Artisti e mercati del lavoro: dinamiche occupazionali

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potenzialità, con  una particolare attenzione  sulle performing 
arts. 
L’interesse nei confronti del campo dello spettacolo è 
motivato da un particolare status in cui si collocano gli artisti 
esecutori. 
Essi, a differenza dei cosiddetti artisti visivi, come il poeta, il 
pittore, lo scultore o il  musicista compositore, sono, di regola, 
inseriti in una struttura aziendale o imprenditoriale, e pur 
conservando i fondamentali caratteri dell’autonomia e 
dell’originale creatività. 
Questo vuol dire che  l’attività del regista, dell’attore, del 
cantante, del ballerino, si differenzia profondamente, perché 
inserita nell’ambito di un’impresa di spettacolo a struttura 
industriale e, concorrente verso un risultato collettivo ed 
unitario; inoltre, necessita, dell’apporto di numerosi altri fattori 
economici o finanziari, materiali ed umani, che rendono  la 
questione estremamente stimolante da un punto di vista 
squisitamente economico. 
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CAPITOLO 1 
LA PRESTAZIONE ARTISTICA 
 
 
1.1 Cosa è l’arte e chi è un artista.  
 
 
"Non esiste in realtà una cosa chiamata arte." 
 È con questa frase che Ernst H. Gombrich
1
 apre il celebre 
volume “La storia dell’arte”. 
Credo riesca in tal modo ad inquadrare le problematiche che 
emergono nell’affrontare in termini economici questioni dai 
confini così labili e mutevoli. 
Il concetto di arte è, infatti, assai elastico e relativo, e può 
avere significati molto diversi a seconda del tempo, del luogo e 
anche della persona che osserva.  
In particolare oggi, con la perdita di alcuni parametri, quali 
il concetto di bellezza classica, di aderenza alla realtà, di 
espressività ecc....che per lungo tempo hanno in qualche modo 
permesso di inquadrare con una certa omogeneità tutto ciò che 
è stato definito “arte”. 
Il discorso ora è sempre più complesso perché ci troviamo 
di fronte a realtà deformate e travisate, modificate dall'artista in 
un modo del quale non capiamo immediatamente le ragioni, nel 
quale possiamo entrare solo accantonando preconcetti, abitudini 
                                                 
1
 (1909-2001) studioso di storia dell’arte 
 
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e  pregiudizi che ci fanno vedere il mondo secondo standard 
collaudati e scontati. 
Gli artisti hanno spesso del mondo una visione particolare, 
ridefiniscono la realtà come stessero compiendo un viaggio di 
scoperta attraverso cose nuove, percepite per la prima volta, e 
seguirli vuol dire scoprire mondi mai immaginati ed affascinanti, 
essere capace di abbandonarsi, non preoccuparsi di catalogare o 
etichettare, accettare con curiosità il miracolo dell’arte. 
Essi hanno ciò che si può definire il "vedere artistico", la 
capacità di andare oltre l’ apparenza delle cose, di mirare 
all’essenza della realtà mostrandone i pregi e i difetti. 
E’ l'arte che permette di passare dalla percezione 
all'espressione visiva, esprimendo una concezione dello spazio e 
della realtà mediata dai sensi. 
Poiché non esiste solo una lettura dell'opera d'arte basata 
sul significato delle forme, ma anche sulla psicologia della forma 
e della percezione, ecco che l'arte si pone come materia che 
coinvolge il cervello, la mente, la psiche, la cultura 
dell'individuo, la sua vita, la sua storia. 
Non tutto ciò che l'arte  ci propone entrerà, ovviamente, 
nella Storia dell'Arte, perché gli avvenimenti diventano "storia" 
quando si riesce a valutarne la portata, gli effetti ed i riflessi su 
quanto viene dopo di loro. 
Parlando del ruolo dell'arte nella storia dell'umanità e della 
società civile, è inevitabile chiedersi quale sia il ruolo dell'artista, 
perchè se è vero che non esiste una "cosa" chiamata arte, non 
possiamo affermare altrettanto per l’ esistenza degli artisti e 
delle loro opere. 
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Sono questi reali e di profonda importanza storica e sociale. 
La dignità che circonda la figura dell'artista è 
particolarmente sentita nel Rinascimento, periodo in cui il genio 
di personaggi straordinari si concretizza nelle opere che 
adornano i palazzi del principe o gli ambienti dedicati al culto, 
con l'indiscusso riconoscimento all'arte di valori e significati al di 
fuori della vita comune, arte come "qualcosa d'altro", arte come 
“bello”, qualcosa di ben circoscritto: per secoli l'arte e l'artista 
restano due realtà elitarie riservate a pochi, con specifici compiti 
celebrativi o documentaristici. 
Nell' '800, il raggiunto sviluppo tecnologico fa entrare in 
crisi il ruolo fino ad allora ricoperto dall'artista, va alla ricerca di 
nuovi significati e dà un grande contributo alla nascita del mito 
dell'artista genio sregolato e solitario, “poeta romantico e 
maledetto”, in concomitanza con la reale situazione di vita di 
alcuni di essi, creando così uno stereotipo che finisce per 
influenzare a lungo il modo di considerare chiunque sia dotato di 
qualità creative. 
La necessità di una definizione più precisa del ruolo 
dell'artista sorge ad inizio '900, quando il diffondersi di uno 
stato sociale post-industriale mette in discussione la tradizionale 
figura dell'intellettuale, che rischia di venir vista con diffidenza, 
emarginata e svalutata di fronte a priorità più concrete di 
profitto, davanti la figura emergente del "tecnico", più integrata 
nella società positivista che gestisce le risorse economiche, più 
ben accetta, più comprensibile. 
Le avanguardie del '900 contribuiscono notevolmente a 
definire la posizione dell'artista nei confronti della società e della 
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storia, demolendo in gran parte il suo carattere elitario e 
facendone un individuo calato nella realtà del suo tempo, non 
più un sognatore perso nelle sue fantasie, un bohemien come 
poteva venir concepito in epoca romantica, ma da una parte un 
professionista integrato nel suo stato, dall'altra un sensibile 
anticipatore del futuro, in grado di captare le esigenze del suo 
tempo e svelarle a proprio modo al resto degli uomini : in 
questo caso, pur alimentando il mito del genio incompreso, 
viene riconosciuto all'artista il potere "oggettivo" di svelare 
l'inconscio "soggettivo"e farsi interprete delle angosce 
dell'umanità tutta, attraverso l'universalità linguistica dell'arte. 
Ogni persona ha una nozione leggermente differente di 
realtà, ma pochi sono in grado di racchiuderla e di esprimerla. 
L’arte costituisce una parte di questo processo di definizione 
della realtà. 
Ogni sua opera, ogni sua azione di ricerca, diventa una 
manifestazione del suo mondo, e ci permette di sperimentare 
l’immagine dell’uomo così come quel creatore la concepisce.  
Gli artisti hanno sempre assunto l’espressione della 
soggettività della percezione e la visione individuale del mondo 
come riflesso dell’esistenza.  
L’artista è capace di trasmettere un’infinità inconscia 
all’opera d’arte che manifesta tale immensità offrendosi ad 
innumerevoli interpretazioni, come se infinite fossero le 
intenzioni che l’hanno determinata.  
Shelling, filosofo romantico (1775-1854) secondo cui l’arte 
è al di sopra di tutto, anche della filosofia stessa, descrive 
l’artista come “artista di genio in grado di attuare la piena 
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sintesi tra anima del mondo e materia: l'intuizione, il colpo di 
genio, l'ispirazione, è infatti uno dei momenti più alti di quella 
intelligenza della natura che si manifesta in ogni cosa, tale da 
permettere di dominare la materia e farne scaturire, in essa, 
quell'intelligenza non consapevole che normalmente rimane 
celata”. 
Anche Benedetto Croce (1866-1952), occupandosi di 
estetica, parla dell’intuizione come potere proprio dell’arte, in 
grado di assumere la forma autonoma  di autocoscienza, 
attraverso la fantasia che si esprime nella produzione di 
immagini, per le quali è irrilevante l'essere o no reali.  
Il tema della fantasia lo ritroviamo in Freud, secondo cui 
l’artista ha le capacità di sublimare i suoi scopi irrealistici in idee 
raggiungibili rivolgendosi al mondo della fantasia e riprendendo il filo 
di Platone associa la creazione di una opera d’arte  ad una 
genesi magica, e delinea  la figura dell’artista come colui che, 
dotato di téchne, ispirato dalle Muse cade in una divina follìa (o 
estasi) che lo avvicina alla sfera della creazione, e quindi del 
divino. 
“L'arte è per noi inseparabile dalla vita: diventa arte-azione 
e come tale è sola capace di forza profetica e divinatrice” dice il 
futurista F.T. Martinetti (1876-1944). 
Ma sarà forse per l’attribuzioni di poteri divinatori e 
rivelatori che oggi l’artista sebbene  rivalutato e reso più reale è 
nella nostra cultura ancora appartenente alla sovrastruttura 
sociale, costringendo l’artista ad assumere una veste 
trascurabile, e non di mero valore aggiunto allo sviluppo sociale. 
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Scopo della tesi sarà infatti mettere in luce il fatto che 
l’analisi della situazione economica dell’artista è alla base della 
conservazione, tutela e valorizzazione del patrimonio culturale 
del paese. 
 Ed è per questo che la società non ha solo il dovere ma 
soprattutto l’interesse di sostenere questa categoria dato che il 
ruolo che essi svolgono di miglioramento della qualità della vita 
e di consolidamento della democrazia.  
Fa riflettere infatti che nonostante la produzione e la 
maggiore diffusione di opere artistiche e il sorgere di vere e 
proprie industrie culturali, molti artisti vivono ancora in 
condizioni di vita precarie e comunque non corrispondenti al loro 
ruolo sociale.  
 
 
 
 
 
 
 
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1.2 La prestazione artistica e i vari criteri usati nelle 
indagini economiche 
 
 
Abbiamo parlato di cosa è l’arte e l’artista a livello 
concettuale, ma non abbiamo risolto la questione altrettanto 
ostica e più pratica, ossia “chi è e chi non è” un artista .  
Stabilire una definizione precisa è importante ed essenziale 
come presupposto per procedere alle diverse tipologie di analisi 
inerenti l’impiego e i guadagni dell’artista e questo punto è fonte 
di dibattito, in quanto l’espandersi della definizione può 
cambiare la media del guadagno di un artista 
Anche se in realtà la definizione non è sufficiente, perché 
rimane ancora aperta la problematica sul chi includere o meno 
dalla stessa. 
A tal proposito esistono diverse teorie relative alle analisi 
fino ad ora effettuate sul mercato del lavoro artistico. 
Non esistono quindi criteri standard in quanto i criteri 
esistenti dipendono dal tipo di analisi che si vuole eseguire e 
dalla tipologia artistica oggetto della discussione.   
A dir la verità le analisi fino ad ora effettuate nel tentativo 
di stabilire la dimensione del mercato del lavoro culturale hanno 
portato a risultati interessanti, ma non attendibili a livello 
scientifico.  
L’origine dell’incertezza viene dalla mancanza di uniformità 
dei parametri considerati all’interno dei singoli paesi. 
 14
In occasione di un convegno internazionale organizzato a 
Spoleto nel 1996 dall’Associazione per l’Economia della Cultura 
sul tema “Nuove Frontiere per l’occupazione culturale in 
Europa:il patrimonio, lo spettacolo, gli audiovisivi, come 
laboratorio per nuove idee”  si è rinunciato a quantificare la 
dimensione del mercato del lavoro artistico perché nel tentativo 
di una indagine preliminare i dati emersi presentavano 
incompatibilità tra loro. 
In Europa ci si riferisce generalmente a ciò che gli individui 
dichiarano come loro lavoro principale.  
Quindi gli individui, spesso impegnati in diverse occupazioni 
dentro o fuori dalla sfera culturale sono considerati artisti a 
seconda di quello che essi riportano essere la loro principale 
risorsa di sostentamento.  
Tuttavia nella suddetta ricerca emergeva che in Germania, 
Francia, Italia e Gran Bretagna che oscillano tra i 
cinquantacinque e i sessanta milioni di abitanti, gli occupati del 
settore culturale all’inizio degli anni novanta risultava essere 
rispettivamente  : un milione e duecentomila; 
quattrocentocinquantamila; centocinquantamila;
quattrocentomila. 
Causa prima dell’evidente divario dei dati è da ricondurre 
alla definizione amplissima di lavoro culturale tedesca.  
Infatti alcuni paesi, tra cui la Germania, includono lavori 
artigianali nel campo degli impieghi culturali, portando a un 
numero eccessivo le stime in paragone con gli altri paesi. 
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In realtà nel tentativo di  uniformare  i diversi ordinamenti e 
incoraggiare la tutela dell’artista, nella Raccomandazione del 27 
ottobre 1980, l’Unesco stabilisce che è artista: 
“ogni persona che crea o partecipa con la sua 
interpretazione alla creazione o al rifacimento di opere d’arte, 
che ritiene la creazione artistica un elemento essenziale della 
sua vita, che contribuisce in tal modo allo sviluppo dell’arte e 
della cultura, che è riconosciuta o che  chiede di essere 
riconosciuta in quanto artista , indipendentemente dal fatto di 
essere o no legata da un  vincolo di lavoro o di associazione” .  
Il contenuto della Raccomandazione rimane ancora oggi il 
testo principale di riferimento riguardante la condizione 
dell’artista,  ma la sua attuazione ha visto il coinvolgimento 
effettivo di un numero ristretto di Stati.  
Eccetto negli ultimi anni in cui il problema della precarietà 
della condizione lavorativa artistica all’interno di una Europa che 
è riuscita a realizzare il mercato interno e la moneta unica ed 
auspica che gli Stati membri perseguano adeguate politiche in 
campo sociale, fiscale, culturale ed educativo, per dare alle arti 
e alla creatività il posto che meritano.  
E per perseguire questo obiettivo, il 25 febbraio 1999 il 
Parlamento Europeo ha approvato una relazione della 
Commissione Cultura sulla situazione economica e sociale degli 
artisti nell’Unione Europea.  
Il processo di definizione di un quadro strutturale omogeneo 
sarà molto lungo e intricato. 
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Molti studiosi si sono preoccupati di offrire un quadro chiaro 
ed esplicativo della situazione generale degli artisti utilizzando 
differenti approcci metodologici.  
Bruno S.Frey e Werner W. Pommerehne nel loro libro 
“Muses and Markets. Explorations in the Economics of the Art” 
(1989) suggeriscono otto caratteristiche tramite cui individuare 
l’artista: 
1. la maggior parte del tempo viene speso nel lavoro 
artistico; 
2. la gran parte del guadagno deriva dall’attività 
artistica; 
3. il riconoscimento dell’essere artista da parte del 
pubblico; 
4. il riconoscimento dell’essere artista da parte degli  
altri     artisti; 
5. la qualità del lavoro artistico prodotto (il che però 
implica un ulteriore dibattito sulla definizione di qualità 
artistica); 
6. l’appartenenza a gruppi o associazioni di artisti 
professionisti; 
7. una qualificazione professionale nel campo dell’arte; 
8. l’auto-riconoscimento dell’essere artista. 
I primi due criteri sono oggettivi nel senso che possono 
essere considerati  tramite analisi sui dati. 
I criteri tre, quattro e cinque trovano invece difficile 
rispondenza nella realtà, dato che si tratta di prendere in 
considerazioni giudizi opinionabili e soggettivi, che tra l’altro 
necessitano di ulteriori discussioni. 
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Come i primi due, anche i punti sei e sette richiedono dei 
dati facilmente ottenibili.  
E’ comunque l’ultimo criterio ad essere adottato nella 
maggior parte delle analisi inerenti il mercato del lavoro degli 
artisti e ciò viene confermato dalla definizione fornitaci 
dall’Unesco stesso.  
Una valutazione generale sugli artisti comporta  quindi 
l’elaborazione di numerosi differenti criteri, come elencato da 
Frey e Pommerehne (1989) : il criterio del “mercato” relativo 
alla produzione di reddito da lavoro nelle arti, quello che 
comprende i membri di associazioni di professionisti o sindacati, 
gli aventi una qualifica di istruzione nelle arti e il criterio che 
tiene in considerazione la valutazione di gruppi che 
appartengono al settore. 
Chiaramente questi criteri possono trascurare alcune 
categorie artistiche o evidenziare problematiche piuttosto  che 
altre. 
Joan Jeffri,
 
direttrice del Centro di Ricerca per l’Arte e la 
Cultura alla Columbia University Teachers College, era 
interessata alla definizione di professionalità e il focus del suo 
lavoro, riguardante diverse categorie artistiche negli Stati Uniti, 
era sia sull’auto-valutazione che sulla valutazione tra artisti 
stessi. Agli artisti figurativi era richiesto di specificare i principali 
motivi per definire se stessi e qualcun altro come artisti 
professionisti. 
I risultati delle analisi mostrarono che “l’istinto” fu il tipo di 
classificazione più scelto. 
 18
Gli economisti, forse per evitare tale conclusione, sono 
portati ad adottare un criterio di mercato, concentrandosi sul 
primo e il secondo punto dell’analisi di Frey e Pommerehne .  
Questo vuol dire che il criterio preso prevalentemente in 
considerazione nelle varie analisi economiche è quello del 
“tempo”,  speso nel lavoro artistico e per il relativo guadagno. 
Throsby e Mills (1989) hanno concentrato la loro attenzione  
sugli artisti australiani, includendo nell’indagine  gli artisti 
performativi, i creativi e gli artigiani. Essi cominciarono con il 
compilare una lista  che includeva coloro che si autodefinivano 
artisti in quanto membri di associazioni o sindacati e altri definiti 
artisti esterni, ossia non appartenenti a suddette associazioni. 
Lo step successivo dell’analisi furono le interviste telefoniche 
effettuate con lo scopo di eliminare gli artisti  che non avevano 
praticato la loro arte nei precedenti 5 anni. Questa era la libera 
interpretazione del criterio del mercato in cui non è richiesto che 
l’artista sia praticante correntemente e costantemente. 
Invece Filer (1986) praticò un più rigoroso metodo, 
considerando artisti solo  quelli i quali hanno successo nel senso 
finanziario. Il suo studio si basò sui dati estrapolati dal database 
del US CENSUS
2
, riguardanti tutto il campo della occupazione 
artistica. Tali dati vengono ricavati dalla compilazione di 
questionari che domandavano agli intervistati quale fosse la loro 
principale occupazione nel senso temporale e di guadagno. 
 Questo metodo di identificazione  della popolazione 
artistica , similare ad uno adottato  nel British Census of 
                                                 
2
 Collezione di dati statistici sulle circostanza sociali ed economiche negli Stati Uniti 
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Population
3
, è stato utilizzato  da Wassal e Alper 
4
(1992) per 
eliminare persone che potrebbero con altri criteri essere 
considerati artisti.  
L’analisi degli artisti in Galles (Towse 1992)  come anche 
un più recente studio  scozzese espresso in occasione dello 
Scottish Arts Council, ha utilizzato una varietà di fonti per 
ottenere la popolazione artistica rilevante: membri di 
associazioni artistiche e sindacati, liste de Arts Council e, negli 
ultimi tempi, recenti diplomi di arte, di teatro e di scuole di 
musica. 
L’essere membro di associazioni professionistiche e 
sindacati, il settimo criterio indicato da Frey e Pommerehne per 
definire un artista, può, così come non può  evitare 
l’implicazione di un test di mercato o una valutazione tra pari.  
Ma anche in questo caso bisogna tenere in considerazione 
altri fattori, come i canoni di ammissione dei membri.  
Coloro che sono ritenuti membri pieni dell’ Equity (ossia 
del sindacato degli attori) hanno passato un test di mercato, 
dato che prima di tutto, per ottenere l’appartenenza a pieno 
titolo, devono avere lavorato un dato numero di settimane  per 
garantire all’associazione una minima percentuale di 
pagamento.  L’appartenenza provvisoria all’Equity, in ogni 
modo, è conferita automaticamente per due anni sugli attori, 
ballerini e chi ha frequentato una scuola riconosciuta dall’ente.  
                                                 
3
 Collezione di dati statistici sulle circostanze sociali ed economiche in Gran 
Bretagna 
4
 Professori  alla Northeastern University di Boston, Massachusetts