 
anni dovrebbero ringraziare Tiziano Sclavi&C., per 
aver creato un nuovo pubblico di centinaia di 
migliaia di lettori, un pubblico che è diverso da 
quello tradizionalmente legato all’avventura e 
all’eroe classico e di cui Tiziano ha saputo far 
vibrare certe corde adolescenziali e inconsce, 
coinvolgendo in egual misura ragazzi e ragazze: 
altro fenomeno nel fenomeno, questo. Dylan, 
grazie alla straordinaria sensibilità del suo autore, 
è riuscito ad aprire la porta di quel “giardino 
segreto” in cui nessun altro personaggio era mai 
riuscito a entrare. Ci si erano avvicinati solo i primi 
Uomo Ragno, quelli con Peter Parker nelle vesti di 
timido liceale, ma il puritanesimo americano aveva 
impedito ai loro autori di andare fino in fondo, negli 
anni “innocenti” della Nuova Frontiera kennediana 
(poi sarebbero venuti la guerra nel Sud Est 
asiatico, le giovani prostitute vietnamite e la 
  
 
 
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morfina come anticamera dell’eroina, ma questa è 
un’altra storia). In quel giardino sono invece entrati 
i manga, alcuni in particolare (Video Girl Hi su 
tutti), portando alle estreme conseguenze il 
discorso di coinvolgimento già iniziato da Dylan. E’ 
indubbio che i cartoni animati televisivi abbiano 
dato un grosso contributo alla nascita del 
fenomeno, ma credo che sarebbe sbagliato 
attribuirgliene l’esclusivo merito. Non si 
spiegherebbe, altrimenti, perché la 
programmazione televisiva dei cartoon dei 
supereroi non abbia minimamente fatto alzare le 
vendite di X-Men e soci (anzi). Ai giovani lettori 
che cercano semplicità narrativa e personaggi con 
cui identificarsi, troppi fumetti americani (in 
particolare quelli Marvel, e lo dico a malincuore, 
per l’amore che porto verso tali personaggi) 
propongono saghe intricatissime e spesso 
contradditorie, con resurrezioni scontate che 
eliminando il concetto di morte hanno anche tolto 
vita al mondo supereroistico. Eppure la Marvel 
Italia, pensava di poter addirittura dar del filo da 
torcere a Bonelli, dando per scontato 
l’affossamento di case editrici (per la Marvel) 
minori come la Star Comics. 
E’ chiaro che, se si sbarca in Italia con 
atteggiamento monopolistico, invece di fare il bene 
del fumetto si introduce un elemento di conflitto 
esasperato (il caso Spawn è esemplare, in tal 
senso) che, abbinato a un’invasione di albi in 
edicola e libreria, frastorna i lettori e provoca in 
loro una sorta di repulsione verso il fumetto in 
generale. Inquadriamo il tutto in uno scenario di 
distribuzione/punto vendita che vede da un lato un 
sindacato edicolanti quasi stalinista, nei suoi 
atteggiamenti, e dall’altro una concorrenza 
all’ultimo sangue tra distributori librari (e tra librai 
arrivati a praticare sconti selvaggi), e capiremo che 
davvero la crisi di cui tanto si parla, a volte a 
sproposito, ha molti padri, nessuno dei quali 
ovviamente disposto a sottoporsi alla prova del 
DNA. 
Nemmeno, concedetemi di sottolinearlo, gli 
organizzatori di certe mostre, che sembrano fatte 
per speculare sulla pelle dei ragazzini e per 
leccare i piedi a destra e sinistra per mezzo di 
“premifarsa”. E nemmeno un underground che, 
invece di essere fucina di giovani talenti, sembra il 
ritrovo di sdegnati incompresi spesso finanziati dai 
soldi di papà, da enti pubblici e dai debiti in 
tipografia. Eppure è in questa situazione generale 
che un Dragonball ha potuto arrivare a vendere 
100.000 copie ogni quindici giorni, a dimostrazione 
che il mercato non solo continua a essere ricettivo, 
ma anzi ha una gran fame di novità che possano 
appassionarlo. 
 
 
 
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Il punto è dunque quali novità. Le scelte che 
abbiamo sono due: o continuare a seguire una 
strada sicura, per vendere i nostri prodotti a chi già 
li compra, rassegnandoci a veder calare 
lentamente e costantemente le vendite, in 
mancanza di un ricambio generazionale tra i lettori, 
o cercare di produrre cose nuove che sappiano 
parlare anche ai quattordicenni di fine anni 
novanta. Il che non vuol dire, sia chiaro, sfornare 
prodotti beceramente giovanilistici, ma rendersi 
conto che proprio i due esempi eclatanti che ho 
citato, Dylan Dog e Dragonball, hanno un pubblico 
variegatissimo che va dai dodicenni agli 
ultratrentenni. Ho abbastanza esperienze di 
mostre/mercato e di incontri in fumetteria da 
poterlo affermare con certezza. E il punto, in 
fondo, è proprio questo: il pubblico del fumetto ha 
un’anima che è nel contempo eternamente 
adolescente (gli over 30) e insieme precocemente 
matura (i ragazzini). Mentre gli operatori del 
settore sono a volte o degli inguaribili bambinoni o 
gente mentalmente invecchiata che ha perso il 
contatto con la sempre mutevole sensibilità dei 
lettori. Gente che non prende più il tram, direbbe il 
grande Zavattini. E’ dunque molto spesso colpa 
nostra se i nostri prodotti non funzionano, perché 
siamo noi che dobbiamo saper comunicare, 
andare verso la gente, non è la gente a dover 
venire verso di noi, a doversi sforzare di leggerci e 
capirci. L’unica cosa che abbiamo il diritto di 
chiedere al nostro pubblico è di pagare un fumetto 
per quel che vale, per l’impegno e la fatica che ci 
sono dietro. E io credo che i lettori siano disposti, a 
pagare, se il contenuto merita e se la distribuzione 
di un albo o di un volume funziona. Il fumetto non è 
più il cinema dei poveri, perché la sua crescita 
culturale (in senso lato) sta rendendo questo 
mezzo sempre più diffuso tra le classi sociali 
medio-alte, mentre ora sono proprio le classi meno 
abbienti a snobbarlo (per andare al cinema devono 
semplicemente accendere la TV). A fine aprile ‘98 
è scattata finalmente la sperimentazione che 
permette di vendere la stampa periodica in luoghi 
non canonici come supermercati e librerie 
tradizionali. Un punto in più a nostro favore, se non 
ci fregheremo con le nostre stesse mani. Sì, io 
sono convinto che proprio questa ennesima “crisi” 
possa essere una grande occasione, se sapremo 
stare al passo con una vera e propria svolta 
epocale che ci chiede nuovi contenuti, nuovi ritmi 
narrativi, nuovi tipi di disegno e nuove politiche 
commerciali. Ma senza, sia chiaro, rinunciare a 
quel senso di epico e mitologico di cui ogni storia 
(anche una semplice storia d’amore) ha bisogno 
per diventare una storia senza tempo. E se 
qualcuno pensa che con queste parole finali io mi 
stia contraddicendo, pensi, per esempio, a Guerre 
Stellari.1  
  
 
 
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1.1.2  Lettura per adulti 
di Umberto Eco 
Tranne che per i disattenti, per cui il fumetto 
rappresenta ancora un esempio di produzione 
commerciale riservata a fanciulli e analfabeti, 
questo genere “multimediale” (e sì, esso è pur 
limitatamente tale, e ante litteram) presenta alcune 
curiose caratteristiche, almeno in termini di storia 
delle culture. 
Infatti esso inizia come arte popolare 
d'avanguardia. Curioso ossimoro: popolare certo è, 
per destinazione e linguaggio ma basti considerare 
da un lato l'approccio “selvaggio” e provocatorio di 
Yellow Kid e dall'altro le raffinatezze pittorico-
oniriche di Little Nemo, per dire che esso si pone 
come innovazione nella storia dell’iconografia e 
della narrativa; tanto è vero che, non appena 
questi autori e questi personaggi perdono il loro 
appeal popolare, divengono preda degli storici 
dell'arte, e ormai la letteratura colta su Krazy Kat 
rischia di superare quella su Virginia Woolf. 
Poi il fumetto si assesta in posizione low brow. A 
vocazione popolare, senza uzzoli avanguardistici 
sono Superman o l’Uomo Mascherato, Mandrake o 
Mickey Mouse (faremo una eccezione per Gordon, 
popolarissimo quanto a possibilità di consumo, ma 
estenuatamente perduto in citazioni liberty ed 
anticipazioni visionarie di cui la Nasa ha fatto 
tesoro). 
Oggi ci troviamo nella terza fase: il fumetto marcia 
di nuovo sulla via dell'avanguardia, della proposta 
innovativa. e certamente ci è più familiare la logica 
di Picasso che quella di certe edizioni cartonate 
d'oltralpe, per non dire del percorso dal Pulp allo 
uncanny che ha segnato certo il fumetto 
americano, dai primi complessi dei Fantastici 
Quattro all'ultimo Batman. 
Si badi che questa marcia verso lo sperimentale 
segna anche i fumetti argentini a destinazione di 
massa, e forse si tratta anche di evoluzione 
generazionale, ed io trovo troppo simili a Joyce 
certe storie che i nuovi lettori percorrono con la 
stessa confidenza con cui io percorrevo Salgari. 
Ma certo il genere ci ha riservato non poche 
sorprese, non ultima quella (innegabile) di aver 
influito sullo sviluppo dell'arte “colta” (basti pensare 
alla Pop Art). 
Tutto questo senza sbilanciarmi in giudizi critici: 
come ci sono stati pessimi quadri cubisti così ci 
sono pessimi fumetti dalla lettura difficilissima. Ma 
le linee di tendenza sono queste. 
Genere infido, dunque, e non così paciosamente 
pacifico come vuole la vulgata aristocratica, 
 
 
 
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genere spesso più aristocratico dei suoi critici. 
Genere dunque degno di attenzione critica, e 
acribia, storiografica, che ne segni e paletti i 
percorsi sinuosi e non del tutto prevedibili.2 
 
1.1.3   Fumetti, perché 
di Gaetano Strazzulla 
I fumetti, oggi, entrano liberamente in tutte (o 
quasi) le case, ormai fanno parte del nostro 
consumo quotidiano, come il cinema e la 
televisione, e hanno acquistato il pieno diritto ai 
essere inclusi nella cultura contemporanea come 
una componente primaria della psicologia umana. 
Il lettore che se n'è appropriato li legge soprattutto 
per evadere dalla realtà che lo circonda e lo 
opprime. In essi egli cerca una compensazione o 
un surrogato per i propri sogni e quelle immagini 
che la vita ai ogni giorno non è più in grado di 
dargli. Sono, insomma, il veicolo che gli consente, 
con modica spesa, di rifugiarsi in un mondo 
fantastico-avventuroso, di vivere mirabolanti 
imprese fianco a fianco con i suoi eroi prediletti, 
scaricandosi cosi della tensione accumulata 
durante le ore ai lavoro in ufficio o in fabbrica e 
appagando provvisoriamente le sue esigenze più 
inconsce e le sue ansie ai evasione più impellenti. 
(…) Benché oggi abbiamo raggiunto una diffusione 
mondiale, i fumetti rappresentano ancora un 
fenomeno curioso e non del tutto chiarito, Da un 
lato è nato un vivace interesse sociologico per una 
forma di espressione tipica della nostra civiltà dei 
consumi: i fumetti sono diventati materia di studio 
universitario, talvolta con risultati non trascurabili, e 
nell'ambito dei mass media hanno attirato 
l'attenzione di sociologi, psicologi e studiosi del 
costume; dall'altro c'è un nuovo e spregiudicato 
atteggiamento del pubblico adulto per un tipo di 
letteratura popolare, che per lunghi anni solo pochi 
appassionati avevano coltivato in segreto, 
andando sulle ali del ricordo alla ricerca del tempo 
perduto. Con il ritorno di interesse nostalgico per i 
fumetti fantastico-avventurosi degli anni trenta, è 
nata una nuova forma di feticismo. Si tratta di una 
manifestazione patologica, le cui radici vanno 
rintracciate nelle nevrosi e nelle frustrazioni che 
oggi assalgono l'uomo della società di massa. 
L'adulto che si accosta alle letture della sua 
adolescenza è spinto da un desiderio inconscio di 
ritrovare brandelli di un’età felice e ancora non 
inquinata dalle ansie prodotte da una realtà 
quotidiana alienante, di rivivere un’età 
psichicamente serena e non traumatizzata da 
delusioni e sconfitte lancinanti. Attraverso le 
pagine ingiallite dei vecchi periodici, l'adulto 
approda con la fantasia sull'isola ideale per 
ritrovare i fantasmi della propria giovinezza. 
  
 
 
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Ormai il fumetto si è inserito stabilmente tra i mass 
media, è diventato un importante veicolo di 
informazione socio-culturale capace di rivolgersi 
con i suoi messaggi iconici a un pubblico adulto e 
intellettualmente preparato, viene generalmente 
accettato, anche se permangono isolate 
resistenze, soprattutto da parte di coloro che, non 
essendo stati educati fin da piccoli alla lettura di 
questa narrativa grafica, non riescono a fruirne il 
linguaggio particolare. È vero che si contano 
ancora esempi di fumetto per incolti e 
sottosviluppati mentali. Esiste una produzione 
fumettistica dozzinale e deleteria, impinguata di 
sesso e sadismo. Tuttavia un largo settore del 
comic è impegnato a fornire una Weltanschauung 
in continuo aggiornamento, che rivela 
atteggiamenti di critica nei confronti dell'ideologia 
del sistema e dei condizionamenti emergenti dalla 
società consumistica, riuscendo a testimoniare, 
spesso con efficacia, gli aspetti contraddittori della 
nostra epoca. 
Dopo che anche la cultura ufficiale - abbandonato 
l'atteggiamento di condanna con il quale aveva 
accolto la nascita della nuova espressione - si è 
interessata ai fumetti considerandoli senza remore 
e pregiudizi precostituiti, nessuno si vergogna più 
di mostrarsi in pubblico con sottobraccio uno dei 
tanti periodici a fumetti e non è difficile scoprire 
seri e compassati professionisti tra i più accaniti e 
agguerriti lettori (e collezionisti) di albi e giornaletti. 
(…) Non è più il tempo di considerare i fumetti 
come l’espressione più infima e deprecabile della 
civiltà dell’immagine, di liquidarli con brusche 
condanne o con atteggiamenti troppo distratti. Chi 
insistesse ancora a ragionare in siffatta maniera 
dimostrerebbe di voler fare di ogni erba un fascio, 
coinvolgendo e confondendo nella propria 
condanna la poesia surreale di Krazy Kat, la satira 
feroce di Li’l Abner, le fantasticherie inquietanti di 
Charly Brown&C. e lo stesso suggestivo 
romanticismo dell’Uomo Mascherato con le rozze 
grossolanità di alcune strisce avventurose e le 
ripetute oscenità del fumetto sadico-erotico.I 
fumetti, presi globalmente, rappresentano una 
nuova dimensione di vita e di pensiero, un nuovo 
genere di letteratura amena e di evasione – dove 
ritroviamo la continuità di antichi motivi ancestrali, 
magici e mitici – che interessa a tutti i livelli sociali 
una moltitudine di lettori di ogni età in costante 
aumento. Ma ciò che ci sembra più interessante è 
che i fumetti – diretti discendenti del racconto 
popolare – contribuiscono alla formazione culturale 
e psicologica dell’individuo, il quale per loro tramite 
si rifugia in un mondo di finzione come sollievo 
dalla tensione provocata dalla banalità e dal 
caotico ritmo della vita moderna.3  
 
 
 
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1.1.4  Il fumetto cinematografico 
di Guido Crepax 
Cinema e fumetto da cento anni percorrono strade 
che spesso si sono toccate e qualche volta 
incrociate. 
Nel cinema si è sempre preferito l'associazione 
con la letteratura scritta piuttosto che con quella 
disegnata. Di conseguenza il fumetto ha spesso 
sofferto di un complesso di inferiorità nei confronti 
del cinema, tanto che è opinione generale definire 
un brutto film un “fumettaccio” o, se è noioso, un 
“fumettone”. Personalmente non gradisco queste 
definizioni anche se ammetto di essere fortemente 
critico a proposito dei fumetti che considero, nella 
maggior parte dei casi, “disegnati male” e peggio 
“scritti”. Mi si conceda però di essere altrettanto 
critico a proposito del cinema: oggi il 
perfezionamento della tecnica cinematografica ci 
dà, nella maggioranza dei casi. ottima fotografia, 
buoni effetti di colore, ma non necessariamente 
prodotti artisticamente validi. Per non parlare degli 
attori, spesso di bell'aspetto, ma pessimi nella 
recitazione. Il fumetto invece, essendo un prodotto 
artigianale, “fatto a mano” insomma, è più esposto 
ad un esame, anche superficiale, che rivela subito 
le proprie manchevolezze. Un disegno non è una 
fotografia e se è brutto, è brutto senza rimedio. 
Il tentativo di formulare i termini di paragone tra 
queste due espressioni artistiche (mi si conceda 
l'aggettivo “artistico” pensando, che so, al cinema 
di Eisenstein e ai fumetti di Winsor McCay del 
1905, Little Nemo) mi sembra giustificato. In tutti e 
due i generi si fa uso delle immagini (fotografiche 
nel cinema, disegnate nel fumetto), delle parole e 
dei rumori (registrate e recitate nel cinema, scritte 
nel fumetto). 
Appare subito evidente il “vantaggio tecnico” del 
cinema che può essere facilmente recepito nelle 
immagini (viste dagli occhi) e nelle parole ascoltate 
con le orecchie, mentre il fumetto può essere 
soltanto guardato con gli occhi, che vedono le 
figure e leggono le parole. Quante volte i miei 
“lettori” mi dicono (magari con entusiasmo) di 
avere “visto” le mie storie, ma di non averle “lette”! 
Questo mi aveva indotto a disegnare una storia 
(Lanterna magica) senza parole, trovando 
effettivamente un maggior successo nelle vendite 
del libro, più facilmente riproducibile all'estero 
senza la necessità di traduzione! 
A parte gli incidenti di percorso (“lettori” che non 
leggono) sto tentando ugualmente questa fusione 
tra i due generi (almeno alcuni miei amici-lettori 
che leggono, mi avevano dato la “patente” di 
autore di fumetti-cinematografici, già trent'anni fa). 
Le prime storie furono accolte abbastanza 
  
 
 
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favorevolmente: la corsa delle macchine di F1 con 
le fotografie di Valentina in contemporanea nella 
Curva di Lesmo; ancora le foto di Valentina che 
rivelano un delitto (come nel film di Antonioni Blow 
up, che comunque era stato programmato dopo la 
mia storia Ciao Valentina, quindi niente plagio 
come era stato insinuato). Semmai gli attori erano 
venuti dopo: sogni e flashback venivano digeriti 
con difficoltà dai lettori medi. 
Più tardi avevo provato altre tecniche poco 
recepibili in un fumetto come il “dialogo interiore” di 
Valentina in Alfabeto muto. Poco raccomandabile 
l'amore lesbico di Valentina per una ragazza 
tedesca (Made in Germany - Chi ama chi?). 
Comunque in tutte le mie storie (anche non di 
Valentina, come Histoire d’O, Emmanuelle Conte 
Dracula, ecc.) ho dato particolare rilievo al 
montaggio, appunto “cinematografico”, alla 
“sequenza” in genere, al “particolare”, al “primo 
piano”, più che al disegno “in sé e per sé”. 
Comunque il rapporto tra cinema e fumetto resta 
difficile con qualche lodevole eccezione. Le 
delusioni maggiori sono venute proprio dalle 
versioni cinematografiche dei fumetti celebri. Non 
conosco Histoire d’O e neppure le varie derivazioni 
da Emmanuelle, ma ne ho sentito parlare 
abbastanza male e poi si trattava di interpretazioni 
dei romanzi corrispondenti, senza alcun riferimento 
alle mie versioni fumettistiche. Non parliamo dei 
serial Flash Gordon, Phantom, che non conosco 
che in minima parte (uno solo mi è bastato!), nè di 
Barbarella (malgrado Vadim). 
E le eccezioni? Dick Tracy di Warren Beatty non è 
la versione cinematografica del fumetto di Chester 
Gould, ma è un bellissimo film che ne ricrea 
l'atmosfera, senza ricalcare le trame delle storie; 
già il colore dà un tono completamente diverso da 
quello dei disegni di Gould, che se mai fanno 
pensare ad altri film molto più vecchi, per esempio 
M di Fritz Lang, ma questo, secondo me, non è un 
difetto, perché un film è un film e un fumetto è un 
fumetto.4 
 
1.1.5  Il fumetto all'università 
di Ermanno Detti 
Il fumetto all'università è il titolo di quattro incontri 
che si sono svolti nei mesi di novembre e dicembre 
1983 all'ateneo romano. Il titolo, di certo invitante, 
attira l'attenzione, ma non corrisponde del tutto 
all'idea che qualcuno potrebbe essersi fatta: difatti 
era assente ogni rappresentanza dell'università, 
che offriva all'iniziativa solo locali e prestigio. 
Possiamo dire insomma che per ora il fumetto ha 
varcato solo le soglie dell'Aula Magna, o di altre 
aule piuttosto capienti, dell'ateneo. L'idea era stata 
 
 
 
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del Centro «Kolbe» e consisteva semplicemente 
nel far parlare i principali autori di fumetti italiani 
(Staino, Berardi e Milazzo, Bonelli e Galleppini, 
Pratt e Manara, le sorelle Giussani), affinché essi 
rivelassero le loro tecniche, i loro propositi ed 
obiettivi, i riferimenti culturali dei loro lavori, ecc. . E 
questo è stato fatto, con una partecipazione alta e 
con un livello non sempre altrettanto alto. Risultati 
alterni, insomma.  
L'incontro più interessante è stato indubbiamente 
quello con Sergio Staino, l'unico che si sia 
presentato con una vera e propria relazione 
introduttiva (breve, spiritosa, intelligente, 
documentata, seguita con profonda attenzione) e 
che abbia poi risposto alle domande con estrema 
naturalezza e senza ombra di reticenza. Forse a 
qualificare quell'incontro è stata anche la presenza 
di un critico, Franco Pettarin, il che ha permesso 
un confronto (così sempre evitato, chissà perche!) 
tra chi fa i fumetti e chi su essi riflette. Il momento 
più divertente è stato quello in cui Franco Pettarin 
ha tentato un discorso di alto livello sulle prime 
strisce di Staino, composte non dalle quattro 
vignette classiche disposte l'una dopo l'altra, ma 
da due vignette sopra e due sotto. A quella 
disposizione nuova Pettarin ha attribuito una 
volontà di rinnovamento espressivo e 
comunicativo. Staino ha però spiegato che quelle 
vignette le aveva disposte così a causa della 
dimensione della carta da lui usata (era in tempi di 
difficoltà economica e doveva risparmiare), e 
quando a “Linus”, che le pubblicò per primo, gli 
chiesero se quella disposizione era irrinunciabile, 
rispose di sì semplicemente per darsi un contegno. 
Certo, non tutti sono brillanti come Staino e 
qualche volta in un simile confronto potrebbero 
essere gli autori ad avere la peggio. Ma questo 
non ci sembra un problema. Anzi, lo stesso Staino 
ha pubblicamente dichiarato che dalla critica ha 
sempre appreso molto per migliorare le sue 
strisce. Al contrario delle sorelle Giussani che, 
anzi, in alcune occasioni si sono risentite verso 
coloro che scrivono su Diabolik; e lo stesso Sergio 
Bonelli ha sostenuto ancora una volta che la critica 
rinviene nelle sue storie contenuti e ideologie a cui 
non aveva mai pensato. Ma nemmeno questo ci 
sembra un problema, c'è chi pensa una cosa e chi 
ne pensa un'altra. Siamo rimasti sorpresi, 
piuttosto, che proprio Bonelli e le Giussani, creatori 
di personaggi tanto audaci (Sergio Bonelli è figlio 
del celebre Gianluigi Bonelli, autore di Tex, ed è, a 
sua volta, autore di celebri fumetti, come Zagor, 
Mister No…) siano stati invece in questi incontri, 
come dire, molto controllati. Nell'incontro con Pratt 
e Manara ci sono stati momenti davvero 
significativi. Forse meriterebbe un 
approfondimento proprio a livello universitario 
l'ipotesi avanzata da Pratt e Manara sull'avventura, 
  
 
 
Comic on-line: interactivity design 
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che è sempre stata, con poche eccezioni fra cui le 
peripezie di Ulisse, bandita dalla nostra letteratura 
perché portatrice di valori antiteci alla società 
occidentale. L'avventura, hanno sostenuto i due 
autori, è il regno della precarietà e tutto ciò che è 
precario terrorizza la nostra società occidentale 
sempre così “impegnata”. Molto ben vista è, non a 
caso, la letteratura gialla, ove l'avventura è 
ricondotta a livello di trasgressione puntualmente 
punita. Nel giallo, infatti, a dare inizio alla vicenda 
è l'assassino o il ladro o il fuorilegge e non 
l’investigatore che interviene per scoprire e punire 
colui che tanto bruscamente ha sconvolto l'ordine 
costituito.5 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
1
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2
 PIETRO FAVARI, Le nuvole parlanti. Un secolo di fumetti tra arte e mass 
media, Ed. Dedalo, Bari, 1996, pag.10 
3 GAETANO STRAZZULLA, Fumetti di ieri e di oggi , Ed. Nuova Universale 
Cappelli, Bologna, 1977, cap.1, pag.9 
4
 PIETRO FAVARI, Le nuvole parlanti. Un secolo di fumetti tra arte e mass 
media, Ed. Dedalo, Bari, 1996, pag.7 
5
 ERMANNO DETTI, Il fumetto tra cultura e scuola, Ed. La Nuova Italia, 
Firenze, 1984